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Ricardo Faria (Um Poeta chamado Solano Trindade)

Tempos de Teatro de Arena, Redondo, TBC, TAIB, do Teatro das Nações, inaugurado com uma ópera para mais de mil pessoas vestidas a rigor.

A gente se reunia no Ponto de Encontro, uma livraria no subsolo da Galeria Metrópole, em frente à Praça da Biblioteca, na então Paulicéia Desvairada dos anos sessenta. Que bom ter conhecido tantas pessoas especiais.

Aquele negrão era cativante, mais ainda quando declamava e se repartia.

Solano Trindade, pernambucano de Recife, filho do sapateiro Manuel Abílio e da quituteira Emerenciana, cresceu dançando o Pastoril e Bumba-meu-boi. Participou dos Congressos Afros dos anos trinta, especialmente quando Gilberto Freyre lança seu Casa Grande & Senzala.

Em 1936, Solano funda o Centro Cultural Afro-Brasileiro e a Frente Negra Pernambucana, uma extensão da Frente Negra Brasileira. Publica os seus Poemas Negros. Inquieto, viaja para Minas Gerais e depois para o Rio Grande do Sul, onde cria, em Pelotas, um Grupo de Arte Popular.

Aquele homem de andar manso, cabeça cheia de planos e energia inabalável foi depois para o Rio de Janeiro. Em 1944 publicou o livro Poemas de uma Vida Simples. Em 1945, junto com Abdias Nascimento, criou o Comitê Democrático Afro-Brasileiro.

Com Haroldo Costa fundou o Teatro Folclórico. Atuou em filmes como A hora e a vez de Augusto Matraga e O Santo Milagroso.

Na cidade maravilhosa, Solano gostava do Café Vermelhinho freqüentado por intelectuais, políticos, jornalistas, escritores e atores teatrais. Era amigo de pessoas como o Barão de Itararé e Santa Rosa.

Solano filiou-se ao Partido Comunista, as reuniões da Célula Tiradentes ocorriam na sua residência e, durante a perseguição aos comunistas, empreendida pelo governo Dutra, entram em sua casa. Seu filho, Liberto, está deitado, doente. A polícia vira o colchão, à procura de armas. Exemplares de seus livros são apreendidos.

A filha Raquel lembra: “Papai jamais esconderia armas. Sua luta era feita com idéias”. Preso, não se abala. Raquel e a mãe, Margarida, percorrem as cadeias até encontrá-lo.

Quando sai, Solano parece fortalecido. Embora com os olhos tristonhos, seu otimismo é contagiante, nasce do seu amor pela arte e pela vida. Continua escrevendo, fazendo teatro e espalhando sonhos e esperanças por onde passa.

Preocupava-se com o que chamava de folclore, com as danças populares. Dizia ser necessário pesquisar nas fontes de origem e devolver ao povo em forma de arte. Sua experiência mais bem sucedida neste sentido foi o Teatro Popular Brasileiro, criado por ele, por sua esposa Margarida Trindade e pelo sociólogo Édison Carneiro em 1950

Com Haroldo Costa fundou o Teatro Folclórico. Atuou em filmes como A hora e a vez de Augusto Matraga e O Santo Milagroso.

Na cidade maravilhosa, Solano era freqüentador do Café Vermelhinho, onde se reuniam intelectuais, políticos, jornalistas, escritores e artistas de teatro. Ali era amigo de pessoas como o Barão de Itararé e Santa Rosa.

O Embu é um agradável município distante cerca de uma hora do centro de São Paulo. Embora tão próxima à metrópole, a cidade guarda um clima bucólico, aconchegante.

Quem chega no Embu aos domingos, quando é grande o movimento de turistas, não imagina estar diante da concretização do sonho de artistas negros, dentre eles o poeta Solano Trindade, pesquisador das nossas tradições populares, teatrólogo, pintor e boêmio; um ser humano de grande carisma e visão, para quem a arte representava parte essencial da vida.

Solano vem a São Paulo e é convidado pelo escultor Assis para apresentar-se no Embu e leva o seu grupo. Dormem no barracão de Assis nos finais de semana, quando mostram sua arte para um número cada vez maior de pessoas. Participam da peça “Gimba”, de Gianfrancesco Guarnieri. Em 1967, apresentam-se para um dos criadores da Negritude: Leopold Senghor.

Solano apaixona-se pelo Embu, muda-se para lá e sua casa torna-se uma núcleo artístico. Na cidade já havia um movimento com artistas como Sakai e Azteca, mas a atividade de Solano e Assis faz surgir a feira de artesanato e revoluciona o local, aumentando o fluxo turístico.

Solano chegou a ser conhecido como “o patriarca do Embu”. A casa e o coração de Solano estavam sempre prontos para receber, na panela, havia comida para quem chegasse a qualquer hora.

Ironicamente, no final da vida, vários desses amigos se afastaram, mas talvez este seja o cruel destino dos grandes criadores, de profetas e poetas assinalados. A poesia de Solano o marcou. Orgulhava-se ser chamado de “poeta negro”; – “Sou negro, meus avós foram queimados pelo sol da África minh’alma recebeu o batismo dos tambores atabaques, gonguês e agogôs.”

Casou-se três vezes e teve quatro filhos. Raquel Trindade, que hoje continua o trabalho do pai, no Embu, descreve-o: “Existem artistas que aparentam ser uma coisa e, no fundo, são outra. Papai mostrava-se como era, um pai fantástico”.

Último ato: esse poeta dava-se completamente à arte e à vida sem se importar com bens materiais, ainda que seu trabalho tenha favorecido a muitos. A partir de 1970, sua saúde começou a apresentar problemas. Morreu no Rio de Janeiro, em 1974.

Em 1976, voltou aos braços do povo como tema da escola de samba Vai-Vai, com enredo elaborado por sua filha Raquel. Os versos do samba de Geraldo Filme ainda ecoam: “Canta meu povo, vamos cantar em homenagem ao poeta popular Vai-Vai é povo, está na rua saudoso poeta, a noite é sua.”

Palavras escritas num poema à filha Raquel se tornam proféticas: “Estou conservado no ritmo do meu povo Me tornei cantiga determinadamente, nunca terei tempo para morrer.”

Um de seus trabalhos mais famosos, intitulado “Tem gente com fome”, foi musicado e gravado por Nei Matogrosso: Trem sujo da Leopoldina correndo, correndo, parece dizer tem gente com fome, tem gente com fome, tem gente com fome. O ritmo é o de um trem em movimento. No final, quando vai parando, a voz ouvida pelo poeta exige: se tem gente com fome, dá de comer. Solano também cantou continuamente o amor. – Fonte Márcio Barbosa

Em tempos de Beto Carneiro, o Vampiro Brasileiro, e Emílio Surita com seu Pânico na TV, vale a pena homenagear Solano Trindade:

Tem gente com Fome

Trem sujo da Leopoldina
correndo correndo
parece dizer
tem gente com fome
tem gente com fome
tem gente com fome

Piiiiii

Estação de Caxias
de novo a dizer
de novo a correr
tem gente com fome
tem gente com fome
tem gente com fome

Vigário Geral
Lucas
Cordovil
Brás de Pina
Penha Circular
Estação da Penha
Olaria
Ramos
Bom Sucesso
Carlos Chagas
Triagem, Mauá
trem sujo da Leopoldina
correndo correndo
parece dizer
tem gente com fome
tem gente com fome
tem gente com fome

Tantas caras tristes
querendo chegar
em algum destino
em algum lugar

Trem sujo da Leopoldina
correndo correndo
parece dizer
tem gente com fome
tem gente com fome
tem gente com fome

Só nas estações
quando vai parando
lentamente começa a dizer
se tem gente com fome
dá de comer
se tem gente com fome
dá de comer
se tem gente com fome
dá de comer

Mas o freio de ar
todo autoritário
manda o trem calar
Psiuuuuuuuuuuu

Fonte:
Revista Entrementes

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Alvaro Mariel Posselt (José Marins – Um haicaísta paranaense)

José Marins é paranaense de Jandaia do Sul, mas se criou em Umuarama, noroeste do estado. Veio para Curitiba quando tinha 18 anos e mora na cidade há 35 anos. “Curitibanizou-se”, criou raízes e asas, onde das asas só possui agora o coto, pois diz ser uma pessoa caseira, um provinciano que não gosta da metropolização de Curitiba e se sente esmagado pela explosão demográfica, porém, brinca o haicaísta, busca o universo em sua aldeia. É casado com uma curitibana e tem um filho.

Formou-se em Psicologia Clínica pela UFPR, é psicoterapeuta de profissão, fez duas pós-graduações, em Educação e Antropologia e Mestrado pela UFPR (a biblioteca da UFPR e a Divisão de Documentação Paranaense da BPP têm exemplares de sua Dissertação de Mestrado). Desistiu da carreira acadêmica. Tem licença de jornalista e editor por trabalhos anteriores nestas áreas. Atualmente busca a Literatura como um caminho de desafios, desafios estes que o estimulam a prosseguir. É um autodidata dedicado, gosta de estudar e de praticar o que aprende.

Seu primeiro contato com a poesia foi logo aos 10 anos de idade, em 1963. Ele não conseguira gostar de nada do que lera nos livros escolares, até que nessa época leu uma crônica de Paulo Mendes Campos na Revista Manchete e nunca mais foi o mesmo, descobriu a verdadeira função poética da linguagem escrita. A prosa poética de Campos tocou-o: “então é possível a beleza com a escrita”, lembra-se. Feliz foi a sua descoberta, acabou lendo todas as crônicas de Paulo Mendes que foram publicadas naquela revista.

MARINS (2007) lamenta que nunca teve bons professores de Português, que nunca esteve numa escola que tivesse uma biblioteca. Em casa também não tinha livros, mas mesmo assim ele lia bastante, o que aparecia pela frente ele lia, os gibis também fizeram parte de sua leitura, mesmo sob as broncas de seu pai.

Nos anos 70, passou a ler e escrever poesias. Lia um caderno literário que saía todos os sábados no Correio do Povo, de Porto Alegre, não perdia um. Nesse caderno, dois poetas muito diferentes um do outro chamaram a atenção de Marins: Mário Quintana e Carlos Nejar. Este por ter uma poesia carregada de metáforas, que dá voz à condição humana e reflexiva e aquele pelo bom humor, simplicidade e por ser o mestre da alegria na poesia, seu mestre, comenta. Além de ler ainda hoje estes poetas, em especial Nejar, do qual já leu todo a sua obra, dedicou a este o seu livro “Fazendo o Dia”.

Escrevia em cadernos tudo o que lhe vinha à mente, poemas, contos, crônicas. Porém, perdeu tudo em uma de suas mudanças quando morava em uma pensão de estudantes. Escreveu durante dois anos em um jornal da capital, tinha a sua própria coluna dentro de uma página literária coordenada pela Juril Carnascialli. Passou a freqüentar a Feira do Poeta.

Chegaram os anos 80, que Marins chama de “leminskianos”. Fez amizade com Paulo Leminski e muitos outros poetas: Geraldo Magela, Delores Pires, Eduardo Hoffmann, Alice Ruiz, Rollo, Regina Bostolim, Josely Viana Baptista, Fernando Karl, entre outros. Publicou várias antologias das quais destaca a primeira: Primeiro Ato, pela Editora Beija flor. Trata-se de uma antologia de poetas universitários, organizada por Josely Viana Baptista.

Quando mostrou o seu primeiro livro para o Leminski, ouviu do poeta: “esses tercetos seus bem que poderiam ser haikais, você leva jeito para o haikai”. A partir daí, Marins procurou estudar tudo o que encontrava sobre o haikai. Leu Paulo, Alice, Delores. Não havia internet na época e era difícil obter informações e ler os bons poetas do haikai.

Publicou, em 1985, o livro “Poezen”, com 88 haikais livres, bem ao estilo de Leminski, seu principal orientador. Paulo gostou tanto dos livros que escreveu no jornal Correio de Notícias, onde fazia crônicas semanais, que os livros “Poezen” e “Fazendo o dia” haviam sido o que de melhor se havia publicado naquele ano.

Com a morte de Leminski, em 07 de junho de 1989, o maior balde de água fria que o movimento poético de Curitiba já recebeu, tudo se arrefeceu, todos se paralisaram. Uma nova geração surgiu, agora com outra mentalidade, outra práxis. Marins só vai retomar seu caminho com o haikai algum tempo depois, desta vez com o pessoal do Grêmio Haicai Ipê, de São Paulo, através da lista Haikai-I, na internet.

Em 2005, com a parceria do haicaísta Sérgio Francisco Pichorim, publicaram o renga duplo Pinha Pinhão, Pinhão Pinheiro, e já têm, ainda inédito, mais dois rengas prontos para publicação com 200 estrofes cada.

MARINS (2007) publicou ainda um livro infantil, “Monalisa, a conchinha sabida”, pela Araucária Cultural. Produziu mais dois livros de haikais: ”Karumi”, com 100 haikais; “Bico de João-de-barro”, também com 100 haikais; “Das trincas coração”, com 140 tercetos; “Haibun”, com 40 haibuns (pequenos textos em prosa poética seguidos de um haikai; “O dia do porco”, um romance; “Memórias de vidro”, contos. Possui ainda 10 histórias para crianças e uma alentada pesquisa sobre o Haikai no Paraná ainda não finalizada. Diante de tanto material inédito, o escritor lamenta a falta de uma editora para bancá-lo.

Fez ainda um detalhado e longo ensaio sobre a vida haicaísta de Helena Kolody, a pioneira do haikai no Paraná, na internet (http://www.kakinet.com/).

Nos últimos três anos, tem colaborado com a Biblioteca Pública do Paraná, onde é membro da Oficina Permanente de Poesia e ministra aulas sobre a poesia de autores paranaenses e faz oficinas e palestras sobre temas literários. Faz parte também do Centro de Letras do Paraná.

Apesar de já ter mais de vinte anos de experiência com o haikai, Marins ainda se considera um aprendiz da arte do haikai, pois, apesar de possuir uma forma fácil, o aprendizado da arte do haikai se dá através de uma longa caminhada.A implicatura não está somente nos aspectos formais do poema, mas, sobretudo, numa atitude poética perante a natureza e os acontecimentos humanos, onde outros aspectos como a vivência, a observação, o treino da percepção, a notação, o uso dos sentidos, a memória, a valorização do instante, a escolha do momento e o recorte da cena haicaística são muito importantes para o amadurecimento do haicaísta. Quanto mais se aprende do haikai, melhor poeta se torna, e é neste sentido que José Marins se insere e sempre está em busca de novas informações e conhecimentos (MARINS, 2007).

Sua fonte está no dia-a-dia, pois para ele, o haikai se apresenta a toda hora, todo momento e as sensações podem captar várias imagens de acordo com esse momento. Quando passara por uma rua, há um ano mais ou menos, MARINS (2007) captara a seguinte imagem no haikai que tanto gosta:

Azul infinito
róseas flores de paineira
caídas na calçada

Em uma recente passagem pela mesma rua, a percepção que teve agora foi outra:

Há pouco choveu
sobre o preto do asfalto
flores de paineira

Exposto a um momento de contemplação, o haicaísta captura o haikai. Para esse momento, não há hora marcada. Segundo MARINS (2007), quando perguntado sobre o que era preciso para ser um haijin (poeta do haikai), o “nosso” mestre de haikai no Brasil, H. Masuda Goga, retirou do bolso uma caderneta e uma caneta e disse: “É preciso isso!” (MARINS, 2007).

O haikai é o que acontece no momento, representa a simplicidade, a contemplação, a compreensão da mutabilidade das coisas do mundo, a visão do mundo como poesia e o amor à natureza e ao cosmo. O haicaísta precisa despojar-se das complicações intelectuais, brincar com a palavra e ter uma linguagem para se expressar. O que Marins gosta é desse realismo no poema, do enorme espaço que se tem para criar com ele. O realismo é a objetividade que recusa a subjetividade, o sentimentalismo, o uso inadvertido da metáfora e a inconveniência da personificação e do antropomorfismo no haikai. Busca-se na captação da cena, na retratação e no flash a fidelidade do poeta quanto à sua vivência, e essa percepção deve ser mantida na escrita, no uso da linguagem sem os artifícios literários (MARINS, 2007).

Certa vez, após dar explicações a respeito da importância da vivência do poeta na realização do haikai, uma pessoa disse para Marins que ele jamais poderia fazer um haikai a respeito do Monte Fuji, famosa montanha do Japão. Passado algum tempo e eis o que lhe ocorreu (MARINS, 2007):

O cimo gelado
da alta montanha vulcânica
vista de folhinha

Mesmo através de uma folhinha (calendário), que é uma tradição bem brasileira, pode-se capturar o momento (MARINS, 2007).

Além da retratação do momento, do instante da percepção, da captura do detalhe na cena haicaísta que dá ao poeta a dimensão da realidade, outro quesito importante da objetividade para MARINS (2007) é a presença do kigo, palavra pela qual se possa reconhecer a estação do ano em que o haikai foi realizado. No haikai acima, temos como exemplo de kigo a palavra “folhinha”, que se refere ao verão. Além disso, o poema precisa ser feito em duas partes dentro dos três versos, ter o kire (corte), ter a métrica de 5-7-5 sílabas poéticas, não ter título e nem rima.

Essas características se referem à forma clássica brasileira, que busca conservar uma proximidade com o original japonês. Apesar dos desafios encontrados na adaptação do haikai, MARINS (2007) acha que isso é feito com um certo rigor, pois foram os próprios japoneses que aclimataram o haikai clássico no Brasil e é essa escola que ele segue. Cita Goga, que afirma que “o haicai é uma forma universal, pode ser aprendida e praticada em qualquer língua” (MARINS, 2007).

Apesar de seguir a escola clássica, Marins também gosta dos haikais livres. Seu livro Poezen é feito deles. Outro estilo que gosta é do guilhermino. Suas influências são os bons haicaístas. Gostaria de escrever como Onitsura, Issa e Basho; ter o conhecimento do Paulo Franchetti; a pureza de Edson Kenji Iura; a simplicidade de Goga; a amplitude do manejo técnico da Rosa Clement (MARINS, 2007).

Quanto aos “fazedores” de haikai, aqueles que cultivam há anos os mesmos erros e vícios e nunca mudam, além de evitá-los, MARINS (2007) não os cita por não considerá-los haijins. Ele deixa bem claro que “no haikai, cada poeta tem que encontrar o seu caminho, ter o seu modo próprio de realizar o haikai”. Ele vem construindo o jeito dele de escrever. “Quem sabe já nem tenha mais influência” (MARINS, 2007).

Trabalhos de José Marins (MARINS, 2007):

– Fazendo o dia (poemas), Curitiba, Araucária Cultural, 1985;
– Poezen (haikais), Curitiba, Araucária Cultural, 1985;
– Monalisa: a conchinha sabida (infantil), Ctba. Araucária Cutural, 1989;
– Pinha-pinhão pinhão-pinheiro (haikais encadeados) em parceria com Sérgio F.
Pichorim, Curitiba, Araucária Cultural, 2004;
– Karumi (100 haikais) inédito;
– Bico de João-de-barro (100 haikais) inédito;
– Das trincas coração (tercetos) inédito;
– Memórias de vidro (contos) inédito;
– O dia do porco (romance) inédito;
– Haibun (haibuns) inédito.

Como editor:
– Fazendo o Dia (poemas), José Marins.
– Poezen (haikais livres), José Marins.
– Ciclo da Lua (poemas), Maria do Rocio.
– Canto de Sabiá (haikais), Benedita Azevedo.
– Praia do Anil (haikais), Benedita Azevedo.
– Jardim de Lembranças (haikais), Alice Arns.
– Pinha Pinhão, Pinhão Pinheiro (renga), José Marins e Sérgio F. Pichorim.
– Che Paraná Porá (haikais), Sérgio Francisco Pichorim.
– Nó de Laço (poemas) Consolação Buzelin.

As antologias realizadas foram as seguintes:
– Primeiro Ato. Curitiba, 1979, Editora Beija-flor.
– Segundo Ato. Curitiba, 1980, Ed. Beija-flor.
– Prêmio Scortecci de Poesia 82. São Paulo, Editora Scortecci, 1982.
– 4a Noite da Poesia Paranaense. Curitiba, Teatro Guaíra, 1983.
– Coletânea de Poesias. Curitiba, Casa do Poeta do Paraná, 1983.
– A Nova Poesia Brasileira. Rio de Janeiro, Shogun Arte, 1983.
– Primeiros Tempos. III Festival de Poesia, Ibiporã, 1985.
– Poetas na Praça. Curitiba, Feira do Poeta/FCC, 1985.
– 3o. Concurso de Poesias. S. Bernardo do Campo, SECE, 1985.
– Oficina de Poesia Roza de Oliveira. Curitiba, Oficina de Poesia, 2003.

Seus trabalhos realizados na internet são os seguintes:
a) Revista Brasileira de Haikai – caqui
– Ensaio sobre Helena Kolody pioneira do haikai.
http://kakinet.com/caqui/kolody.php
– Alguns haikais (rolar até ‘josé marins’)
http://www.kakinet.com/graffiti/
b) Sumauma (site especializado em haikai):
http://www.sumauma.net/haijins/haicai-marins.html
c) Universo do Haikai
– haikais:
http://universodohaicai.vilabol.uol.com.br/jmarins.htm
– renga (Cão Sonolento):
http://universodohaicai.vilabol.uol.com.br/umrengaespecial.html
(ver em Comentário Geral)
– entrevista (bate-papo sobre haikai):
http://universodohaicai.vilabol.uol.com.br/entrevistajosemarins.html
d) Vales dos Haikais:
http://www.haicai.com.br/index02.htm
e) Germina Literatura
http://www.germinaliteratura.com.br/haicais_junjm.htm
f) Jornal de Poesia
(Constam: poemas, haikais, tercetos e dois haibuns):
http://www.jornaldepoesia.jor.br/josemarins.html

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Fontes:
Alvaro Mariel Posselt In Recanto das Letras em 26/08/2008
http://recantodasletras.uol.com.br/
Foto:
http://www.revista.agulha.nom.br

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Carmélia Maria Aragão (1983)

Carmélia Maria Aragão, mestranda em Literatura Brasileira pela Universidade Federal do Ceará – UFC – como bolsista da Fundação Cearense de Apoio à Pesquisa – FUNCAP. É natural de Sobral, Ceará, 1983. Tem diversos contos e crônicas publicados em revistas impressas (CAOS Portátil, Carta Capital, etc) e eletrônicas (Famigerado, Cronópios, etc.) no Ceará ou em outros estados do país. Seu conto 2003 (Carmina) foi agraciado com o Prêmio Domingos Olímpio (Secretaria de Cultura de Sobral). E Eu Vou Esquecer Você em Paris, seu primeiro livro, foi premiado na categoria Contos do III Edital de Incentivo às Artes da Secretaria de Cultura do Estado do Ceará (SECULT/CE) em 2006. [abril 2007]

Carmélia Aragão: literatura como paixão

por Nilto Maciel

As quinze peças ficcionais que compõem Eu vou esquecer você em Paris (Fortaleza: Imprece, Edição do Caos, 2006), de Carmélia Aragão, mostram uma escritora madura. E isso se deve a dois fatores: muita leitura e talento. O primeiro se pode constatar pelas epígrafes (Neruda, Salman Rushidie, Cortazar), pela menção a nomes fundamentais da literatura (Dostoievski, Flaubert, Emily Brontë, Virgínia Woolf, Goethe, George Orwell e outros), sem falar na composição “Página 12224”, de feição policial e ao mesmo tempo fantástica, a nos lembrar “O homem que sabia javanês”, de Lima Barreto.

Como ser madura, aos vinte anos de idade? Ou antes? Pois não se sabe quando as composições de Carmélia (1983) foram escritas. Ora, os exemplos de jovens escritores são muitos. Assim como de escritores idosos que nunca conseguiram atingir a maturidade literária, e morreram inacabados, incompletos, depois de dez, vinte, trinta livros publicados.

Claro, nem tudo é ótimo em Eu vou esquecer você em Paris. Mas o que não é ótimo para uns é aceitável para outros. Como a linguagem das narrativas, ora mais coloquial, ora próxima do rigor literário. O próprio título do livro é frase de uso comum no falar. Isso, porém, já nem se discute no Brasil, desde o início do século XX, desde os modernistas. Ignácio de Loyola Brandão escreveu a obra “Pega ele, Silêncio” (parece poético, mas Silêncio é o nome de um personagem), que deu título a um livro.

As narrativas de Carmélia são densas, mesmo quando os diálogos se estendem. Quase sempre ela se vale da narração e faz uso da economia de detalhes. Não se perde em descrições desnecessárias. Muitas vezes nem enredo há. E, se há, não obedece aos ditames do tradicional “descritivo narrativo linear”. Veja-se a construção de “Seja feliz (fragmentos da felicidade)”, disposta em quatro “fragmentos” independentes, como se fossem quatro histórias. No último, intitulado “O contista”, o narrador se refere aos três primeiros fragmentos: “Sim, um conto novo. Três crônicas que se unem em um conto.”

Apesar da modernidade das narrativas, Carmélia ainda usa o tradicional travessão nos diálogos, assim como os verbos introdutores do relato do discurso, como “dizer”, “afirmar”, “responder”, etc., há muito abolidos na prosa de ficção. O “ainda usa” acima pode ser substituído por “também usa”, pois a contista sabe disso e sabe se livrar dos tais pobres “verbos introdutores”, como se vê em “Quase” e “Felis catus”.

Mas isso é de pouca importância.

E onde vivem os seres fictícios de Carmélia? São quase todos suburbanos, vivem em grandes cidades, embora oriundos de pequenos burgos, como o contista de “Seja feliz” (“Sempre fôramos vizinhos de frente, mas separados pela praça da Matriz. Cidadezinha pequena: ‘Eita vida besta, meu Deus!’”). Andam de ônibus, moram em prédios de apartamentos, caminham por ruas longas, repletas de carros. Vejam esta descrição em “Pulsos intactos”: “Os olhos dele eram azuis refletidos no vidro da sorveteria. Eram azuis sob as janelas dos edifícios, das repartições, das barbearias, dos cafés, das vitrines, das lojas.” Seres perdidos, isolados, solitários. Mesmo quando o ambiente é “uma cidadezinha que vivia em torno de uma biblioteca”, cidade sem nome explícito, a não ser pela letra inicial “C”, do insólito conto “Página 12224”, cujos personagens parecem inspirados em alfarrábios medievais.

Curioso ainda é o grande número de escritores fictícios na obra da contista. Em “Seja feliz” há um contista. Em “2003 (Carmina)” uma professora conhece Marco Santiago, professor de literatura, autor do romance “linear e trágico” Carmina. Em “Página 1224” os personagens “vivem” numa biblioteca, na qual há uma sessão exclusiva de Literatura Baltusanesa, “da tribo Kaywa da extinta Baltúsia”. Em “Meu reino por uma fivela” a narradora participa de um curso intitulado “Mulheres escritoras”, lê O morro dos ventos uivantes, em composição de características policiais. Em “Escrevia e apagava” (título sugestivo para uma história de personagem escritor) a protagonista escrevia contos para uma revista feminina. Em “Quase” a narradora se iniciara como leitora de romances policiais, passara aos “grandes mestres da literatura local, depois da nacional e, por fim, da universal”, estudara “línguas exóticas”, como baltusanês. Em “Filis catus” a mulher que narra se refere a um contista que conhecera e transcreve trechos de um de seus livros. Também os títulos de algumas peças remetem à literatura: “Romance russo”, “Página 1224”, “Escrevia e apagava”, “Crônica do 2º andar”.

Pois essa paixão pela literatura é fundamental para o escritor: para viver, aprender e escrever cada vez melhor. Sem ela, teremos bons médicos, advogados, funcionários públicos, etc, que namoram a literatura nos fins de semana e escrevem de vez em quando algumas memórias ou uns versos capengas. Carmélia Aragão é do primeiro grupo e, sem dúvida, escreverá mais e cada vez melhor.

Autor: Nilto Maciel
Fortaleza, março de 2007.
Fonte:

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Fernando Pessoa e seus Heterônimos (George Steiner)

O crítico George Steiner situa Fernando Pessoa entre os mestres da modernidade em artigo que inicia o leitor de língua inglesa na obra do poeta e seus três heterônimos.

É raro um país e uma língua adquirirem quatro grandes poetas em um dia. Foi precisamente o que ocorreu em Lisboa a 8 de março de 1914.

Fernando Antônio Nogueira Pessoa nasceu naquela capital provinciana e algo lúgubre a 13 de junho de 1888. O Exército, o serviço público e a música figuravam no passado da família. Já em janeiro de 1894, após a morte do pai e do irmão caçula, Pessoa começou a inventar “heterônimos” — “personas” imaginárias para povoar um “teatro íntimo do eu”. O garoto de seis anos trocava cartas com um correspondente fictício. Sua mãe casou-se novamente, e a família mudou-se para Durban, África do Sul. No Natal veio à luz um certo Alexander Search, invenção para quem Pessoa criou uma biografia, traçou o horóscopo e em cujo nome calmamente translúcido escreveu poesia e prosa em língua inglesa. Seguir-se-iam outros 72 personagens em busca de um autor. De início, eles tendiam a escrever na esteira de Shelley e Keats, de Carlyle, Tennyson e Browning.

Em 1905, o jovem empresário de “eus” retornou a Lisboa. Logo abandonou a universidade e tornou-se autodidata. No restante de sua vida, Pessoa escolheu uma renda módica, em empregos de meio período. Serviu como correspondente de comércio estrangeiro, traduzindo e compondo cartas em inglês e francês. De vez e quando, traduzia uma antologia literária. Essa existência marginal e autônoma vincula Pessoa a outros mestres da modernidade urbana, como James Joyce, Ítalo Svevo (Trieste e Lisboa partilham uma vívida fantasmagoria) e, de certo modo, Franz Kafka.

Até 1909, a poesia imputada a Alexander Search permanece em inglês, à exceção de seis sonetos portugueses. O ano de 1912 marcou uma reviravolta. Pessoa envolveu-se nos incontáveis círculos, conventículos e publicações efêmeras de cunho lítero-estético-político-moral que surgiram da crescente crise social portuguesa. (77 mil habitantes emigraram só naquele ano). A vida íntima de Pessoa — a alternância entre o mundo dos cafés lisboetas e o isolamento radical — encontrou expressão num secreto “Livro do Desassossego” e no primeiro rascunho de um longo poema inglês. A fissão em incandescência quadri-partida teve lugar naquele dia de março de 1914. Até hoje ele permanece um dos fenômenos mais notáveis da história da literatura. Ao rememorar o fato (numa carta de 1935), Pessoa fala de um “êxtase cuja natureza não conseguirei definir (…) aparecera em mim o meu mestre“.

Alberto Caeiro escreveu 30 e tantos poemas a toque de caixa. A estes se seguiram, “imediatamente e totalmente”, seis poemas de Fernando Pessoa ele só. Mas Caeiro não saltara à existência sozinho. Viera acompanhado de dois discípulos principais. Um era Ricardo Reis; o outro: “De repente, em derivação oposta à de Ricardo Reis, surgiu-me impetuosamente um novo indivíduo. Num jato, e à máquina de escrever, sem interrupção nem emenda, surgiu a “Ode Triunfal” de Álvaro de Campos — a Ode com esse nome e o homem com o nome que tem. Criei, então, uma “coterie” inexistente. Fixei aquilo tudo em moldes de realidade. Graduei as influências, conheci as amizades, ouvi, dentro de mim, as discussões e as divergências de critérios, e em tudo isto me parece que fui eu, criador de tudo, o menos que ali houve. Parece que tudo se passou independentemente de mim. E parece que assim ainda se passa“.

Pseudônimos, “noms de plume”, anonimato e toda forma de máscara retórica são tão velhos quanto a literatura. Os motivos são muitos. Eles se estendem desde a escrita política clandestina à pornografia, desde o ofuscamento brincalhão a sérios distúrbios de personalidade. O “companheiro secreto” (íntimo de Conrad), o “duplo” prestativo ou ameaçador, é um motivo recorrente — veja-se Dostoiévski, Robert Louis Stevenson e Borges. Assim também é o tema — antigo como a rapsódia homérica — da poesia “tomada sob ditado”, sob o assalto literal e imediato das Musas, ou seja, das vozes divinas ou dos finados.

Nesse sentido de “inspiração”, de “ser escrito em vez de escrever”, as técnicas de escrita automática antecedem em muito o surrealismo. Muitos dos grandes escritores voltaram-se abertamente contra si próprios, contra sua obra ou seu estilo anteriores, a ponto de buscar sua destruição. A multiplicidade, o ego convertido em legião, pode ser festiva, como em Whitinan, ou sombriamente auto-irônica, como em Kierkegaard.

Há disfarces e paródias que a erudição mais minuciosa jamais penetrou. Simenon era incapaz de recordar quantos romances criara ou sob quais antigos e múltiplos pseudônimos. Em idade avançada, o pintor De Chirico prorrompia em museus e galerias de arte declarando falsos os prestigiosos quadros que havia muito lhe eram atribuídos. Agiu assim porque passou a antipatizá-los ou porque não podia mais identificar sua própria mão? Como proclamou Rimbaud, em sua renovação da modernidade, “Eu é um outro”.

Entretanto o caso de Pessoa permanece sui generis. Ele não tem nenhum paralelo próximo, não apenas por causa de sua estrutura quadri-partida, mas também por diferenças mercantes entre suas quatro vozes. Cada uma tem sua própria biografia e físico detalhados. Caeiro é loiro, pálido e de olhos azuis; Reis é de um vago moreno mate; e “Campos, entre branco e moreno, tipo vagamente de judeu português, cabelo, porém, liso e normalmente apartado ao lado, monóculo”, como nos diz Pessoa. Caeiro quase não dispôs de educação e vive de pequenos rendimentos. Reis, educado num colégio de jesuítas, é um médico auto-exilado no Brasil desde 1919, por convicções monárquicas. Campos é engenheiro naval e latinista.

O inter-relacionamento dos três, seja na atitude ou no estilo literário, é de uma densidade e sutileza jamesianas, a exemplo de seus vários laços de parentesco com o próprio Pessoa. O Caeiro em Pessoa faz poesia por pura e inesperada inspiração. A obra de Ricardo Reis é fruto de uma deliberação abstrata, quase analítica. As afinidades com Campos são as mais nebulosas e intricadas. “É um semi-heterônimo porque, não sendo a personalidade a minha, é, não diferente da minha, mas uma simples mutilação dela. Sou eu, menos o raciocínio e a afetividade“.

A língua de Campos é bastante parecida à de Pessoa; Caeiro escreve um português descuidado, por vezes com lapsos; Reis é um purista cujo linguajar Pessoa considera exagerado.

O labirinto é explorado na introdução de Octavio Paz a “A Centenary Pessoa” (“Um Pessoa Centenário”), uma antologia com bela produção editada por Eugênio Lisboa e L. C. Taylor. Paz vê Caeiro, Reis e Campos como “os protagonistas de um romance que Pessoa jamais escreveu”. Pessoa não é entretanto “um inventor de poetas-personagens, mas um criador de obras de poetas“, argumenta Paz. “A diferença é crucial“. As biografias imaginárias, as anedotas, o “realismo mágico” do contexto histórico-político-social em que cada máscara se desenvolve são um acompanhamento, uma elucidação para os textos. O enigma da autonomia de Reis e Campos é tal que, vez por outra, eles chegam a tratar Pessoa com ironia ou condescendência. Caeiro, por sua vez, é, como vimos, o mestre cuja brusca autoridade e salto para a vida generativa desencadeiam todo o projeto dramático. Paz distingue com acurácia estes fantasmas animados.

Caeiro é um agnóstico que deseja anular a morte por negar a consciência. Sua postura é de um paganismo existencial. Há em seus textos e sua “persona” retoques de quietude e sagacidade orientais. Sua fraqueza, sugere Paz, é a qualidade esfumada da experiência que alega encarnar. Ele morre jovem. Como Caeiro, Campos pratica versos livres e lida de modo irreverente com o português clássico ou castiço. Ambos são pessimistas, apaixonados pela realidade concreta. Mas Caeiro é um ingênuo que cultiva a abstinência e o retraimento filosóficos, ao passo que Campos é um dândi peregrino.

De novo,é Paz quem formula de modo incisivo:”Caeiro pergunta-se : o que sou? Campos: quem sou?“. Para Campos, essa questão é quase abafada pelo clamor da máquina, pelo bramido da nova tecnologia na fábrica e nas ruas da metrópole moderna. Partindo da premissa de que a única realidade é a sensação, Campos acabará por se perguntar se ele próprio é real (uma modulação irônica, em vista de seu primeiro e mais celebrado poema, a “Ode Triunfal”).

Ricardo Reis é o mais complexo destes disfarces. Anacoreta, ele privilegia os gêneros neoclássicos altamente elaborados, como o epigrama, a elegia e a ode. Raríssima mescla de esteta estóico (um eco talvez de Walter Pater?), a perfeição técnica de seus poemas curtos busca a tranqüila resignação ao destino. Pessoa chama atenção para as obras não publicadas de Reis; elas incluem “Um Debate Estético entre Ricardo Reis e Álvaro de Campos” e notas críticas sobre Caeiro e Campos, qualificadas por Pessoa como “modelos de precisão verbal e equívoco estético“. (Tão encantadoramente tortuosos são o dédalo e o quarto de espelhos de Pessoa que mesmo um Borges ou um Paz, ambos mestres em labirintos, parecem simples em comparação). E a respeito do titereiro ele próprio (apesar dessa comparação grosseira)?

Paz o imagina como essencialmente ausente: “Ele nunca aparecerá: não há um outro. O que aparece insinua a si próprio sua alteridade, que não tem nome, que não é dito e nossas pobres palavras invocam. Isto é poesia? Não: poesia é o que resta e nos consola, a consciência das ausências. E, mais uma vez, quase imperceptivelmente, um rumor de algo. Pessoa ou a iminência do desconhecido“.

A silhueta que Paz traça de Pessoa, sendo palavras de despedida tão sutis, correm o risco de obscurecer um fato básico. Do jogo espectral dos heterônimos emerge uma poesia com força de primeira grandeza. Pessoa é com justiça arrolado entre as 26 figuras centrais do sugestivo, embora um tanto pueril, “Cânone Ocidental” (de Harold Bloom).

O português é uma língua resistente. Suas guturais o fazem como que o membro eslavo da família das línguas românicas. Na ausência, ademais, de uma tradução adequada para, o inglês dos “Lusíadas”, de Camões, essa grande epopéia de um império trágico e conquistador, para a maioria de nós a literatura portuguesa (que inclui, naturalmente, a do Brasil) permanece estranha.

Somos por isso gratos às traduções e seleções de nosso quarteto a cargo de Keith Bosley. Primeiro, a voz de Pessoa: “Não sei quem me sonho…“; “Ditosos a quem acena/ Um lenço de despedida!” ; “Dá a surpresa de ser”. Ou o característico “O mais do que isto/ É Jesus Cristo,/ Que não sabia nada de finanças/ Nem consta que tivesse biblioteca…” Há este registro irônico e incerto, com seu constante apelo ao mar, a um Portugal quase liberto de suas amarras européias:

“Ó mar salgado, quanto do teu sal
São lágrimas de Portugal!
Por te cruzarmos, quantas mães choraram,
Quantos filhos em vão rezaram!
Quantas noivas ficaram por casar
Para que fosses nosso, ó mar!
Valeu a pena? Tudo vale a pena
Se a alma não é pequena.
Quem quer passar além do Bojador
Tem que passar além da dor.
Deus ao mar o perigo e o abismo deu,
Mas nele é que espelhou o céu”.

Ouvimos a seguir a sensualidade filosófica de Caeiro:

Não me importo com às rimas. Raras vezes
Há duas árvores iguais, uma ao lado da outra.
Penso e escrevo como as flores têm cor
Mas com menos perfeição no meu modo de
exprimir-me
Porque me falta a simplicidade divina
De ser todo só o meu exterior”.

Há laconismos inesquecíveis (uma distante melodia de Emily Dickinson): “Li hoje quase duas páginas/ Do livro dum poeta místico,/ E ri como quem tem chorado muito“. Caeiro saúda o transitório. Para ele a “recordação é uma traição à Natureza“, já que ela muda constantemente. Ele ordena aos, pássaros em vôo que lhe ensinem a arte de passar sem deixar rastro. A busca da individualidade, de verdades absolutas — o modelo platônico tão peremptório na poesia ocidental — é meramente “uma doença das nossas idéias“. Suas reflexões sobre a morte e a posteridade são dotadas de um orgulho agridoce pois ele foi “gentil como o sol e a água” e, por fim, veio-lhe o “sono como a qualquer criança“.

Absolutamente diverso é Ricardo Reis: rato de biblioteca, entendido em mitologia antiga, perito em formas métricas elaboradas e estilo mandarim. De certo modo, uma versão mais austera de Swinburne e Gautier, de ouvidos atentos e imitando “O ritmo antigo que há em pés descalços,/ Esse ritmo das ninfas repetido“. Um esteta “fin de siècle” que prefere “rosas à pátria” e vê em Cristo não “mais que um deus a mais no eterno“. Todavia um poeta lírico capaz desta rara mordacidade epigramática que conhecemos também de Walter Savage Landor (talvez o verdadeiro modelo de Reis):

Quando, Lídia, vier o nosso outono
Com o inverno que há nele,
Preservemos
Um pensamento, não para a futura
Primavera, que é de outrem,
Nem para o estio, de quem somos mortos,
Senão para o que fica do que passa —
O amarelo atual que as folhas vivem
E as torna diferentes
“.

Campos é o retórico loquaz, o bardo à maneira clássica. É capaz porém de ridicularizar-se com ousada satisfação. Sua “Ode Triunfal” pode ser equiparada a “A Ponte”, de Hart Crane, como um dos textos-chave das paisagens industriais da modernidade. “Hé-lá as ruas, hé-lá as praças, hé-lá-hó la foule!” Como o ranzinza e fantasmagórico Pessoa deve ter refugido da robusta democracia de Campos! Como Reis, o alusivo helenista vitoriano, deve ter-se esquivado!

Ah, e agente ordinária e suja,
que parece sempre a mesma,
Que emprega palavrões como palavras usuais,
Cujos filhos roubam às portas das mercearias
E cujas filhas aos oito anos — e eu acho isto belo e
amo-o!
Masturbam homens de aspecto
decente nos vãos da escada.

“Tabacaria” consta entre os mais prestigiados poemas da língua. Não é cinismo, mas antes uma espécie de revigorante desalento que ordena à pequena garota “comer chocolates“, pois “que não há mais metafísica no mundo senão chocolates“, após o que o poeta deita o papel laminado “para o chão, como tenho deitado a vida“. E já que “toda gente sabe como as grandes constipações/ Alteram todo o sistema do universo/ Zangam-nos contra a vida,/ E fazem espirrar até à metafísica“, o poeta receita um único remédio: “Preciso de verdade e da aspirina“. Hazlitt fala com reverência de uma sensibilidade capaz de imaginar e dar articulação a um lago e a uma Cordélia. A simples amplitude de vozes e temperamentos alternados de Pessoa dificilmente é menos admirável.

Essa homenagem centenária elegantemente ilustrada oferece passagens representativas da prosa de Pessoa acrescidas de críticas, perfis e documentos. Omitido porém foi o leviatânico drama filosófico “Fausto”. Pessoa começou a trabalhar nesta suma em 1908 e — em analogia a Goethe — continuou a elaborá-lo até 1933. Há críticos, notadamente na França, que o tomam por uma obra-chave, um arquipélago ainda a ser descoberto.

Os editores incluíram duas imaginárias entrevistas póstumas, mas o supra-sumo nessa veia parece que lhes passou despercebido: “O Ano da Morte de Ricardo Reis”, de José Saramago, traduzido para o inglês em 1991 por Giovanni Pontiero, está entre os melhores romances da recente literatura européia. o livro fala do regresso de Ricardo Reis de seu exílio no Brasil, de Eros e fascismo em Lisboa e do encontro entre Reis e seu genitor morto. Nada mais perceptivo foi escrito sobre Pessoa e suas sombras contrastantes. Nas palavras de Fernando Pessoa:

Se as coisas são estilhaços
Do saber do universo,
Seja eu os meus pedaços,
Impreciso e diverso.
Eles foram e não foram
“.

Fonte:
Folha de São Paulo, Caderno Mais! Disponível em http://www.secrel.com.br/jpoesia/gs01.html

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