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Basílio da Gama (1741 – 1795)

José Basílio da Gama nasceu em São José do Rio das Mortes (hoje Tiradentes), em 1741, e morreu em Lisboa, em 1795. Foi um bom poeta, admirado, principalmente, pelos autores românticos que viriam depois dele. Sua vida ilustra bem as relações que podem existir entre poesia e o poder. Basílio da Gama estudou no Brasil com os jesuítas até 1759, quando os jesuítas foram expulsos. Em 1768, em Lisboa, foi preso e condenado ao degredo em Angola por jesuitismo. Na prisão, mudou de idéia e passou para o lado do Marquês de Pombal. Livra-se da prisão e do degredo, dedicando seu poema O Uraguai ao Marquês de Pombal. Em O Uraguai, Basílio da Gama critica os jesuítas e defende a política de Pombal – tornando-se seu secretário. Apesar de ser considerado um bom poeta, é difícil escrever uma obra-prima quando se tem, como grande preocupação, propagandear idéias e levando bandeiras. As obras-primas podem até ser construídas em cima de uma ideologia, mas isto se limita a ser apenas um pano de fundo, não a preocupação primeira, como é o caso d’O Uraguai, de Basílio da Gama.

O Uraguai é um poema épico em que se percebeu algumas inovações, quebrando, assim, a estrutura camoniana. Essa, aliás, pode ser considerada, também, uma qualidade do poeta, que, exercendo sua liberdade criadora, conseguiu escrever uma obra de fôlego e com elegância poética.

As inovações praticadas por Basílio da Gama foram:

1. Escolha de um tema não adequado ao gênero épico por ser pouco grandioso e contemporâneo do autor. O tema histórico narra parte das guerras entre portugueses e espanhóis contra os índios guaranis dos Sete Povos das Missões, instigados pelos jesuítas. A responsabilidade da guerra coube toda aos jesuítas.

O motivo da guerra foi a determinação do Tratado de Madre (1750) para que os Sete Povos das Missões, liderados por jesuítas espanhóis, deixassem as terras do Rio Grande do Sul (pertencentes aos portugueses) e fossem para o Uruguai (terras pertencentes aos espanhóis), onde estavam instalados índios liderados por jesuítas portugueses. Em outras palavras: o tratado ordenava que fizessem uma troca, ficando os jesuítas espanhóis em terras dos espanhóis e os portugueses em terras dos portugueses. Como é natural, a ordem não agradou nem aos jesuítas nem aos índios, que, assim, iniciaram uma guerra em que as tropas dos portugueses e espanhóis liquidaram os povos indígenas no primeiro banho de sangue da América Latina.

2. A construção do poema em versos decassílabos brancos, isto é, sem rimas.

3. A substituição das estrofes por cantos. O poema apresenta cinco cantos, os mesmos da divisão tradicional: proposição, invocação, dedicatória, narração e epílogo. O poeta, no entanto, inicia o poema pela narração:

“Fumam ainda nas desertas praias
lagos de sangue tépidos, e impuros,
Em que ondeiam cadáveres despidos,
Pasto de corvos.”

“O Uraguai” é árcade apenas na forma escolhida (poesia épica) e na defesa dos ideais iluministas do Marquês de Pombal. São personagens do poema: Gomes Freire Andrada, herói português; Balda, o vilão, jesuíta caricaturizado; e os indígenas: Lindóia; Sepé; Tatu-Guaçu; Caitutu e Tanajura, a vidente.

Fonte:
MOURA, Josana e SANTOS, Eberth. Filosofia & Literatura. 2. ed. Uberlândia, MG: Claranto, 2004.(série Palavra em Ação)

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Ivani Ribeiro (10 Fevereiro 1916 – 17 julho 1995)

Ivani Ribeiro, nome artístico de Cleide Freitas Alves Ferreira, (São Vicente, 20 de fevereiro de 1916 — 17 de julho de 1995) foi uma autora de telenovelas brasileira.
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Durante a sua carreira, usou como pseudônimos Valéria Montenegro em A Moça que Veio de longe (1964) e Arthur Amorim com O Leopardo (1972), exibida pela TV Record, já que era contratada da TV Tupi; esta novela não obteve grande repercussão.

A carreira teve início aos dezesseis anos, paralelamente aos trabalhos como compositora de sambas, radioatriz, cantora e criadora de programas de variedades. Ivani foi a grande recordista entre todos os autores da telenovela brasileira, com mais de quarenta títulos de sucesso.

Formada na Escola Normal de Santos, Ivani mudou-se para São Paulo a fim de cursar a faculdade de Filosofia além da constante incursão pelo rádio, uma das principais metas de trabalho. Na Rádio Educadora, passou a fazer apresentações onde trouxe a público canções folclóricas e sambas, alcançando grande popularidade logo no rádio através dos programas criados, como Teatrinho da Dona Chiquinha e As mais belas cartas de amor; neste último, Ivani mostrou o lado de radioatriz e interpretou uma personagem feminina. Protagonizou também o programa Hora infantil, com músicas e poemas, que obteve grande sucesso e radiofonizou filmes e novelas famosas, onde também atuava como autora. Nesta mesma rádio, fez o programa Infantil, com músicas e poemas.

Posteriormente transferiu-se para a Rádio Difusora onde atuou como cantora interpretando canções folclóricas e sambas sempre acompanhada por uma orquestra. Integrou também o elenco da PRG-2 – Rádio Tupi de São Paulo. Em 1940, já pertencia ao elenco da Rádio Bandeirantes, para a qual transferiu-se juntamente com o marido, Dárcio Alves Ferreira, um locutor muito premiado e respeitado pela crítica especializada, com o qual teve dois filhos, Luís Carlos e Eduardo. Ele também veio a assumir a direção da broadcasting da PRH-9, pela qual lançou novos programas de alto dinamismo, como o programa de calouros A Hora dos Neófitos, voltado para o público jovem.

Nesta rádio, além de atuar como atriz, adaptou peças para o teatro homônimo onde apresentou diversos programas, dentre os quais Teatro romântico, baseado em poemas clássicos da literatura brasileira; Os grandes amores da história, dramatização da vida amorosa de personalidades históricas, A canção que viveu, dramatização de canções brasileiras, e outros. Ivani também foi a primeira mulher brasileira a ter um programa de radioteatro exclusivamente seu, escrevendo e adaptando inúmeras peças, levadas ao ar pela Rádio Bandeirantes, onde havia um programa que levava o nome Teatro Ivani Ribeiro.

Obras no Rádio
1938 – A Hora Infantil – Rádio Educadora
1938 – Teatro da Dona Chiquinha – Rádio Educadora
1939 – As Mais Belas Cartas de Amor (Como atriz e escritora) – Rádio Tupi (SP)
1940 – Os Grandes Amores da História – Rádio Bandeirantes
194? – Teatro Romântico – Rádio Bandeirantes
194? – A Canção que Viveu – Rádio Bandeirantes
194? – Teatro Ivani Ribeiro – Rádio Bandeirantes
1946 – As Minas de Prata – Rádio Bandeirantes
1947 – Mulheres de Bronze – Rádio Bandeirantes
195? – Anjo ou Demônio
195? – A Muralha – Rádio Bandeirantes
1958 – As Noivas Morrem no Mar – Rádio Farroupilha
1959 – A Menina do Veleiro Azul – Rádio Clube do Paraná
196? – Corações em Conflito – Rádio
196? – Ambição – Rádio
1965 – A Mulher Que Morreu no Mar – Rádio
1981 – A Mulher de Pedra – Rádio Atlântica de Santos

Primeiras telenovelas

Na pioneira televisiva e da América do Sul TV Tupi, escreveu em 1952 a série Os Eternos Apaixonados, o primeiro trabalho nesse meio. Dois anos depois, transfere-se para a TV Record, onde escreveu a adaptação do livro A Muralha (1954) e ainda a novela Desce o Pano em 1957. Em 1958, retornou à antiga emissora onde escreveu A Muralha em uma nova versão. Nesta época a autora realizava alguns teleteatros para várias emissoras, mas a atenção principal eram as radionovelas, que ela escrevia para a Rádio Bandeirantes.

No início dos anos 1960, foi contratada pela recém-inaugurada TV Excelsior, onde era uma das redatoras do Teatro Nove. A primeira telenovela diária de Ivani foi Corações em conflito (1963), com direção de Dionísio de Azevedo, que transpunha para o vídeo uma das histórias que o rádio havia consagrado e discutia os problemas que um viúvo tem ao realizar um segundo casamento, interpretado por Carlos Zara. Aliás esta foi a primeira novela diária nacional, já que as duas que a antecederam tiveram seus textos extraídos de originais argentinos.

A partir da adaptação do texto argentino de A moça que veio de longe (1964), o gênero se torna uma constante na grade de programação de todas as emissoras brasileiras. Ivani foi projetada nacionalmente com o horário das 19h30 na TV Excelsior – inaugurada em 9 de julho de 1960, onde liderou uma espécie de laboratório teledramatúrgico, intercalando romance com melodrama – na segunda metade dos anos 60, quando escreveu treze novelas consecutivas com aproximadamente 1600 capítulos – todas com grande sucesso: Onde nasce a ilusão que abordou a temática circense e contou com produção milionária, A indomável ambientada na década de 1920 e sua primeira incursão em um texto cômico em detrimento dos dramalhões daquela época, Vidas cruzadas um sucesso da época que contou a história dos conflitos entre gêmeos e sósias num tema que seria freqüentemente retomado na história da teledramaturgia brasileira, a bem-sucedida A deusa vencida, A grande viagem que era um suspense policial – temática esta retomada com Anjo marcado, Almas de pedra e As minas de prata – esta última baseada no romance homônimo do escritor José de Alencar serviria para uma segunda adaptação na novela A Padroeira (2001) de Walcyr Carrasco – Os fantoches baseada no livro O caso dos dez negrinhos de Agatha Christie, a novela de época O terceiro pecado, A muralha protagonizada por Mauro Mendonça, Os estranhos que contou com a participação de seres extraterrestres , A menina do veleiro azul que teve problemas na seleção de elenco devido à grave crise da emissora e Dez vidas, baseada no livro Caminho da Liberdade de Wanderley Torres, contando a vida de Tiradentes, Joaquim José da Silva Xavier – inconfidente mineiro.

O primeiro grande êxito foi a novela de época A Deusa Vencida (1965), ambientada no final do século XIX, mais precisamente em 1895. Entre os méritos, esta contava ser a novela que foi a primeira a ter uma trilha sonora própria.

Com a falência da TV Excelsior (15 de outubro de 1970), Ivani se transferiu para a TV Tupi, onde emplacou grandes sucessos no horário das vinte horas tradicional da concorrente Rede Globo, como Mulheres de Areia (1973), que foi baseada em uma antiga radionovela de sua autoria, As noivas morrem no ar (1965) e Os Inocentes (1974), inspirada na peça A visita da velha senhora de Durrenmatt e na radionovela de sua autoria A mulher de pedra. Ao longo da novela, ela deixou o roteiro nas mãos do marido para trabalhar na novela A Barba Azul. O tema central também rendeu outras novelas, como Cavalo de aço, Fera radical (ambas de Válter Negrão) e a trama inicial de Chocolate com Pimenta.

Prosseguiu com a espírita A Viagem (1975), inspirada nos livros E a vida continua… e Nosso lar, ambos ditados pelo espírito de André Luiz ao médium Chico Xavier contou com a colaboração do professor José Herculano Pires na última novela da qual Lúcia Lambertini participou pois viria a falecer pouco tempo depois, e O profeta (1977), que também abordou temas espíritas e místicos (como em Os estranhos, A viagem e O terceiro pecado); para escrevê-la, Ivani foi assessorada por um mentor espírita, um psiquiatra, um sacerdote católico e um orientador de candomblé, contando também com a participação especial da apresentadora Hebe Camargo, o médium Chico Xavier e do Arcebispo de São Paulo, Dom Paulo Evaristo Arns; a novela ganhou uma adaptação em 2006 exibida pela Rede Globo.

Em entrevista ao Jornal do Brasil (28 de janeiro de 1978), declarou: Focalizando a paranormalidade, que considero um assunto fascinante, armo um debate com a doutrina espírita, a Igreja Católica e a parapsicologia. Mas como sou leiga no assunto, sou assessorada por padres, médicos, médiuns e pais-de-santo. Com essa novela, pretendo despertar a consciência de que precisamos tentar uma maior aproximação do homem com Deus, ao mesmo tempo em que apresento, seriamente, uma ilustração do fenômeno.

Em Aritana (1978) recebeu o auxílio do sertanista Orlando Villas Bôas para abordar a cultura indígena, as diferenças entre os índios e a sociedade dita civilizada; contou também com a colaboração do professor e então administrador do Parque Xingu, Olympio Serra. As gravações só foram possíveis graças ao apoio da Funai e foram feitas no Posto Leonardo em plena selva, e nos estúdios da TV Tupi. A princípio, ela foi mal-interpretada por aqueles que se sentiam ameaçados com os direitos de reivindicação dos índios, como no tema central, em que deseja a posse total das terras para abrigar sua tribo; a intenção da autora foi defendida no especial O Caso Aritana – Uma Novela à Parte, que contou com a participação do diretor artístico da emissora, Carlos Zara, os irmãos Vilas-Boas e grande parte do elenco.

Escreveu também a ecológica O Espantalho (1977), para os Estúdios Sílvio Santos, que abordou o tema da poluição das praias e para redigir o texto de As Bruxas (1970), que abordou assuntos polêmicos à época, tais como o tema da psicanálise de Sigmund Freud, bem como separação de casais e adultério – temas vetados pela censura, que acarretou a mudança de horário -, freqüentou sessões de terapia para que tivesse uma maior compreensão da popularização de análise grupal.

Em 1976, assinou um contrato com os Estúdios Sílvio Santos, com duração de quatro anos. Nesse período escreveu a novela O Espantalho, para a TVS, mas devido ao fracasso dessa novela, a emissora desistiu de investir em teledramaturgia. Sílvio Santos então colocou a escritora à disposição da TV Tupi, em compensação a emisora devia pagar o salário para a escritora; assim Ivani volta à TV Tupi e escreve O Profeta, em 1977 e Aritana, em 1978. Em 1980, com o final de seu contrato com Sílvio Santos e com a falência da TV Tupi, a escritora foi contratada pela TV Bandeirantes.

Ivani foi a principal autora de novelas da TV Tupi na década de 70; por isso, nos últimos dois anos de existência da emissora, os três tradicionais horários de novela foram cancelados e substituídos por reprises de novelas de sua autoria: Gaivotas, de Jorge Andrade, foi substituída pela reprise de O Profeta, Aritana foi substituída por uma reprise compacta de sessenta capítulos de O Espantalho – entre maio e junho de 1979 (que ganharia uma segunda reprise pelo SBT em 1983) e Como salvar meu casamento, a última produção da emissora, que não teve um final exibido, foi substituída pela reprise compacta de A viagem, que não foi terminada devido à grave crise da emissora e da saída definitiva da mesma do ar em 18 de julho de 1980; na reprise, a novela ganhou um novo logotipo e abertura, contando também com outro tema musical.

Depois da falência da TV Tupi, transferiu-se com praticamente todos os colegas autores e de elenco da antiga emissora, para a Rede Bandeirantes, onde escreveu quatro sucessos: Cavalo amarelo (1980). A novela ganhou uma continuação depois do término, Dulcinéa vai à guerra, que não obteve o mesmo êxito e foi escrita por Sérgio Jockyman pois Ivani se recusou a escrevê-la. No mesmo ano foram levados ao ar os remakes de A deusa vencida, e O meu pé de laranja lima; este último é baseado no romance homônimo de José Mauro de Vasconcelos e ganharia uma terceira versão em 1998 adaptada por Ana Maria Moretzsohn, além de uma adaptação para o cinema por Aurélio Teixeira.

Para escrever Os Adolescentes (1981), foi auxiliada pelo psiquiatra Paulo Gaudêncio. Intencionando mostrar os conflitos dos jovens naquele momento, foi substituída por Jorge Andrade, que terminou a obra amenizando os problemas dos jovens centrais e criando personagens novos, inexistentes nos capítulos criados por Ivani anteriormente. Quando Benedito Ruy Barbosa abandonou a escrita da novela Os imigrantes para retornar à Rede Globo, a direção da Bandeirantes resolveu que Ivani deveria abandonar a escrita de Os Adolescentes e assumir Os Imigrantes. Apesar do profissionalismo de Ivani em aceitar esta incumbência, o fato acabou causando uma série de desencontros e o desgaste de sua relação com a emissora, da qual sairia em seguida.

Em 1982 estreou na Rede Globo, onde permaneceu até sua morte. A telenovela que marcou a estréia nessa emissora é Final feliz, foi o último trabalho da atriz Elza Gomes que veio a falecer em 1984, onde a interpretação de Estênio Garcia ganhou os prêmios de Destaque do Ano e Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA), fazendo com que o autor fosse contratado pelo governo cearense para promover o turismo naquele estado durante um ano, obteve audiência expressiva, promoveu o merchandising sobre tabagismo, cuja trama focalizava o amor vivido em diferentes idades, bem como uma trama policial e deficiência mental, contando com a colaboração do psiquiatra Stanislau Krinsky e inclusive, retratou características do Nordeste brasileiro e foi a única produção inédita na casa – e última novela inédita de sua autoria, pois todas as outras foram remakes ou baseados em antigos sucessos seus.

Prosseguiu com Amor com amor se paga (1984), ambientada na fictícia cidade de Monte Santo no interior mineiro, inspirada na peça O Avarento de Molière, foi baseada em Camomila e bem-me-quer (1972).

Outro trabalho neste caminho foi Hipertensão (1986), baseada em Nossa filha Gabriela (1971) entretanto sem alterar a estrutura da história onde houve mudanças na espinha dorsal, nos nomes dos personagens, criação de novas tramas formando assim uma nova novela, as cenas externas da fazenda Santa Lúcia foram gravadas em Vassouras (RJ), e ambientada na fictícia cidade de Rio Belo, construída em Guaratiba; O sexo dos anjos (1989) que contou com seqüências gravadas na Amazônia e estação de esqui, efeitos visuais, foi baseada em O terceiro pecado (1968), esta última a primeira incursão no sobrenatural.

O sexo dos anjos não obteve êxito, transpondo para os dias contemporâneos uma história que originalmente se passou na década de 1920; A Muralha, baseada no romance homônimo de Dinah Silveira de Queiroz foi convertida em minissérie em 2000 de 49 capítulos, como parte da comemoração dos 35 anos da TV Globo e também aos 500 anos do Brasil, comemorados em 22 de abril daquele ano – adaptada pela dramaturga portuguesa Maria Adelaide Amaral, afora as quatro apresentações de 1954, 1958, 1963 (estas, de maneira mais simplista, numa época em que as telenovelas brasileiras ainda não eram diárias) e 1968. Maria Adelaide leu os originais que Ivani escreveu para rádio nos anos 1950, para realizar a versão de minissérie da obra, conforme consta em uma entrevista da autora na revista Istoé Gente, de 2000.

Escreveu também os remakes de A gata comeu (1985), comédia romântica ambientada no Rio de Janeiro , o tema de abertura também ficou marcado na memória do público: a música Comeu, de Caetano Veloso, gravada pelo compositor acompanhado pelo grupo Magazine;

Mulheres de areia (1993), a novela deveria substituir Felicidade de Manuel Carlos em junho de 1992, mas como Glória Pires engravidou, sua estréia foi adiada em um ano; em seu lugar, entrou Despedida de Solteiro, de Válter Negrão.

A última novela escrita antes de morrer foi o remake de A Viagem (1994), inspirando-se na filosofia de Allan Kardec. A exibição desta, segundo dados de livrarias especializadas na época, aumentou em 50% a vendagem de livros espíritas; por outro lado, a novela teve protesto de diversos movimentos negros, que enviaram cartas à emissora repudiando a discriminação dos autores por não apresentarem negros no céu, baseando-se na filosofia de Allan Kardec e levantando todas as dimensões da Doutrina Espírita, desde o preconceito dos leigos até estudos científicos: o enredo central, que fala sobre a vida após a morte, comunicação entre vivos e mortos através da mediunidade, reencarnação, intercâmbio entre o mundo material e espiritual, a existência dos espíritos encarnados e desencarnados, a imortalidade do espírito, a vida eterna, crendices populares, possessões, sessões de regressão em vidas passadas, a pluralidade de mundos habitados, a moral cristã rediviva e a caridade; Ivani usou dessa história para apresentar sua crença, contando também com cenas gravadas em um campo de golfe de Nogueira, distrito de Petrópolis (RJ), e também em uma pedreira desativada em Niterói. Inclusive esta novela de tanto sucesso superou os índices de audiência da então novela das oito, Pátria minha, de Gilberto Braga.

Mulheres de areia fez tanto sucesso que nunca obteve uma audiência inferior a cinqüenta pontos – um fenômeno para o horário das seis; na Rússia o sucesso foi tanto que, por decisão do governo, o último capítulo foi exibido no dia em que haveria eleições, para evitar que os eleitores viajassem no feriado e conseqüentemente aumentou a freqüência das zonas eleitorais.

A mais recente adaptação das antigas obras de Ivani foi O profeta (2006), que não era exatamente um remake da primeira versão, foi somente baseada na obra, como a história – a primeira versão da novela era contemporânea e este remake é ambientado nos anos 50 – e a mudança dos nomes de muitos personagens. A novela era ambientada em um supermercado que atualmente foi modificado com uma fábrica de cristais (Áurea) – o cristal é o símbolo da clarividência. A regravação de O profeta já havia sido cogitada anteriormente – mais precisamente em 2004 para substituir Chocolate com pimenta de Walcyr Carrasco, novela aliás que foi inspirada em Amor Com Amor se Paga, mas a emissora acabou optando por Cabocla, de Benedito Ruy Barbosa adaptado por suas filhas Edmara e Edilene Barbosa.

Falecimento e trabalhos póstumos

Ela morreu de insuficiência renal provocada pela diabete, no dia 17 de julho de 1995, aos 79 anos, mas deixou prontos dois trabalhos: a última telenovela, a póstuma Quem é você? (1996), um fracasso de audiência, onde abordou a vida da terceira idade e a farsa dos sexos, protagonizada por Cássia Kiss e Elizabeth Savalla, da qual ela escreveu o argumento e foi redigida pela fiel colaboradora Solange Castro Neves (que escreveu apenas os vinte e quatro primeiros capítulos, transferindo-se posteriormente para a TV Record) e terminada por Lauro César Muniz. O título original da novela era Caminho dos ventos (outro título provisório era Os bonecos). Escreveu também uma minissérie, O Sarau, de doze capítulos baseada em obras do escritor Machado de Assis, projeto este que acabou por ser abortado.

Além desta, Ivani também escreveu o argumento de A Selvagem (remake de Alma cigana, 1964) e O machão, exibidas pela TV Tupi em 1971 e 1974, respectivamente. Esta última foi adaptada de A Indomável (1965), pela TV Excelsior e ganharia uma terceira adaptação em 2000 exibida pela TV Globo, cujo título agora era O Cravo e a Rosa, uma livre adaptação do clássico A megera domada, de Shakespeare. Escreveu também um roteiro para um filme com direção de Roberto Santos – Pantomina. Até a década de 80, Ivani havia adaptado exatos 2922 contos, média de um por dia; além de 1300 peças para rádio. Sem colaboradores ela escrevia dois capítulos de novela, o dobro do que uma equipe de quatro novelistas escreve hoje.

Ivani Ribeiro também foi a única autora a ter suas novelas reprisadas duas vezes na sessão Vale a Pena Ver de Novo: A viagem, em 1997 e 2006 e A gata comeu, em 1989 e 2001, levada ao ar em substituição ao fracasso da reprise dos antigos episódios do extinto programa Você Decide, e foi a novela mais velha a ser reprisada, com dezesseis anos em 2001. Durante a segunda reprise de A viagem, a gravadora Som Livre relançou no mercado a trilha sonora internacional da novela.

Em 1998 a autora e colaboradora de Ivani, Solange Castro Neves, apresentou uma sinopse de A Viagem 2, que seria uma continuação da novela exibida em 1994, mas desavenças entre diretores de emissora, fez com que o projeto fosse abortado.

Fonte:
wikipedia

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Raul de Leoni (1895 – 1926)

Raul de Leoni (Petrópolis, 30 de outubro de 1895 — Itaipava, 21 de novembro de 1926)

30 de outubro de 1895, nasce em Petrópolis, Estado do Rio, Raul de Leoni Ramos, terceiro filho do magistrado Carolino de Leoni Ramos e de D. Augusta Villaboim Ramos.

Em 1903, cursa o primário e, a seguir, o secundário, no Colégio Abílio, em Niterói.

Em 11 de setembro de 191o, faz a Primeira Comunhão aos quinze anos, na Capela do Colégio São Vicente, dos padres Premonstratenses, em Petrópolis, onde se encontra internado.

Em 1912, matricula-se da Faculdade Livre de Direito do Distrito Federal, colando grau de bacharel em Ciências Jurídicas e Sociais, quatro anos mais tarde.

Parte para a Europa em 9 de abril de 1913, indo visitar a Inglaterra, França, Itália, Espanha e Portugal. Impressiona-se com Florença, única cidade nominalmente decantada em seu livro.

De volta ao Rio de Janeiro, em 1914, inicia colaboração literária nas revistas Fon-Fon e Para-Todos, colaborando mais tarde em O Jornal (1919), no Jornal do Comércio e no Jornal do Brasil.

Em 13 de março de 1918 é nomeado, por Nilo Peçanha, Ministro das Relações Exteriores no governo Wenceslau Brás, para o cargo de Secretário da Legação do Brasil em Cuba, não chegando a assumir, regressando da Bahia.

No ano de 1919, após declinar da sua nomeação para cargo idêntico, em nova Legação junto ao Vaticano, aceita ir para Montevidéu, onde permanece por três meses, para logo definitivamente abrir mão da Diplomacia. É eleito Deputado à Assembléia Fluminense. Publica seu primeiro livro de poemas: Ode a um poeta morto, dedicado à memória de Olavo Bilac.

Em 8 de setembro de 1920 contrai casamento com Ruth Soares de Gouvêa.

Em 6 de abril de 1921 casa-se com Ruth Soares de Gouvêa.

No ano de 1922 publica Luz mediterrânea, e começa a colaborar no jornal O Dia.

Em 1923, vitimado pela tuberculose, abandona o convívio de parentes e amigos, indo para Corrêas, e a seguir, Itaipava, licenciando-se do cargo de inspetor na companhia de seguros em que trabalhava.

Falece em 21 de novembro de 1926, na Vila Serena, em Itaipava, Petrópolis, hoje condomínio Alexandre Mayworm. Após a sua morte em Itaipava seu corpo foi conduzido para Petrópolis, que lhe prestou suas últimas homenagens, sepultando-o à sombra do Cruzeiro das Almas, erigindo-lhe um mausoléu e dando o seu nome a um trecho da Rua Sete de Setembro.

Sinopse crítica da obra do autor

A obra de Raul de Leoni obteve estudos críticos de de Agrippino Grieco, Rodrigo Melo Franco de Andrade, Medeiros de Albuquerque, Alceu Amoroso Lima, Ronald de Carvalho, Manuel Bandeira, Afonso Arinos de Melo Franco, Tasso da Silveira e Sergio Milliet. Foi o poeta de maior realce na última fase do simbolismo, e justamente considerado como uma das figuras mais notáveis do soneto brasileiro de todos os tempos.

Parnasianos, simbolistas e até modernistas o têm em alta conta, apreciando-o sem reservas. Cada um de seus versos tem sonoridade e ritmo primorosos, especialmente os dos sonetos, em decassílabos, mesclados de simbolismo e de modernismo, com tessitura clássica e técnica parnasiana. São versos considerados dos mais perfeitos: em idéia, filosofia, e essência das temáticas. Porém, a mesma unanimidade não tem a crítica ao situar o poeta, em diferentes julgamentos, onde foi colocado nas escolas e posições poéticas as mais diferentes e contraditórias. Enquanto alguns dos seus críticos o consideram um genuíno parnasiano, outros enxergam nele o simbolista autêntico, terceiros acreditam ter sido um neo-parnasiano e outros o situam num grupo completamente independente das regras poéticas e influências de escolas e movimentos literários.

Análise literária

O seu ritmo peculiar e admirável de versificação, o conjunto de idéias sublimes de suas palavras, são os aspectos mais fortes que envolvem a magnífica harmonia da unidade de pensamento que existe em toda sua obra. Raul de Leoni é poeta de grandeza solitária, unindo a uma filosofia panteística um espírito helênico de poesia ligada ao canto e a música. Apesar de apontarem em seus versos Pascal e Platão, sua poesia nada tem de filosófica. É espontânea, colorida, sensual. Sua estética à maneira platônica leva-o a uma vizinhança extraordinária com o Simbolismo, sendo, tanto quanto Guimarães Passos um grande poeta de transição.

Todavia a crítica literária brasileira é unânime em assinalar a alta linhagem clássica da poesia de Raul de Leôni, fundada na homogeneidade da sua primazia gramatical, temática e métrica, e consolidada no seu bom gosto literário, reconhecidos como impecáveis, desde a sua época até os dias atuais.

A sua poesia embora contenha formas antigas e clássicas, é caracterizada por um imperecível espírito de modernidade, o que lhe assegura compreensão ilimitada e aperiódica, e o introduz na seleta plêiade dos poetas imortais.

Principais poemas

De todos os poetas brasileiros, de qualquer escola onde existissem regras poéticas, incluindo os independentes, o único que não sofreu sequer um sopro de menosprezo do assíduo fôlego da “corrente modernista brasileira” foi Raul de Leôni.

Seus sonetos, de métricas perfeitas, repletos de metáforas e de concepções filosóficas extraordinárias, corriam nos cadernos de poesia dos moços e moças da época, que compreendiam aqueles versos de palavras doces, que continham, ao mesmo tempo, tanta simplicidade e tanto esclarecimento.

A 1ª edição do “Luz Mediterrânea”, de 1922, editada em vida pelo autor, começa com o poema “Pórtico” (onde ele se desvencilha, quase por completo, dos laços da influência do Parnaso brasileiro) e termina com o “Diálogo Final”, tendo sido os “Poemas Inacabados” (que o poeta, ao pressentir a morte prematura, pediu para sua mulher queimar, e ela não compreendeu o seu pedido) que fazem parte da 2ª edição, e das edições seguintes, foram anexados ao “Luz Mediterrânea” pelos outros editores das mesmas.

Se Ode a um Poeta Morto é realmente parnasiano, não o são muitos dos poemas de Luz Mediterrânea, entre eles História de uma alma, E o poeta falou, Imaginação, Supertição?, etc., sem omitir o soneto Argila, um dos melhores da lingua e do qual disse Agripino Grieco, que “todo brasileiro deveria saber de cor”.

Fontes:
Academia Brasileira de Poesia da Casa de Raul de Leoni
Wikipedia

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Osman Lins (1924 – 1978)

  • – Osman Lins nasceu a 5 de julho de 1924, em Vitória de Santo Antão (PE).
  • – Publicou seu primeiro romance, O visitante, em 1955 e, em 1957, Os gestos.
    – Em 1960, concluiu o curso de dramaturgia na Escola de Belas Artes, da Universidade do Recife.
    – Estreou peça de sua autoria, Lisbela e o prisioneiro, no Rio de Janeiro, em 1961. No mesmo ano, editou o romance O Fiel e a Pedra. Em seguida viajou para a Europa como bolsista da Alliance Française.
    – Em 1962, transferiu-se para São Paulo.
    – Publicou, em 1966, Nove, novena, narrativas e Um mundo estagnado, ensaios sobre livros didáticos de português e a peça Guerra do “Cansa-Cavalo” .
    – Em 1970, ingressou no ensino superior como professor de Literatura Brasileira.
    – Em 1973, publica Avalovara, romance, traduzido posteriormente para o espanhol, francês e alemão.
    – Obtém o grau de Doutor em Letras pela Faculdade de Filosofia e Letras de Marília (1973), com a tese “Lima Barreto e o espaço romanesco”, publicada em 1975.
    – Foi professor titular de Literatura Brasileira na Faculdade de Filosofia Ciências e Letras de Marília (SP) até 1976, quando deixa o ensino universitário dedicando-se exclusivamente à atividade de escritor.

    Obras do autor:
    O visitante (1955) romance,
    Os gestos (1957) contos,
    O fiel e a pedra (1961) romance,
    Marinheiro de primeira viagem (1963) notas de viagem,
    Lisbela e o prisioneiro (1964) teatro,
    Nove, Novena (1966) narrativas,
    Um mundo estagnado (1966) ensaio,
    “Capa Verde” e o Natal (1967) teatro infantil,
    Guerra do “Cansa Cavalo” (1967) teatro,
    Guerra sem testemunhas: o escritor, sua condição e a realidade social (1969) ensaio,
    Avalovara (1973) romance,
    Santa, automóvel e soldado (1975) teatro,
    Lima Barreto e o espaço romanesco (1976) ensaio
    A Rainha dos Cárceres da Grécia (1976), romance.

    Seu conto “A ilha no espaço” foi adaptado e apresentada no programa Caso Especial da TV Globo.

    A partir de 1976, começa a colaborar ativamente na imprensa e a escrever para televisão, além de redigir ensaios em colaboração com Julieta de Godoy Ladeira: Do Ideal e da Glória e Problemas Inculturais Brasileiros.
    Prêmios literários:
    “Fábio Prado” (SP),1955,
    “Monteiro Lobato” (SP),
    “Coelho Neto”, da Academia Brasileira de Letras (1955),
    “Vânia Souto Carvalho” (Recife), 1957,
    “Nacional de Comédia”,
    “Mário Sette” (Recife), 1962
    “José de Anchieta” (SP), 1965.

  • Faleceu em São Paulo a 8 de julho de 1978.

    Fonte:
    http://www.releituras.com/osmanlins_menu.asp

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E-Book indígena divulga trabalho de 11 escritores em defesa de suas tradições

Esse e-book é como um cartão de visita para os autores indígenas, já que divulgam seus trabalhos aos órgãos governamentais, à universidade local, entre outros locais”. A afirmação de Eliane Potiguara, escritora indígena da comunidade Potiguara e coordenadora da Rede de Escritores Indígenas da Inbrape (Instituto Indígena de Propriedade Intelectual) e o Grupo Mulher-Educação Indígena (Grumin), ressalta a importância do primeiro e-book com textos indígenas.

O Núcleo de Escritores Indígenas (NEI) do Inbrapi, o Grumin/Rede de Comunicação Indígena e Vanderli Medeiros Produções Digitais prepararam o e-book. O livro pretende promover autores indígenas, incentivar estes povos à escrita, divulgar o pensamento indígena, usufruir a ferramenta da internet para divulgar o trabalho dos autores a um baixo custo e disponibilizar este material em diversos sites.

Segundo Eliane, foram enviados cerca de 20 textos, sendo 11 contos publicados. “Recebemos muito material, mas o dinheiro foi o problema já que o projeto não recebeu apoio de nenhum órgão da educação, como a Organização das Nações Unidas para a Educação, a Ciência e a Cultura (Unesco). Contamos apenas com a ajuda e um artista plástico e a produtora Vanderli Medeiros, responsável pela parte física do livro“, esclarece a organizadora do e-book.

O livro apresenta contos de várias comunidades indígenas, como guarani, potiguara, entre outros. Yaguarê Yamá, Olívio Jecupé, Daniel Mundukuru, Eliane Potiguara, Lúcio Flores, Kerexu Mirim, Manuel Moura Tukano, Florêncio Vaz, Juvenal Payáyá, Adelmário Ribeiro e Gabriel Gentil foram os autores deste primeiro e-book. “A gente quer jogar este livro na mídia, porque é importante as pessoas indígenas divulgarem seus trabalhos com escritores conhecidos e mostrar sua experiência nas editoras. As portas até agora foram fechadas para eles. É como se o povo indígena não tivesse capacidade para nada. Aquela mentalidade do código civil brasileiro em que dizia que os índios eram menores de idades ainda existe. A gente ainda sente um olhar diferente sobre o indígena“, ressalta Eliane.

Formada em Letras, a organizadora do primeiro e-book é conhecida pela sua atuação na defesa dos direitos indígenas e foi indicada para o Projeto Mil Mulheres para o Prêmio Nobel da Paz entre 52 brasileiras indicadas. Além disso, foi nomeada uma das “Dez Mulheres do Ano de 1998”, pelo Conselho das Mulheres do Brasil e por ter criado a primeira organização de mulheres indígenas no país, o Grumin. É ainda empreendedora social da ASHOKA, membro do Women´s Writes World e autora do livro “Metade cara, metade máscara”, que aborda a questão indígena no Brasil.

Com objetivo de levar mais informações para as comunidades indígenas, o Grumin, segundo Eliane, é uma rede de comunicação indígena que trabalha para levantamento de projetos de financiamento na área indígena. Ou seja, luta pela democratização da informação. No seu primeiro jornal, costumava denunciar a invasão dos garimpeiros e madeireiros nas terras indígenas. “Colocávamos a opinião do indígena no jornal e levávamos o debate no campo internacional¸ para a Organização das Nações Unidas (ONU). Fizemos até um relatório e recebemos comissão da ONU. Recebemos ainda uma Comissão de Combate ao Racismo, em 1996. Como sofri ameaça de morte no final de 1992, paramos de publicar este material cerca de dois anos e decidi retomar meu trabalho por meio da literatura para chegar sem muito alarde“, explica Eliane.

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O e-book pode ser baixado no site http://www.elianepotiguara.org.br/home.html
Fonte:
Aragarças-Goiás/Brasil. 23 setembro 2005. por Susana Sarmiento.
http://www.jlocal.com.br/geral.php?pesquisa=1544

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Antonio Facci (15/2/1941 – 10/03/2008)

O escritor Antonio Facci é natural de Cedral, Estado de São Paulo, nasceu no dia 15 de fevereiro de 1941 e faleceu em Maringá, PR, a 10 de março de 2008. É o sétimo filho de Vergílio Facci e de Maria Morroni, o qual, somado aos três que vieram após seu nascimento, faz parte da prole de dez descendentes de colonos italianos.

Serventuário da Justiça, cidadão benemérito de Maringá, cidadão honorário de Floresta e Sarandi e menção de homenagem do Estado do Paraná. Vereador (Maringá). Deputado estadual (Paraná) Presidente da Academia de Letras de Maringá. Publicou 14 obras. Secretário do Distrito LD-6 do Lions Internacional. Autor de Mantenha acesa a chama da vida, Ex-passos, Do cio ao sombrio, Alento, Governadores 30 anos, O soldado, Memórias de prata, Queixas, Grafiteiro, Sem palavras, Parlamentar e Meus passos no leonismo.

· Membro fundador da Academia de Letras de Maringá, titular da Cadeira nº 20, que tem como patrono Humberto de Campos.

· Titular da Cadeira nº 6 da Academia Brasileira de Leonismo.

· Titular da Cadeira nº 20 da Academia Brasileira de Estudos e Pesquisas Literárias.

· Patrono da Cadeira nº 8 da Academia Umuaramense de Letras e Artes.

· Sócio da UBT – seção de Maringá.

· Medalha de Ouro – Concurso Nacional de Contos, promovido pela Revista Brasília, com o texto “Alípio e Isabel”.

· Medalha de Prata – Concurso Nacional de Poesia, promovido pela Revista Brasília, com o poema “Poros”.

· Diploma de Honra ao Mérito, pelos serviços prestados à literatura nacional, outorgado pela Academia Goiânia de Letras.

· Medalha de Mérito Acadêmico, pelos serviços prestados à literatura, outorgada pela Academia Brasileira de Estudos e Pesquisas Literárias.

· Medalha Juscelino Kubstchek de Oliveira, outorgada pela Academia Brasileira de Estudos e Pesquisas Literárias.

· Medalha de Mérito Cultural Arcádico – Euclides Pery Rodrigues, outorgado pela Arcádia de Artes e Ciências Estéticas do Rio de Janeiro.

Fonte:
http://www.afacci.com.br/autor.php

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Gabriel Garcia Marquez (1928)

Gabriel García Marquez (Aracataca, Magdalena, 6 de março de 1928) é um importante escritor colombiano, jornalista, editor e ativista político, que em 1982 recebeu o Nobel de literatura por sua obra, que entre outros livros inclui o aclamado cem anos de solidão. Foi responsável por criar o realismo mágico na literatura latino-americana.Viajou muito pela Europa e vive actualmente no México a lutar contra o cancro. É pai do realizador Rodrigo Garcia.

Gabriel García Márquez, também conhecido por Gabito, filho de Eligio Garcia e de Luiza Santiaga Márquez Iguaran, que tiveram onze filhos.Tinham uma pequena farmácia homeopática. E seu avô materno Nicolás Marquez, que era um veterano da Guerra dos Mil Dias, cujas histórias encantavam o menino, e sua avó materna Tranquilina Iguarán exerceram forte influência nas histórias do autor, um exemplo são personagens de cem anos de solidão.

Tinha 8 anos (1936) quando esse avô morreu. A família deixou então Aracataca, devido à crise da plantação bananeira, e Gabriel estudou em Barranquilla e no Liceu Nacional de Zipaquirá, passou a juventude ouvindo contos das Mil e Uma Noites; sua adolescência foi marcada por livros, em especial A Metamorfose, de Franz Kafka. Ao ler a primeira frase do livro, Quando certa manhã Gregor Samsa acordou de sonhos intranqüilos, encontrou-se em sua cama metamorfoseado num inseto monstruoso, pensou então eu posso fazer isso com as personagens? Criar situações impossíveis?. Em 1947 muda-se para Bogotá para estudar direito e ciências políticas na universidade nacional da Colômbia, mas abandonou antes da graduação. Em 1948 vai para Cartagena das Indias, Colômbia, e começa seu trabalho como jornalista.

Seu primeiro trabalho como jornalista foi para o jornal El Universal. Em 1949 vai para Barranquilha e trabalha como repórter para o jornal El Heraldo. Neste mesmo período participa de um grupo de escritores para estimular a literatura. Em 1954 passa a trabalhar no El Espectador como repórter e crítico.

Em 1958 trabalha como correspondente internacional na Europa, retorna a Barranquilha e casa-se com Mercedes Barcha com quem tem dois filhos, Rodrigo e Gonzalo.Em 1961 vai para Nova Iorque para trabalhar como correspondente internacional, mas suas críticas a exilados cubanos e suas ligações com Fidel Castro o fizeram ser perseguido pela CIA e com isso muda-se para o México. Em 1994 funda juntamente com seu irmão Jaime Abello a Fundação Neo Jornalismo Iberoamericano.

Teve como seu primeiro trabalho o romance “La Hojarasca” publicado em 1955. Em 1961 publica “Ninguém escreve ao coronel”. A obra Relato de um náufrago, muitas vezes apontada como seu primeiro romance, conta a história verídica do naufrágio de Luis Alejandro Velasco e foi publicado primeiramente no “El Espectador”, somente sendo publicada em formato de livro anos depois, sem que o autor soubesse .

O escritor colombiano possui obras de ficção e não ficção, tais como Crônica de uma morte anunciada e Amor nos tempos do cólera. Em 1967 publica Cem Anos de Solidão, livro que narra a história da família Buendía na cidade fictícia de Macondo, desde sua fundação até a sétima geração. Este livro foi considerado um marco da literatura latino-americana e exemplo único do estilo a partir de então denominado “Realismo Fantástico”. Suas novelas e histórias curtas – fusões entre a realidade e a fantasia – o levaram ao Prêmio Nobel de literatura em 1982.Em 2002 publicou sua autobiografia Viver para contar, logo após ter sido diagnosticado um câncer linfático.

Têm simpatia por movimentos revolucionários da América Latina. Em 2006 apoiou juntamente com outras figuras públicas a independência de Porto Rico. Em algumas ocasiões foi mediador entre governo colombiano e as guerrilhas.

Tem interesse por cinema e trabalha principalmente como diretor.Em 1950 estudou no Centro experimental de cinema em Roma.Participou diretamente de alguns filmes tais como Juego peligroso,Presságio, Erendira, entre outros.Em 1986 funda Escola Internacional de Cinema e Televisão em Cuba, para apoiar a carreira de jovens da América Latina, Caribe, Ásia e África. Em 1990 conhece Woody Allen e Akira Kurosawa, diretores pelos quais tem admiração.

Obras

La Hojarasca – 1954
Memória dos prazeres
Relato de um náufrago
A sesta de terça-feira
Ninguém escreve ao coronel
Os funerais da mamãe grande
O enterro do diabo:A revoada
Má hora: o veneno da madrugada
Cem anos de solidão
A última viagem do navio fantasma
Entre amigos
A incrível e triste história de Cândida Eréndira e sua avó desalmada
Um senhor muito velho com umas asas enormes
Olhos de cão azul
O outono do Patriarca
Como contar um conto (1947-1972)
Crônica de uma morte anunciada
Textos do caribe
Cheiro de goiaba
O verão feliz da senhora Forbes
O Amor nos tempos do cólera
A aventura de Miguel Littín Clandestino no Chile
O general em seu labirinto
Doze contos peregrinos
Do amor e outros demônios
Notícia de um seqüestro
Textos Andinos
Da Europa e América
Viver para contar
Memórias de minhas putas tristes
Crónicas, 1961-1984

Prémios e condecorações

Premio de Novela ESSO por “má hora:o veneno da madrugada” (1961)
Doutor Honoris Causa da Universidade de Columbia em Nova Iorque (1971)
Medalha da Legião Francesa em Paris (1981)
Condecoração Águila Azteca no México (1982)
Prémio Nobel de Literatura (1982)
Prémio quarenta anos do Circulo de jornalistas de Bogotá (1985)
Membro honorário do Instituto Caro y Cuervo em Bogotá (1993)
Doutor Honoris Causa da Universidade de Cádiz (1994)

Fonte:

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Plinio Marcos (1935 – 1999)

Plínio Marcos de Barros nasceu em Santos (SP) em 29 de setembro de 1935. Filho de família modesta, não gostava de estudar e terminou apenas o curso primário. Foi funileiro, sonhou ser jogador de futebol, serviu na Aeronáutica e chegou a jogar na Portuguesa Santista, mas foram as incursões ao mundo do circo, desde os 16 anos, que definiram seus caminhos. Aos 19 anos, já fazia o palhaço Frajola e pequenos papéis como ator em diversas companhias circenses e de teatro de variedades. Atuou em rádio e também na televisão local em Santos.

Em 1958, conhece a jornalista e escritora modernista Pagu — Patrícia Galvão. Ela e seu marido Geraldo Ferraz, também jornalista e escritor, abriram os horizontes intelectuais dos jovens atores envolvidos no movimento de teatro amador de Santos, inclusive Plínio, apresentando-lhes textos de dramaturgia moderna.

Nesse mesmo ano, impressionado pelo caso verídico de um jovem currado na cadeia, escreve “Barrela”, cuja carreira seria premonitória da vida profissional do autor: por sua linguagem ela permaneceria proibida durante 21 anos.

Em 1960, com 25 anos, está em São Paulo, atuando inicialmente como camelô. Logo estaria trabalhando em teatro, como ator, administrador, faz-tudo em grupos como o Arena, a companhia de Cacilda Becker, o teatro de de Nídia Lycia. Desde 1963, produz textos para a TV de Vanguarda, programa da TV Tupi, na qual também atua como técnico. No ano do golpe militar, faz o roteiro do show “Nossa gente, nossa música”. Em 1965, consegue encenar “Reportagem de um tempo mau”, colagem de textos de vários autores, que fica um dia em cartaz.

Sob o signo da Censura, Plínio Marcos viverá até os anos 80 sem fazer concessões, sendo intensamente produtivo e sempre norteado pela cultura popular. “Dois perdidos numa noite suja” (1966), “Navalha na carne” (1967), “O abajur lilás” (1969) são sistematicamente perseguidos. Ele luta pela expressão com peças musicais como “Balbina de Iansã” (1970) e “Noel Rosa, o poeta da Vila e seus amores” (1977).

Escreve nos jornais “Última Hora”, “Diário da Noite”, “Guaru News”, “Folha de S. Paulo” (cadernos “Folhetim” e “Folha Ilustrada”) e “Folha da Tarde” e também na revista “Veja”, além de colaborar com diversas publicações, como “Opinião”, “Pasquim”, “Versus”, “Placar” e outras. Em forma de livro, publica suas peças, os contos de “Histórias das quebradas do mundaréu” (1973) e o romance “Querô, uma reportagem maldita” (1976), depois adaptado para o teatro. O argumento original de “A rainha diaba” (1974) consegue chegar às telas.

Depois do fim da Censura, Plínio volta a impressionar com o romance “Na barra do Catimbó” (1984), peças como “Madame Blavatsky” (1985), textos de teatro infantil, a noveleta e depois peça “O assassinato do anão do caralho grande” (1995). Paralelamente, cresce sua presença como palestrante em várias cidades do país: ele chega a fazer 150 palestras-shows por ano, vestindo negro, com um bastão encimado por uma cruz e a aura mística de leitor de tarô — espécie de nova “personagem de si mesmo”, como fora antes a imagem do palhaço.

Traduzido, publicado e encenado em francês, espanhol, inglês e alemão; estudado em teses de sociolingüística, semiologia, psicologia da religião, dramaturgia e filosofia em universidades do Brasil e do exterior; Plínio Marcos recebeu os principais prêmios nacionais em todas as atividades que abraçou em teatro, cinema, televisão e literatura, como ator diretor escritor e dramaturgo.

Desde sua morte aos 64 anos em São Paulo, em 29 de novembro de 1999, as homenagens ao autor e o interesse em torno de sua obra só fizeram crescer, alcançando suas parcerias musicais com alguns dos mais importantes nomes do samba paulista, bem como novas montagens e filmagens de seus textos. Ao mesmo tempo, seu nome foi adotado para batizar prêmios e espaços culturais pelo país afora — inclusive o Teatro Nacional Plínio Marcos, de Brasília.

Fonte:
http://www.releituras.com/

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Caminhos da Ficção da África Portuguesa (Rita Chaves e Tânia Macedo)

Nomes como Mia Couto, José Luandino Vieira e Pepetela despontam na literatura dos países colonizados pelos portugueses. No uso da língua, os escritores reafirmam a diversidade. Nas tramas dos livros, combinam história recente e mitos do passado mais antigo. Em muitos casos, prevalece o olhar irônico por Rita Chaves e Tânia Macedo

Que lugar pode ocupar a literatura num continente devastado pela miséria, pelo analfabetismo, pelos conflitos armados, pela precariedade da vida? Se nos deixamos levar pela lógica das estatísticas, temos de assinalar que, de fato, a atividade literária na África não supera a marca do traço. Porém, segundo Mia Couto, um de seus mais prestigiados escritores, essa duríssima realidade não pode ser vista como um impedimento para o lugar do sonho que a literatura também pode abrigar. Aos escritores, cabe, portanto, encarar como um desafio o ato de escrever num quadro atravessado por tão duras contradições.

Em se tratando dos países colonizados por Portugal, a situação é verdadeiramente complicada. A inconsistência do projeto de colonização, o próprio atraso da metrópole e o prolongamento da empresa colonial estão na origem das difíceis condições de vida em Angola, Cabo Verde, Guiné Bissau, Moçambique e São Tomé e Príncipe. Nos anos 70, quando o colonialismo lusitano foi interrompido pela vitória das lutas de libertação, encontravam-se as populações africanas mais distantes dos padrões ocidentais no que refere ao domínio da ciência e da tecnologia do que quando ele ali se instalou. As elevadíssimas taxas de analfabetismo eram apenas um dos reflexos do completo fiasco da “missão civilizadora”. Com exceção de Cabo Verde, que apresentava um quadro educacional menos constrangedor, os territórios ocupados caracterizavam-se por baixíssimos índices de escolaridade. A pluralidade lingüística, que poderia ser vista como sintoma da riqueza cultural, tornava mais complexa a situação dos países.

Moçambique, por exemplo, contava mais de duas dezenas de línguas. Reconhecendo a incomunicabilidade entre os vários segmentos que passaram a ser parte de um território comum como um dos mais cruéis legados do sistema colonial, os escritores enxergaram no exercício literário a possibilidade de reforçar um patrimônio comum que a história, mesmo à revelia, havia criado. O reforço dessa convergência seria uma estratégia importante para a libertação. A atividade literária converteu-se desde muito cedo em ato de resistência e um problema que logo se colocou foi o da escolha da língua em que se realizaria o projeto de integração que a literatura chamava para si.

Não acreditando noutras hipóteses, os escritores, sem ignorar a dimensão do problema, assumiram o português como um instrumento a ser utilizado a seu favor. A nacionalização da língua trazida com a invasão seria uma estratégia para a conquista maior. Esse movimento de nacionalização traduziu-se num esforço para conferir ao idioma conotado com a metrópole marcas que o tornassem também um espaço de identidade cultural de cada um dos territórios.

Passados mais de 30 anos desde a independência, o pragmatismo que está na base da escolha da língua oficial, embora tenha resolvido a questão principal, não afastou completamente aspectos que cercam a literatura. Vez por outra, o debate ressurge, sugerindo que essa é uma espécie de área minada, pois a preocupação com o problema permanece no imaginário de fecundos escritores. Em inúmeras vezes, José Luandino Vieira, um dos maiores ficcionistas angolanos, defendeu a idéia de que a língua portuguesa é uma espécie de despojo de guerra, portanto o seu uso é um direito dos africanos e não um sinal de alienação. O fato é que dos dilemas que a relação guarda têm nascido páginas belíssimas dessa literatura.

Entre os ficcionistas, há pelo menos três que se têm destacado pelo trabalho de reinvenção da língua que operam em seus textos: o próprio José Luandino Vieira e seu conterrâneo Boaventura Cardoso e o moçambicano Mia Couto. Dividindo-se entre o conto e o romance, esses autores trabalham a língua portuguesa buscando enfatizar a sua diversidade. Em seus textos, recorrem ao uso de neologismos, desobedecem à norma culta, empregam palavras das línguas de seus países, tornando-as, portanto, mais próximas das realidades apanhadas pelo texto literário. Diante de seus textos, o leitor percebe logo que o autor não é um português.

Ao leitor brasileiro, essa produção vai lembrar o nome de Guimarães Rosa, uma vez que, tal como o brasileiro que fez do sertão um espaço privilegiado, esses escritores, além de transformarem a língua com a interferência de construções um tanto insólitas, procuram trazer para a literatura certa dinâmica da oralidade. Não se trata simplesmente de recontar as lendas, os mitos e as fábulas que compõem as suas tradições, mas de revitalizar a escrita através do questionamento dos modelos ocidentais. Dessa forma, eles exprimem o impasse criado entre a recusa de uma tradição imposta pelo sistema colonial e a impossibilidade de retomar integralmente a tradição que fora submetida ao amordaçamento pelo mesmo sistema. A necessidade de resgatá-la em novas bases vai orientar a procura de novas falas que a literatura precisa abrigar.

Em Angola, onde a ficção se consolidou mais cedo, essa urgência de romper com a convenção que se tentou impor também condicionou logo a invenção de novos espaços e a predominância de personagens que durante a dominação foram desconsiderados pela chamada literatura colonial. Os pobres, os negros, os excluídos ganham a cena na prosa de ficção, alçados ao estatuto de protagonistas do que se pode chamar de uma outra história. Nos anos que antecederam a independência e no período imediatamente posterior, as obras publicadas empenhavam-se em oferecer versões da história que se contrapusessem às imagens disseminadas pelo discurso colonial. Os silenciados exercitavam o direito à voz, conquistado com a libertação. Romances como Mayombe, de Pepetela, e os contos de Sim, camarada, de Manuel Rui, vão revelar novos heróis, em textos que celebram a resistência.

Curiosamente, esses mesmos autores, ainda nos tempos de euforia revolucionária, publicam dois textos de forte conteúdo crítico. O cão e os caluandas, do primeiro, e Quem me dera ser onda, do segundo, com uma perspectiva muito irônica, que contamina a própria linguagem, fazem do humor um modo de abordar o tempo das carências materiais e da desorganização cultural que predomina nos primeiros anos da revolução. O processo de desagregação do projeto utópico começa a ser tratado pela literatura que anunciara a transformação.

A consciência crítica da realidade que sucedia ao sonho convive, todavia, com uma aposta na literatura como marca de identidade. Vamos encontrar assim o romance histórico como uma tendência significativa no itinerário do gênero. Do próprio Pepetela, podemos referir Lueji e A gloriosa família – o tempo dos flamengos. De Arnaldo Santos, temos A casa velha das margens, que, como A conjura, de José Eduardo Agualusa, remonta ao século XIX para oferecer elementos que permitam interpretar o presente. É interessante assinalar que esse tipo de narrativa, que teve seu modelo forjado no Ocidente, no contexto das literaturas africanas traz uma característica especial: para além das fontes documentais, os autores lançam mão da memória oral, confirmando a energia dessas matrizes no patrimônio cultural africano.

Tão forte em Angola, o romance histórico não tem o mesmo peso nos outros países. Ali, percebe-se o desejo de resgatar mitos que a história colonial havia desconsiderado, recuperando para muitos um papel edificante, compatível com a construção do nacionalismo orgulhoso, como é o caso de Nzinga Mbandi, de Manuel Pedro Pacavira. Até o presente, em Moçambique destacam-se apenas dois casos de romances que excursionam pelas páginas da história. O primeiro deles é Ualálapi, de Ungulani ba ka Khosa, publicado em 1987. E, muito curiosamente, a narrativa, em lugar de enaltecer o mito de Ngungunhane – o imperador de Gaza que resistiu bravamente aos portugueses –, oferece uma imagem em tudo contrária à dimensão heróica que o novo Estado procurava assegurar ao personagem. Mais recentemente, Mia Couto, em O outro pé da sereia, faz uma incursão pela história e vai ao século XVI colher material para uma reflexão sobre aspectos contemporâneos da realidade africana. Mais uma vez, a ironia está presente na estrutura da obra.

Muito embora seja reconhecido o peso do passado colonial na situação a ser enfrentada hoje, há uma inegável tendência de trazer a discussão para outros termos, responsabilizando as elites que tomaram conta do poder e contribuíram para o quadro de desagregação mais evidente num ou noutro país. Já em 1994, com O desejo de Kianda, Pepetela denunciava uma Luanda (cidade que foi fundamental na literatura que espelhava o desejo de mudança) vivendo a experiência da ruína. Esse processo de apodrecimento da cidade, que foi tão importante na geografia literária dos anos 60, quando ganhavam corpo os desejos da transformação, será intensificado pelo mesmo autor em obras como Predadores e Jaime Bunda, o agente secreto. Com Jaime Bunda e a morte do americano, este último integra uma série que, parodiando o romance policial, oferece-nos um registro mordaz da degradação das relações sociais e humanas numa sociedade que vive um intenso desregramento.

A ironia será também a marca da ficção em Cabo Verde. Uma boa dose de mordacidade marca o humor que emerge em romances como O testamento do senhor Nepomuceno e A família Trago, de Germano de Almeida. Em todos eles, o foco recai sobre a sociedade caboverdiana numa atualidade em que se refletem os traços de um passado não muito distante e em que se confirma o caráter mestiço da cultura das ilhas. Germano brinca com os estereótipos com que os ilhéus são muitas vezes pintados, mas consegue tratar algumas de suas peculiaridades de maneira corrosiva, sugerindo características que compõem a sua identidade ostensivamente mesclada.
Apesar de estar ainda numa fase incipiente, a prosa de ficção na Guiné-Bissau é marcada por um olhar ácido, incapaz de ver saída. Romances como Eterna paixão e Mistida, de Abdulai Sila, e Kikia Matcho, de Filinto de Barros, tematizam a desilusão diante daqueles que deveriam ser os novos tempos. O pós-independência é visto amargamente nessas duas últimas narrativas, nas quais o recurso àquilo a que se convencionou chamar de fantástico é utilizado para expressar a deterioração de valores que se quer apontar. Já em A última tragédia, de Sila, temos um recuo ao período anterior à independência, e figuras como o professor negro e um velho régulo traduzem uma ponta de esperança em meio ao drama colonial.

A tensão entre um presente difícil e a necessidade de encontrar alguma saída marca essa prosa de ficção. As diversas situações de instabilidade, o acirramento das contradições sociais e a convivência com a morte caracterizam essas realidades onde a guerra tem sido uma marca muito freqüente, o que explica que ela apareça em tantos textos. Melhor seria falar em guerras, pois elas, na verdade, são várias e de maneiras diferentes serão abordadas no interior das obras.

José Luandino Vieira faz da guerra o pano de fundo de duas de suas excelentes narrativas. Em Nós, os do Makulusu, escrita em 1967, ela é a expressão do dilaceramento de um mundo condenado. A sociedade colonial começa a experimentar a consciência de seu fim, e a morte de Maninho, alferes do exército colonial, vítima de uma emboscada, é uma espécie de metáfora do inconciliável para quatro personagens que na infância vivenciaram a comunhão. No livro com que se relança no mercado editorial, rompendo um prolongadíssimo silêncio, Luandino retomará o período e, dessa vez, mergulhará na ambiência da guerrilha no admirável Livro dos rios, com que abre a trilogia De rios velhos e guerrilheiros. Tal como no texto dos anos 60, Luandino recusa aqui qualquer atitude maniqueísta, fazendo, contudo, com que a participação na guerrilha seja uma espécie de travessia que integra a construção da identidade, em que também interfere a relação do homem com a natureza, metonimizada pelos rios que formam a terra angolana.

Em Mayombe, romance destacado na obra de Pepetela, a luta de libertação é palco de glorificação de heróis nacionais, fenômeno que será relativizado em A geração da utopia, quando o mesmo autor procura fazer um balanço do período que vai do começo dos anos 60 até o tempo indicado como “a partir de julho de 1991”. Em A parábola do cágado velho, Pepetela denuncia o absurdo dos combates que se prolongam para além da lógica de seus motivos iniciais e arrasam o país.

Dois autores angolanos, em tudo diversos, também terão na guerra um ponto de aproximação. Em Bom dia, camarada, o jovem Ondjaki surpreende oferecendo a memória de um tempo que, mesmo marcado pelas dificuldades e pela atmosfera algo sombria de um cotidiano povoado pela morte, abre espaço a uma experiência de infância em tudo avessa à desesperança que o cenário externo poderia levar. O narrador menino empresta seu olhar e o leitor pode recuperar alguns fios da vida que permitem encontrar luz onde o nosso senso de realidade teria dificuldade de localizar.

Outro livro fundamental sobre a guerra será Actas da Maianga dizer das guerras em Angola, de Ruy Duarte de Carvalho. Num texto de difícil definição temos uma análise dos conflitos proposta num panorama mais amplo, que tem como objetivo a discussão dos caminhos que se abrem à sociedade angolana logo após o acordo de paz assinado em abril de 2002.

No caso moçambicano, a guerra focalizada não é a luta anticolonial, mas aquela que derivou de conflitos de baixa intensidade alimentados por forças externas e se converteu numa terrível guerra civil. É essa a guerra abordada por Mia Couto em vários romances, como o belíssimo Terra sonâmbula, A varanda do frangipani e O último vôo do flamingo, além de ser uma referência muito significativa no volume de contos Estórias abensonhadas. Em Um rio chamado tempo, uma casa chamada terra, de 2003, Mia vai se debruçar sobre os efeitos da guerra naquilo que se pode chamar de processo de desagregação de valores, fenômeno também trabalhado em A varanda do frangipani. Terminada a guerra, para além dos rastros de destruição material, os moçambicanos confrontam-se com outros níveis de degradação. Em O último vôo do flamingo, um narrador irônico dirige seu olhar às forças estrangeiras que desembarcam no país para monitorar a paz.

É dessa mesma guerra civil que trata Paulina Chiziane em Os ventos do apocalipse. Também é a guerra que aparece em As duas sombras do rio, romance de João Paulo Borges Coelho, e no volume de contos Setentrião, do mesmo autor. São os sinais de uma devastação profunda que mobilizam a atenção dos escritores empenhados em avaliar o fenômeno que dominou a vida do país por tantos anos. Historiador de formação, João Paulo publicou esse que foi o seu primeiro romance em 2002. Daí para cá, mais dois romances e duas coletâneas de contos foram lançados, uma produção que tem confirmado a qualidade de sua escrita desde a estréia.

Essa convergência temática conduzida pela presença da guerra, no entanto, não determina a existência de uma uniformidade em relação aos elementos estruturais na prosa contemporânea. Não podemos sequer falar em predominância de um gênero, pois a variedade de propostas constitui um dado interessante dessa produção africana em língua portuguesa. Uma diversidade que podemos encontrar no interior da obra de um mesmo autor. Já consagrado como romancista, Mia Couto, que na ficção começou como contista, volta ao gênero que o consagrou. O fio das missangas, de 2004, surge na seqüência de vários romances.

O trânsito entre as diferentes modalidades literárias pode mesmo ser visto como uma característica dessa literatura nos vários países. Os autores migram de um gênero a outro, optando, a cada momento, por aquele que consideram mais adequado ao que têm a dizer. É esse o caso de João Melo, de Angola, que, conhecido inicialmente como poeta, tem se notabilizado como contista. Imitação de Sartre e Simone de Beauvoir, Os filhos da pátria e O serial killer são três dos títulos de coletâneas que têm em comum a focalização de cenas da realidade urbana do país. Também em Manuel Rui observamos essa capacidade de transitar entre os vários gêneros: o romancista de Rioseco regressa ao conto em Da palma da mão, no qual exercita a contenção de forma magistral. E vamos ainda encontrar o cronista em Maninha, para ficarmos apenas com três de seus títulos editados de 1997 para cá. Os exemplos se multiplicam se nos voltamos para Moçambique: é o caso de Nelson Saúte, que reúne em sua produção romance, contos e poemas. É o caso, também, do já citado João Paulo, que vai do conto ao romance.

Outro fenômeno muito interessante na prosa africana de língua portuguesa é a diluição das fronteiras entre os gêneros narrativos. Tanda, um livro recém-lançado pelo angolano Adriano Mixinge, mistura poesia, crítica literária e de artes plásticas, cartas e outras formas de discurso.

Cruzando o imaginário cultural com a história remota e recente do seu país, ele monta um painel da complexa realidade atual de Angola.

Essa tentativa de mesclar os gêneros vem sendo radicalizada por Ruy Duarte de Carvalho, como apontamos em Actas da Maianga. Em outras obras, o leitor pode se surpreender com esse escritor que faz da sua formação e experiência de antropólogo uma bagagem fundamental no domínio da atividade literária. Em Desmedida – Luanda – São Paulo – São Francisco e volta – crônicas do Brasil, de 2006, deparamo-nos com a mesma ousadia criativa que já havia sido demonstrada em Vou lá visitar pastores. São escritas orientadas pelo sentido da viagem, mas que ultrapassam em muito os limites de um diário. Muito diversas entre si, as duas narrativas têm em comum a combinação entre o compromisso com o conhecimento e a fidelidade à invenção. Essa mesma associação é trabalhada em obras que apresentam uma estrutura menos polêmica como Os papéis do inglês e As paisagens propícias. Em todas elas, o perfil multifacetado do autor (poeta, antropólogo, cineasta e artista plástico) está, de alguma maneira, presente.

São poucos os nomes de mulheres ficcionistas nas literaturas africanas de língua portuguesa, e as causas da ausência de uma sólida escrita feminina são variadas, mas não podemos deixar de considerar que, apesar das conquistas trazidas pela independência, elas ainda enfrentam as dificuldades geradas pela sua posição de subalternidade, socialmente falando. E aqui se desenha uma contradição, na medida em que a voz feminina é ouvida no círculo mais íntimo das relações familiares, no qual o contar histórias e o consolidar laços acabam sendo suas tarefas. Ocorre, no entanto, que as suas adivinhas e contos estão no domínio da oratura, e, infelizmente, entre o contar e o escrever há um hiato que impede o aproveitamento mais amplo dos seus saberes.

Nos poucos textos escritos hoje por mulheres nos países africanos de língua portuguesa, o leitor vai poder encontrar os problemas, os sentimentos e a intimidade femininos, abordando desde a marginalização e as tentativas de rebeldia em um mundo de carência, como no instigante A louca do Serrano, da caboverdiana Dina Salústio, até a experiência da solidão e do exílio nos contos da também cabo-verdiana Orlanda Amarílis, passando por mulheres que, submetidas a uma tradição que talvez já não corresponda ao seu papel na história, revoltam-se e denunciam a opressão, como se vê em Niketche, uma história de poligamia, da moçambicana Paulina Chiziane.

São textos que apresentam a singularidade da visão feminina da sociedade, dos seus dramas e da submissão a que larga parcela das mulheres continua condenada, mas que também constroem situações capazes de indicar a possibilidade de superação de suas limitações sociais. É o que o leitor encontra, por exemplo, e muito bem tratado pela angolana Ana Paula Tavares em seus dois livros de crônicas: O sangue da buganvília e A cabeça de Salomé. Mais uma vez, a literatura é vista como um espaço de discussão de problemas concretos e como um lugar em que se podem projetar saídas quando as circunstâncias convidam ao desânimo.

A notícia correu muito depressa, como aquele vento maluco que desde a ponta da Ilha sobre até a Lixeira, varre todo o musseque até o fundo da Calemba e da Maianga, pra ir morrer lá longe nos confins da Samba.
Foi assim mesmo, com um vento assanhado que trazia atrapalhação nas nuvens carregadas de chuva, que o caso começou naquele dia tão triste como esquina da Mutamba sem gente. Porque a raiva desse vento é que foi sacudir as vigas de ferro, fez voar os luandos e os zincos e, com um barulho muito grande, deixou cair a antiga kitanda de Xá-Mavu.
As kitandeiras ficaram sem o negócio, sem o dinheiro, muitas mesmo sem a vida. Naquele dia, rios de sangue correram no meio do peixe, dos kiabos, da takula, do jipepe e jisobongo, os gritos não calaram na boca dos feridos.”
Trecho de Estórias do Musseque, de Jofre Rocha.

O culpado que você procura, caro Izidine, não é uma pessoa. É a guerra. Todas as culpas são da guerra. Foi ela que matou Vasto. Foi ela que rasgou o mundo onde a gente idosa tinha brilho e cabimento. Estes velhos que aqui apodrecem, antes do conflito eram amados. Havia um mundo que os recebia, as famílias se arrumavam para os idosos. Depois, a violência trouxe outras razões. E os velhos foram expulsos do mundo, expulsos de nós mesmos.
Você há-de perguntar que motivo me prende aqui, nesta solidão. Sempre pensei que sabia responder. Agora, tenho dúvida. A violência é a razão maior deste meu retiro. A guerra cria outro ciclo no tempo. Já não são os anos, as estações que marcam as nossas vidas. Já não são as colheitas, as fomes, as inundações. A guerra instala o ciclo do sangue.”

Trecho de A varanda de frangipani, de Mia Couto

Costumo pensar que nossa geração se devia chamar a geração da utopia. Tu, eu, o Laurindo, o Vítor antes, para só falar dos que conheceste. Mas tantos outros, vindos antes ou depois, todos nós a um momento dado éramos puros e queríamos fazer uma coisa diferente. Pensávamos que íamos construir uma sociedade justa, sem diferenças, sem privilégios, sem perseguições, uma comunidade de interesses e pensamentos, o Paraíso dos cristãos, em suma. A um momento dado, mesmo que muito breve nalguns casos, fomos puros, desinteressados, só pensando no povo e lutando por ele. E depois…tudo se adulterou, tudo apodreceu, muito antes de se chegar ao poder. Quando as pessoas se aperceberam que mais cedo ou mais tarde era inevitável chegarem ao poder.
Cada um começou a preparar as bases de lançamento para esse poder, a defender posições particulares, egoístas. A utopia morreu. E hoje cheira mal, como qualquer corpo em putrefação. Dela só resta um discurso vazio.
”Trecho do livro A geração da utopia, de Pepetela

Fonte:
Rita Chaves e Tânia Macedo. Caminhos da Ficção da África Portuguesa
http://www2.uol.com.br/entrelivros/reportagens/caminhos_da_ficcao_da_africa_portuguesa.html

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Em Tempo (69a. Tertúlia Literária)

69a TERTÚLIA* LITERÁRIA do Movimento Médico Paulista do Cafezinho Literário – MMCL será levada a efeito na Sociedade Médica de Sorocaba na 4a feira, dia 20 de fevereiro, às 19h30 e para a qual convidamos todos os que se interessam em literatura não científica, levando sua participação em forma de conto, crônica, ensaio, poesia, etc. São reuniões extremamente agradáveis em 13 cidades do Estado de São Paulo onde reunimos além de médicos escritores, professores, engenheiros, técnicos em computação, advogados, psicólogos, fonoaudiólogos, músicos, artistas plásticos, marceneiros, militares, promotores; enfim, uma enorme variedade de pessoas com um denominador comum que é serem todos amantes das letras. A entrada é franca.
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*Tertúlia: segundo o Dicionário Caudas Aulete:
sf. 1 Reunião de parentes ou amigos 2 Agremiação literária ou encontro de escritores para conversa e leitura
Fonte:
Colaboração de Douglas Lara

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Armando Oliveira Lima (1934)

Nasceu em Sorocaba aos 30/10/1934 e é funcionário público aposentado.

– Professor formado em Filosofia pela FAFI ), lecionou na Organização Sorocabana de Ensino, no Instituto de Educação “Ciências e Letras” e na Faculdade de Filosofia, Ciências e Letras de Tatuí.
– Presidiu a Academia Sorocabana de Letras. Membro da Associação Sorocabana de Imprensa, do Núcleo de Cultura Afro-brasileira e da Fundação Cafuné.
– Membro Efetivo da ASL- Academia Sorocabana de Letras.
– Foi Membro do Conselho Municipal de Cultura em Sorocaba.
– Foi colunista durante muitos anos no Jornal O Diário de Sorocaba.

– Atualmente preside o Instituto Darcy Ribeiro. Autor de várias peças teatrais. Foi co-fundador do Teatro dos Três e presidente da Federação de Teatro Amador da Baixa Sorocabana (FETABAS).
– É escritor e autor dos seguintes livros:
– Pés no Chão .
– A Luta pela Independência .
– Ave, Cristo .
– Emília no Mundo dos Livros .
– Impróprios Culturais

– É o criador e organizador do concurso de poesia “Depoesia” de Sorocaba que atualmente encontra-se em sua sétima edição.
– Foi também co-fundador do Gabinete de Leitura Sorocabano e da Academia Sorocabana de Música. Por curto período foi patrono do Centro Acadêmico da Faculdade de Filosofia de Sorocaba.
– Co-fundador do MUE – Movimento Universitário Espírita e da Revista “A Fagulha”. Nessa época foi difusor do espiritismo, proferindo palestras e escrevendo artigos sobre o tema.
– Detém o título de Cidadão Emérito, outorgado pela Câmara Municipal de Sorocaba.
– Grande incentivador da criações culturais dos mais diversificados grupos artísticos.
– Admirador profundo do escritor Monteiro Lobato, desenvolveu importantíssimos trabalhos voltados a ele, tornando-se um expert em Monteiro Lobato.
– Com espírito sempre inovador, editou o livro intitulado “Impróprios Culturais “, que contém 400 novas palavras, criadas por ele a apartir da junção de outras duas.

Fonte:
http://www.sorocult.com/

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Débora Bellentani de Oliveira

Cadeira numero 21 (Rodrigues de Abreu) da Academia Sorocabana de Letras.
Publicitária, jornalista, licenciada em Letras pela Faculdade de Filosofia Ciências e Letras de Sorocaba, Pós-Graduada em Propaganda pela Escola Superior de Propaganda e Marketing de São Paulo, Pós-Graduada em Administração de Marketing pela UNISO – Universidade de Sorocaba. Vencedora de vários concursos literários, participante em 8 livros de antologia, 3 deles pela Universidade de São Francisco (dois poemas em um deles – ed.1988), artigos e poemas publicados nos jornais Diário de Sorocaba e Cruzeiro do Sul. Publicitária há 21 anos, atualmente trabalhando na agência NucleoTCM. Filha de Aldo Bellentani e Lázara Clarinda Bellentani. Nascida em Sorocaba. Casada e mãe de três filhos.

Curriculum Literário:

Primeiro poema aos 10 anos. Não publicado, mas guardado com carinho num velho caderno, manuscrito – passado a limpo, é claro!

Poemas infantis, na antologia LiraGIEPVense do Ginásio Industrial Estadual Presidente Vargas, em Mogi das Cruzes, numa iniciativa do prof. José Veiga (in memoriam) da disciplina Língua Portuguesa, meu grande incentivador. Título dos poemas: PALAVRA SANTA: MÃE! e CRIANÇA. Outubro/1971.

Primeira experiência em prosa (não muito feliz) COLETÂNEA MOGIANA/73, com o texto REVOLTA – Coord. Prof. José Veiga – Mogi das Cruzes – 1973

Poema adolescente, na antologia RESENHA LITERÁRIA 1 – JUVENTUDE NAS LETRAS, iniciativa do Centro Mello Freire de Cultura, Mogi das Cruzes, sob o comando do prof. José Veiga. Título do Poema: A CHUVA – 1976.

1986 – Classificação em 2º lugar no concurso de poesias da Faculdade de Filosofia Ciências e Letras de Sorocaba, com o poema MEU POVO.

Primeira publicação em coletânea, pela Crisalis Editora, edição cooperada, em 1987, com o poema PROCURA-SE.

Primeira premiação pela Universidade de São Francisco, com dois poemas classificados e publicados na ANTOLOGIA POESIA 1988, sob os títulos: ARTESÃO e BÊBADO.

1987 – Lançamento do meu livro de poesias LUA DE PAPEL, com o patrocínio das Indústrias Têxteis Barbero.

Classificação em 2º lugar no evento POETAS BRASILEIROS HOMENAGEIAM FERNANDO PESSOA, na Casa de Portugal em São Paulo (3 poemas participantes).

Classificação em 4º lugar na 1ª Bienal do Livro de Sorocaba.

1996 – Segunda premiação pela Universidade de São Francisco, com um poema classificado na ANTOLOGIA 96 – “INSENSIBILIDADE: UMA AMEÁÇA À VIDA”, sob o título; REENCONTRO.

1997 – Terceira premiação pela Universidade de São Francisco, com um poema classificado na ANTOLOGIA 97 – “PENSAR EM ARTE E A ARTE NO PENSAR”, sob o título TROCA.

1998 – Primeira experiência em texto, conto, em pré-seleção e classificação em antologia de contos – sistema de cooperativa, realizada pela Associação dos Escritores de Bragança Paulista, no IV Concurso de Contos – Prêmio Maria Augusta Vasconcellos Diniz, coletânea intitulada “AH! COMO EU ME LEMBRO…” cujo conto tem o mesmo título da obra.

Inúmeros poemas publicados nos jornais Cruzeiro do Sul, Diário de Sorocaba; reflexões publicadas em anúncios e panfletos do Colégio Universitário, inclusive usados em segmentos da Capital.

2001 – Livro MAX, romance, lançado em 31 de março.

2001 – Livro FERNANDO STECCA FILHO, O PEREGRINO DAS ESTRELAS, publicado em novembro.

2002 – Livro O SOL DA MANHÃ DE ONTEM não aprovado pela LINC – Lei de Incentivo Cultural da PM Sorocaba, já registrado na Biblioteca Nacional.

2002 – Participante da PRIMEIRA BIENAL DO LIVRO SOROCABANO, como escritora de obra publicada.

2006 – Poema QUANDO VIER ME VISITAR diagramado em formato de livro-foto, não publicado

Livro didático MAS SERÁ O BONIFÁCIO, também não aprovado pela Linc.

2007 – Livro de poesias TODAS AS HORAS, registrado na Biblioteca Nacional e não publicado.

Inúmeros poemas na gaveta e os livros UM CONTO – VÁRIOS POEMAS, COISAS DE MULHER, escondidinhos nas minhas intenções de publicá-los um dia.

Blog na Internet denominado ESCRITORA CAIPIRA – UM DEDO DE PROSA, na página http://dbellentani.blog.uol.com.br/

Fonte:
http://sorocult.com/el/colunistas/deb_b/biografia.htm

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Camões

Fonte:

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Sir Arthur Conan Doyle (1859 – 1930)

Sir Arthur Conan Doyle, criador do mais famoso detetive do mundo, Sherlock Holmes, e autor de suas sessenta histórias, nasceu em Edimburgo no dia 22 de Maio de 1859. Filho de Charles Doyle, pintor casual de descendência Irlandesa, e Mary Foley Doyle, também de parentesco Irlandês.

Em Outubro de 1876, Conan Doyle ingressou na Universidade de Edimburgo a fim de formar-se em medicina. Foi lá que conheceu o Dr. Joseph Bell, cirurgião do Hospital de Edimburgo e professor na Universidade, cujos surpreendentes métodos de dedução e análise serviram de grande inspiração na futura criação de seu detetive. De maneira similar a Holmes, o Dr. Bell explicava os sintomas de seus pacientes, até mesmo contava-lhes detalhes de suas vidas, antes que eles pronunciassem uma palavra sequer.

Incentivado pelos conselhos de um amigo, que mencionara como suas cartas eram expressivas, Conan Doyle percebeu que algum dinheiro poderia ser efeito fora do campo medicinal. Foi então que ele escreveu sua primeira história, “O Mistério de Sassassa Valley”, publicada, anonimamente, por míseros três guinéus no Chamber’s Journal, em 1879. O conto revela sua precoce idéia da aparição de uma “besta demoníaca”, tema que ele mais tarde explorou na mais famosa história de Sherlock Holmes, “O Cão dos Baskervilles”.

Foi nas horas de ócio em seu consultório médico que Doyle começou a esboçar o que mais tarde seria seu detetive. Inspirado em Gaboriau, no detetive Dupin, de Poe, e logicamente, no seu tutor Joseph Bell, Conan Doyle criou a primeira versão do que seria o detetive que conhecemos hoje – um tal de Sherringford Holmes, posteriormente Sherlock Holmes.

Depois de muitas tentativas e frustrações, Doyle conseguiu que sua primeira história estrelando o detetive e seu escudeiro Watson fosse publicada. “Um Estudo em Vermelho” apareceu na Beeton’s Christmas Annual, em 1887. A boa aceitação do público levou-o a escrever sua segunda história de Holmes, o “Signo dos Quatro”. O detetive começava a chamar a atenção, atraindo aos poucos o que se tornariam mais tarde fiéis leitores.

Nos intervalos das histórias do detetive, Doyle dedicou-se a obras “mais sérias”, mais apreciadas pelo escritor, como “A Companhia Branca”, “As Façanhas do Brigadeiro Gerard” e “Micah Clarke”. Esse último, um grande sucesso. Doyle acabou, assim, abandonando a medicina para seguir definitivamente a carreira literária.

As histórias de Sherlock Holmes tornavam-se mais e mais populares, obrigando Conan Doyle a continuar criando casos para seu detetive. E quanto mais vezes o detetive expunha suas habilidades para o público estupefato, mais as outras obras de Doyle tornavam-se obscurecidas. Em 1891, escreveu à sua mãe: “Tenho pensado em matar Holmes… e livrar-me dele para sempre. Ele mantém minha mente afastada de coisas melhores”.

A idéia de acabar com Holmes permanecera com Doyle, e durante sua visita à Suíça, em 1893, conheceu as cataratas Reichenbach, local que escolheu como palco para o encontro fatal entre Holmes e o Professor Moriarty. Pretendia, assim, pôr um fim às histórias de Holmes e dar espaço às suas obras mais clássicas.

Para a grande surpresa de Doyle, a morte de Sherlock Holmes, publicada em 1893 no caso “O Problema Final”, chocou milhares de pessoas de todos os cantos do mundo. Muitos marcharam em luto pelas ruas de Londres, em protesto. O público não se conformava e clamava pela volta do detetive.

Assim, em meio a um turbilhão de protestos e insultos, Doyle foi obrigado a ressuscitar seu detetive no caso “A Casa Vazia”, em 1903. Era a prova de que a criatura tornara-se mais forte do que o criador. Sherlock Holmes tinha tornado-se imortal.

No final de 1899, o conflito iminente entre a Inglaterra e a África do Sul deu a Doyle, um fervoroso patriota, a possibilidade de auxiliar seu país. Conseguiu a supervisão de um hospital estabelecido na África, onde tomou posto em 1900.

Juntamente com a guerra, veio de todo o mundo um surto de críticas contra a conduta do Império Britânico. Coube a Doyle defender os interesses de sua pátria, no panfleto amplamente traduzido “A Guerra na África do Sul: Suas Causas e Conduta”.

Pelos seus esforços na defesa dos interesses de seu país, Conan Doyle recebeu, em 1902, o título de nobreza do Império. Passou, então, a portar o soberbo título Sir antecedendo seu nome.

Em 1912, Doyle introduziu ao mundo da literatura o célebre Professor Challenger, de “O Mundo Perdido”, um conto sobre o renascimento da pré-história num lugar remoto da América do Sul.

Em seus últimos anos de vida, Conan Doyle dedicou-se ao estudo aprofundado do espiritismo, assunto sobre o qual escreveu exaustivamente. O espiritismo tornou-se uma religião para ele, e o levou a promover palestras em vários países, como a Austrália e África do Sul.

O mágico Harry Houdini, um showman continuamente alerta a oportunidades para auto-promoção, expôs publicamente os truques mediunísticos em seus shows de palco e escreveu folhetos se opondo a médiuns fraudulentos. Mesmo assim alguns espiritualistas afirmaram que Houdini possuía poderes espiritualistas genuínos, recusando-se a aceitar as próprias declarações de Houdini de que só enganação estava envolvida em suas ilusões de palco.

Arthur Conan Doyle dedicou um capítulo inteiro de seu livro The Edge of the Unknown para argumentar em detalhe que Houdini tinha poder psíquico genuíno, mas não admitia. Curiosamente, Doyle e Houdini permaneceram amigos, apesar dos confrontos públicos a respeito do espiritualismo. Talvez eles compartilhassem uma apreciação do valor da auto-promoção pública.

Doyle era um crédulo ingênuo em vários tipos de tolice. Ele não só acreditou no espiritualismo e todos os fenômenos de sessões espíritas, mas também acreditou em fadas.

Em 1917, duas meninas adolescentes em Yorkshire produziram fotos que tinham tirado de fadas em seu jardim. Elsie Wright (6) e sua prima Frances Griffiths (10) usaram uma máquina fotográfica simples e dizia-se que não possuíam qualquer conhecimento de fotografia ou truques fotográficos.

Arthur Conan Doyle não apenas aceitou estas fotografias como genuínas, ele até escreveu dois panfletos e um livro que atestavam a autenticidade destas fotografias, incluindo muito folclore de fadas adicional. O livro dele, A Vinda das Fadas [The Coming of the Fairies], ainda é publicado, e algumas pessoas ainda acreditam que as fotografias são autênticas. Os livros de Doyle são leitura muito interessante até mesmo hoje. A convicção de Doyle no espiritualismo convenceu muitas pessoas de que o criador de Sherlock Holmes não era tão brilhante quanto a criação fictícia dele.

Alguns pensaram que Conan Doyle estava louco, mas ele defendeu a realidade de fadas com toda a evidência que pôde encontrar. Ele se opôs aos argumentos dos descrentes. Na realidade, os argumentos dele soam surpreendentemente semelhantes sob todos os aspectos a livros atuais promovendo a idéia de que seres alienígenas nos visitam em OVNIs. Robert Sheaffer escreveu um artigo inteligente traçando estes paralelos de forma maravlihosa.

Com o passar dos anos persistiu o mistério. Só alguns fanáticos acreditaram que as fotografias eram de fadas reais, mas o mistério dos detalhes de como (e por que) elas foram feitas continuou fascinando os estudantes sérios de brincadeiras, fraudes e enganações. Quando as meninas (já adultas) foram entrevistadas, suas respostas eram evasivas. Em uma entrevista da BBC em 1975 Elsie disse: “Eu lhe contei que elas são fotografias de invenções de nossa imaginação e é nisso que vou insistir”. Em 1977 Fred Gettings tropeçou em evidência importante enquanto trabalhava em um estudo de ilustrações de livro do começo do século XIX. Ele achou desenhos por Claude A. Shepperson no livro infantil de 1915 que as meninas poderiam ter facilmente possuído, e que eram, sem dúvida, os modelos para as fadas que apareceram nas fotografias.

Morreu em 7 de Julho de 1930, debilitado por um ataque cardíaco que o afligira meses atrás.

OBRAS

Romances sobre Sherlock Holmes:
1887 – Um Estudo em Vermelho
1890 – O signo doa quatro
1902 – O Cão dos Baskervilles
1915 – O Vale do Medo

Sherlock Holmes coletânea de contos:
1892 – As Aventuras de Sherlock Holmes
1894 – As Memórias de Sherlock Holmes
1905 – A Volta de Sherlock Holmes
1917 – Seu Último Adeus
1927 – O livro de casos de Sherlock Holmes
1928 – Coleção completa de histórias de Sherlock Holmes

Histórias do Professor Challenger:
1912 – The Lost World
1913 – The Poison Belt
1926 – The Land of Mist
1927 – The Disintegration Machine
1928 – When The World Screamed
1952 – The Professor Challenger Stories

Ensaios
1893 – Jane Annie or the Good Conduct prize (with J.M. Barrie)
1895 – A Question of Diplomacy
1899 – Brothers
1903 – A Duet. A Duologue
1907 – The Story of Waterloo
1909 – The Fires of Fate
1910 – Brigadier Gerard
1912 – A Pot of Caviare
1912 – The Dramatic Works of Arthur Conan Doyle
1912 – The Speckled Band
1912 – The House of Temperley
1922 – Sherlock Holmes (with William Gillette)

Panfletos:
1902 – The War in South Africa: Its Cause and Conduct
1907 – The Case of Mr. George Edalji
1912 – The Case of Oscar Slater
1914 – In Quest of Truth
1914 – To Arms!
1914 – Great Britain and the Next War
1915 – The Treatment of our Prisoners
1920 – Our Reply to the Cleric
1920 – A Debate with Dr. Joseph McCabe
1920 – Spiritualism and Rationalism
1925 – The Early Christian Church and Modern Spiritualism
1925 – Psychic Experiences (reprint)

Ficção:
1879 – The Mistery of Sasassa Valley
1885 – The Surgeon of Gaster Fell
1889 – Micah Clarke, his statement as made to his three grandchildren
1889 – The Mystery of Cloomber
1889 – Mysteries and Adventures
1890 – The Captain of the Polestar and other tales
1890 – The Firm of Girdlestone: A Romance of the Unromantic
1891 – The White Company
1892 – The Doings of Raffles Haw
1892 – The Great Shadow
1892 – Beyond the City
1893 – The Gully of Bluemansdyke (reissue of Mysteries and Adventures 1889)
1893 – The Refugees. A Tale of Two Continents
1894 – An Actor’s Duel and The Winning Shot
1894 – The Parasite
1894 – Round the Red Lamp: Being Facts and Fancies of a Medical Life
1895 – The Stark Munro Letters
1896 – The Exploits of Brigadier Gerard
1896 – Rodney Stone
1896 – Uncle Bernac: A Memory of the Empire
1898 – The Tragedy of Korosko
1899 – A Duet, with an Occasional Chorus
1900 – The Croxley Master
1900 – The Green Flag and Other Stories of War and Sport
1901 – Strange Studies from Life
1903 – The Adventures of Gerard
1906 – Sir Nigel
1908 – Round the Fire Stories
1911 – The Last Galley: Impressions and Tales
1918 – Danger! and Other Stories
1922 – Tales of Long Ago
1922 – Tales of Pirates and Blue Water
1922 – Tales of Adventure and Medical Life
1922 – Tales of Terror and Mystery
1922 – Tales of Twilight and the Unseen
1922 – Tales of the Ring and Camp / The Croxley Master and Other Tales of the Ring and Camp
1928 – The Dreamers
1929 – The Maracot Deep and Other Stories
1929 – The Conan Doyle Stories
1931 – The Conan Doyle Historical Romances I (Includes:The White Company, Sir Nigel, Micah Clarke and Refugees)
1932 – The Conan Doyle Historical Romances II (Includes: Rodney Stone, Uncle Bernac, The Exploits of Gerard and The Adventures of Gerard)
1934,47 – The Field Bazaar (Private Printings)
1958 – The Crown Diamond (Private Printing)
Versos:
1898 – Songs of Action
1911 – Songs of the Road
1919 – The Guards Came Through and Other Poems
1922 – The Poems of Arthur Conan Doyle. Collected edition

Escritos sobre Guerra, Política e Espiritualismo:
1900 – The Great Boer War
1901 – The Immortal Memory
1905 – The Fiscal Question
1906 – An Incursion into Diplomacy
1907 – Through the Magic Door [Essays on books.]
1909 – The Crime of the Congo
1909 – Divorce Law Reform: An Essay
1911 – Why He is Now in Favour of Home Rule
1914 – The German War
1914 – Civilian National Reserve
1914 – The World War Conspiracy
1914 – The German War
1915 – Western Wanderings
1915 – The Outlook on the War
1916 – An Appreciation of Sir John French
1916 – A Visit to Three Fronts
1916 – The British Campaign in France and Flanders, 1914-1918
1917 – Supremacy of the British Soldier
1918 – Life After Death (A Form Letter)
1918 – The New Revelation: or, What Is Spiritualism?
1919 – The Vital Message
1922 – Spiritualism-Some Straight Questions and Direct Answers
1921 – The Wanderings of a Spiritualist
1922 – The Case for Spirit Photography (with others)
1922 – The Coming of the Fairies
1923 – Our American Adventure
1923 – Three of them. A Reminiscence
1924 – Memoirs and Adventures
1924 – Our Second American Adventure
1924 – The Spiritualists Reader (Editor)
1924 – Leon Denis: The Mystery of Joan of Arc (Translator)
1926 – The History of Spiritualism 2 vol.
1927 – Pheneas Speaks. Direct Spirit Communications
1928 – A Word of Warning
1928 – What does Spiritualism actually Teach and Stand for?
1929 – An Open Letter to those of my Generation
1929 – Our African Winter
1929 – The Roman Catholic Church. A rejoinder.
1930 – [A Form Letter]
1930 – [A Second Form Letter]
1930 – The Edge of the Unknown

Fontes:
http://www.beatrix.pro.br/
http://www.ceticismoaberto.com/

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Alberto da Cunha Melo (1942 – 2007)

por Marcelo Pereira do Caderno C / JC

Uma das principais vozes poéticas da literatura brasileira contemporânea, o poeta Alberto da Cunha Melo faleceu no sábado (13/10), às 19h35, aos 65 anos, na UTI do Hospital Jayme da Fonte, de falência múltipla dos órgãos em decorrência de complicações pós-operatórias do transplante de fígado ao qual foi submetido no dia 24 de agosto passado. Seu corpo está sendo velado na Companhia Editora de Pernambuco (Cepe), em Santo Amaro. Alberto deixa quatro filhos, sendo dois do primeiro casamento e dois da viúva Cláudia Cordeiro.

Expoente da chamada Geração 65, em julho passado, Alberto da Cunha Melo foi agraciado com o Prêmio Poesia 2007, concedido pela Academia Brasileira de Letras, pelo livro O cão dos olhos amarelos & Outros poemas inéditos ( A Girafa Editora). Não chegou a ir receber a láurea em virtude do seu estado de saúde. O escritor vinha lutando contra um câncer no fígado, antes de se submeter ao transplante.

“Alberto é Pernambuco, um grande nome pernambucano da poesia nacional, filho ilustre, amigo leal e que lutou para a derrubada do muro que separa os homens e restitui a justiça e a cidadania”, disse o imortal da Academia Pernambucana de Letras e presidente da Cepe, poeta Flávio Chaves, de quem Alberto era assessor especial.

José Alberto Tavares da Cunha Melo nasceu em Jaboatão, em 1942 e tinha orgulho de se dizer neto e filho de poetas. Era sociólogo e jornalista, tendo sido o editor da página Suplemento Cultural do Jornal do Commercio, nos anos 80, abrindo espaços para jovens poetas, principalmente do movimento de escritores independentes, e críticos. Ultimamente, assinava a coluna Marco Zero, na revista Continente Multicultural (editada pela Cepe). Seu primeiro livro – Circulo cósmico – foi publicado em 1966, ano em que o historiador Tadeu Rocha rotulava de Geração de 65 o grupo de poetas surgidos das páginas do Diário de Pernambuco. Portanto, completa, neste ano de 2006, 40 anos de trabalho poético ininterruptos.

Alberto da Cunha Melo deixa uma obra vasta e consistente. São 16 livros, 13 de poesia, e participou de 26 antologias, duas delas internacionais. Suas obras, por ordem de edição são as seguintes: Círculo Cósmico ( Recife: UFPE, separata da revista Estudos Universitários, 1966.); Oração pelo Poema. Recife: UFPE, separata da revista Estudos Universitários, 1969.; a Publicação do Corpo (Quíntuplo, Aquário/UM, 1974.), A Noite da Longa Aprendizagem. Notas a Margem do Trabalho Poético. Recife, 1978-2000, v. I, II, III, IV, V; inédito, . Dez Poemas Políticos (Recife, Pirata, 1979), Noticiário ( Recife: Edições Pirata, 1979), Poemas a Mão Livre (Edições Pirata, 1981), Soma dos Sumos (Rio de Janeiro: José Olympio, 1983), Poemas Anteriores (Recife: Bagaço, 1989), Clau (Recife: Imprensa Universitária da UFRPE, 1992), Carne de Terceira com Poemas à Mão Livre (Recife: Bagaço, 1996.), Yacala (Recife: Gráfica Olinda, 1999), Meditação sob os Lajedos (Natal/Recife: EDUFRN, 2002), Dois caminhos e uma oração (São Paulo: A Girafa, 2003) e O cão de olhos amarelos & Outros poemas inéditos (São Paulo: A Girafa, 2006).

Entre as principais participações em antologia, participou de Os Cem Melhores Poetas Brasileiros do Século, (Geração Editorial – SP), organizada por José Nêumanne Pinto, e 100 Anos de Poesia. Um panorama da poesia brasileira no século XX, (O Verso/ MinC), organizada por Claufe Rodrigues e Alexandra Maia, e de Pernambuco, Terra da Poesia (IMC/Escrituras), organizada por Antônio Campos e Cláudia Cordeiro.

Na década de 1990 seus poemas saem das fronteiras de Pernambuco e ganham o Brasil e o exterior com o livro Yacala, lançado na Universidade de Évora, em Portugal, com prefácio do crítico literário e professor da Universidade de São Paulo Alfredo Bosi. Em 2003, em entrevista ao Jornal da USP, Bosi ratifica seu entusiasmo pela poesia de Cunha Melo e o considera o principal nome que vem despontando no cenário poético nacional.

O livro Meditação sob os Lajedos, em Dois Caminhos e uma Oração, foi considerado um dos dez melhores livros publicados no Brasil em 2002, por um júri de 400 especialistas do Prêmio Portugal Telecom de Literatura Brasileira, em sua primeira versão 2003.

Fonte:
União Brasileira dos Escritores

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Monteiro Lobato (1882 – 1948)

1882 – 1904
Primeiras letras: Lobato estudante

José Bento Monteiro Lobato estreou no mundo das letras com pequenos contos para os jornais estudantis dos colégios Kennedy e Paulista, que freqüentou em Taubaté, cidade do Vale do Paraíba onde nasceu, em 18 de abril de 1882.

No curso de Direito da Faculdade do Largo São Francisco, em São Paulo, dividiu-se entre suas principais paixões: escrever e desenhar. Colaborou em publicações dos alunos, vencendo um concurso literário promovido em 1904 pelo Centro Acadêmico XI de Agosto. Morou na república estudantil do Minarete, liderou o grupo de colegas que formou o Cenáculo e mandou artigos para um jornalzinho de Pindamonhangaba, que tinha como título o mesmo nome daquela moradia de estudantes. Nessa fase de sua formação, Lobato realizou as leituras básicas e entrou em contato com a obra do filósofo alemão Nietzsche, cujo pensamento o guiaria vida afora.

1905 – 1910
Lobato volta ao Vale do Paraíba

Diploma nas mãos, Lobato voltou a Taubaté. E de lá prosseguiu enviando artigos para um jornal de Caçapava, O Combatente. Nomeado promotor público, mudou-se para Areias, casou-se com Purezinha e começou a traduzir artigos do Weekly Times para O Estado de S. Paulo. Fez ilustrações e caricaturas para a revista carioca Fon-Fon! e colaborou no jornal Gazeta de Notícias, também do Rio de Janeiro, assim como na Tribuna de Santos.

1911 – 1917
Lobato fazendeiro e jornalista

A morte súbita do avô determinou uma reviravolta na vida de Monteiro Lobato, que herdou a Fazenda do Buquira, para a qual se transferiu com a família. Localizada na Serra da Mantiqueira, já estava com as terras esgotadas pela lavoura do café. Assim mesmo, ele tentou transformá-la num negócio rendoso, investindo em projetos agrícolas audaciosos.

Mas não se afastou da literatura. Observando com interesse o mundo da roça, logo escreveu artigo, para O Estado de S. Paulo, denunciando as queimadas no Vale do Paraíba. Intitulado “Uma velha praga”, teve grande repercussão quando saiu, em novembro de 1914. Um mês depois, redigiu Urupês, no mesmo jornal, criando o Jeca Tatu, seu personagem-símbolo. Preguiçoso e adepto da “lei do menor esforço”, Jeca era completamente diferente dos caipiras e indígenas idealizados pelos romancistas como, por exemplo, José de Alencar. Esses dois artigos seriam reproduzidos em diversos jornais, gerando polêmica de norte a sul do país. Não demorou muito e Lobato, cansado da monotonia do campo, acabou vendendo a fazenda e instalando-se na capital paulista.

1918 – 1925
Lobato editor e autor infantil

Com o dinheiro da venda da fazenda, Lobato virou definitivamente um escritor-jornalista. Colaborou, nesse período, em publicações como Vida Moderna, O Queixoso, Parafuso, A Cigarra, O Pirralho e continuou em O Estado de S. Paulo. Mas foi a linha nacionalista da Revista do Brasil, lançada em janeiro de 1916, que o empolgou. Não teve dúvida: comprou-a em junho de 1918 com o que recebera pela Buquira. E deu vez e voz para novos talentos, que apareciam em suas páginas ao lado de gente famosa.

O editor
A revista prosperou e ele formou uma empresa editorial que continuou aberta aos novatos. Lançou, inclusive, obras de artistas modernistas, como O homem e a morte, de Menotti del Picchia, e Os Condenados, de Oswald de Andrade. Os dois com capa de Anita Malfatti, que seria pivô de uma séria polêmica entre Lobato e o grupo da Semana de 22: Lobato criticou a exposição da pintora no artigo “Paranóia ou mistificação?”, de 1917. “Livro é sobremesa: tem que ser posto debaixo do nariz do freguês”, dizia Lobato, que, para provocar a gulodice do leitor, tratava o livro como um produto de consumo como outro qualquer, cuidando de sua qualidade gráfica e adotando capas coloridas e atraentes. O empreendimento cresceu e foi seguidamente reestruturado para acompanhar a velocidade dos negócios, impulsionada ainda mais por uma agressiva política de distribuição que contava com vendedores autônomos e com vasta rede de distribuidores espalhados pelo país. Novidade e tanto para a época, e que resultou em altas tiragens. Lobato acabaria entregando a direção da Revista do Brasil a Paulo Prado e Sérgio Milliet, para dedicar-se à editora em tempo integral. E, para poder atender às crescentes demandas, importou mais máquinas dos Estados Unidos e da Europa, que iriam incrementar seu parque gráfico. Mergulhado em livros e mais livros, Lobato não conseguia parar.

O autor infantil
Escreveu, nesse período, sua primeira história infantil, A menina do narizinho arrebitado. Com capa e desenhos de Voltolino, famoso ilustrador da época, o livrinho, lançado no Natal de 1920, fez o maior sucesso. Dali nasceram outros episódios, tendo sempre como personagens Dona Benta, Pedrinho, Narizinho, Tia Nastácia e, é claro, Emília, a boneca mais esperta do planeta. Insatisfeito com as traduções de livros europeus para crianças, ele criou aventuras com figuras bem brasileiras, recuperando costumes da roça e lendas do folclore nacional. E fez mais: misturou todos eles com elementos da literatura universal, da mitologia grega, dos quadrinhos e do cinema. No Sítio do Picapau Amarelo, Peter Pan brinca com o Gato Félix, enquanto o saci ensina truques a Chapeuzinho Vermelho no país das maravilhas de Alice. Mas Monteiro Lobato também fez questão de transmitir conhecimento e idéias em livros que falam de história, geografia e matemática, tornando-se pioneiro na literatura paradidática – aquela em que se aprende brincando.

Crise e falência
Trabalhando a todo vapor, Lobato teve que enfrentar uma série de obstáculos. Primeiro, foi a Revolução dos Tenentes que, em julho de 1924, paralisou as atividades da sua empresa durante dois meses, causando grande prejuízo. Seguiu-se uma inesperada seca, que decorreu em um corte no fornecimento de energia. O maquinário gráfico só podia funcionar dois dias por semana. E numa brusca mudança na política econômica, Arthur Bernardes desvalorizou a moeda e suspendeu o redesconto de títulos pelo Banco do Brasil. A conseqüência foi um enorme rombo financeiro e muitas dívidas. Só restou uma alternativa a Lobato: pedir a autofalência, apresentada em julho de 1925. O que não significou o fim de seu ambicioso projeto editorial, pois ele já se preparava para criar outra empresa. Assim surgiu a Companhia Editora Nacional. Sua produção incluía livros de todos os gêneros, entre eles traduções de Hans Staden e Jean de Léry, viajantes europeus que andaram pelo Brasil no século XVI. Lobato recobrou o antigo prestígio, reimprimindo nela sua marca inconfundível: fazer livros bem impressos, com projetos gráficos apurados e enorme sucesso de público.

1925 – 1927
Lobato no Rio de Janeiro

Decretada a falência da Companhia Gráfico-Editora Monteiro Lobato, o escritor mudou-se com a família para o Rio de Janeiro, onde permaneceu por dois anos, até 1927. Já um fã declarado de Henry Ford, publicou sobre ele uma série de matérias entusiasmadas em O Jornal. Depois passou para A Manhã, de Mario Rodrigues. Além de escrever sobre variados assuntos, em A Manhã lançou O Choque das Raças, folhetim que causou furor na imprensa carioca, logo depois transformado em livro. Do Rio Lobato colaborou também com jornais de outros estados, como o Diário de São Paulo, para o qual em 20 de março de 1926 enviou “O nosso dualismo”, analisando com distanciamento crítico o movimento modernista inaugurado com a Semana de 22. O artigo foi refutado por Mário de Andrade com o texto “Post-Scriptum Pachola”, no qual anunciava sua morte.

1927 – 1931
Lobato em Nova Iorque

Em 1927, Lobato assumiu o posto de adido comercial em Nova Iorque e partiu para os Estados Unidos, deixando a Companhia Editora Nacional sob o comando de seu sócio, Octalles Marcondes Ferreira. Durante quatro anos, acompanhou de perto as inovações tecnológicas da nação mais desenvolvida do planeta e fez de tudo para, de lá, tentar alavancar o progresso da sua terra. Trabalhou para o estreitamento das relações comerciais entre as duas economias. Expediu longos e detalhados relatórios que apontavam caminhos e apresentavam soluções para nossos problemas crônicos. Falou sobre borracha, chiclete e ecologia. Não mediu esforços para transformar o Brasil num país tão moderno e próspero como a América em que vivia.

1931 – 1939
A luta de Lobato por ferro e petróleo

Personalidade de múltiplos interesses, Lobato esteve presente nos momentos marcantes da história do Brasil. Empenhou seu prestígio e participou de campanhas para colocar o país nos trilhos da modernidade. Por causa da Revolução de 30, que exonerou funcionários do governo Washington Luís, ele estava de volta a São Paulo com grandes projetos na cabeça. O que faltava para o Brasil dar o salto para o futuro? Ferro, petróleo e estradas para escoar os produtos. Esse era, para ele, o tripé do progresso.

1940 – 1944
Lobato na mira da ditadura

Mas as idéias e os empreendimentos de Lobato acabaram por ferir altos interesses, especialmente de empresas estrangeiras. Como ele não tinha medo de enfrentar adversários poderosos, acabaria na cadeia. Sua prisão foi decretada em março de 1941, pelo Tribunal de Segurança Nacional (TSN). Mas nem assim Lobato se emendou. Prosseguiu a cruzada pelo petróleo e ainda denunciou as torturas e maus-tratos praticados pela polícia do Estado Novo. Do lado de fora, uma campanha de intelectuais e amigos conseguiu que Getúlio Vargas o libertasse, por indulto, após três meses em cárcere. A perseguição no entanto continuou. Se não podiam deixá-lo na cadeia, cerceariam suas idéias. Em junho de 1941, um ofício do TSN pediu ao chefe de polícia de São Paulo a imediata apreensão e destruição de todos os exemplares de Peter Pan, adptado por Lobato, à venda no Estado. Centenas de volumes foram recolhidos em diversas livrarias, e muitos deles chegaram a ser queimados.

1945 – 1948
Os últimos tempos de Lobat
o

Lobato estava em liberdade, mas enfrentava uma das fases mais difíceis de sua vida. Perdeu Edgar, o filho mais velho, presenciou o processo de liquidação das companhias que fundou e, o que foi pior, sofreu com a censura e atmosfera asfixiante da ditadura de Getúlio Vargas. Aproximou-se dos comunistas e saudou seu líder, Luís Carlos Prestes, em grande comício realizado no Estádio do Pacaembu em julho de 1945. Partiu para a Argentina, após associar-se à editora Brasiliense e lançar suas Obras Completas, com mais de 10 mil páginas em trinta volumes das séries adulta e infantil. Regressou de Buenos Aires em maio de 1947, para encontrar o país às voltas com os desmandos do governo Dutra. Indignado, escreveu Zé Brasil. Nele, o velho Jeca Tatu, preguiçoso incorrigível, que Lobato depois descobriu vítima da miséria, vira um trabalhador rural sem terra. Se antes o caipira lobatiano lutava contra doenças endêmicas, agora tinha no latifúndio e na distribuição injusta da propriedade rural seu pior inimigo. Os personagens prosseguiam na luta, mas seu criador já estava cansado de tantas batalhas. Monteiro Lobato sofreu dois espasmos cerebrais e, no dia 4 de julho de 1948, virou “gás inteligente” – o modo como costumava definir a morte. Foi-se aos 66 anos de idade, deixando imensa obra para crianças, jovens e adultos, e o exemplo de quem passou a existência sob a marca do inconformismo.

Fonte:

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Monteiro Lobato (Produções e Idéias)

Mais do que produzir livros para crianças, Monteiro Lobato dialogava com as crianças.

Monteiro Lobato foi uma criança diferente dos outros garotos de sua geração. A cara enfiada nos livros e os olhos brilhantes a enxergar para muito além da janela do quarto denunciava uma mente irrequieta e fértil imaginação. Seu espaço preferido era a biblioteca do Visconde, na casa da Rua XV de Novembro em Taubaté, onde passava horas folhando revistas ilustradas e aventurando-se nos clássicos da literatura. Mas nem por isso deixou de participar da vida da fazenda, nem de conviver com a população interiorana, seus costumes e suas crenças.

Em 1920 quando seu amigo Hilário Tácito contou-lhe a estória de um peixinho que morreu afogado porque desaprendeu a nadar, Lobato a transformou num pequeno conto que é sua estréia no mundo do faz-de-conta. Lobato reaviva suas lembranças dos tempos de menino, repletas de cenas da roça onde passara a infância. E, assim inspirado, lança a primeira versão de A menina do narizinho arrebitado, narrando as peripécias de uma avó, sua neta órfã, Lúcia, e a inseparável boneca de pano, Emília, além da negra tia Anastácia.

A partir daí Lobato realiza sua vocação de comunicador incomparável na fecunda produção de obras para o público infanto-juvenil.

Procurando a melhor forma de se comunicar com as crianças, Lobato escrevia a seu amigo Rangel: Mando-te o Narizinho escolar. Quero tua impressão de professor acostumado a lidar com crianças. Experimente nalgumas, a ver se interessa. Só procuro isso: que interesse às crianças.

Militante da causa do progresso, Monteiro Lobato percebeu que só através dos jovens seria possível apressar a modificação do mundo. No cenário do sítio da dna. Benta fazia transcorrer o Brasil de seus sonhos: democrático, sem opressão, capaz de construir uma grande Nação.
E o fez opondo-se ao conceito de que crianças eram adultos reduzidos em idade e estatura, embora com a mesma psicologia. “A criança é um ser onde a imaginação predomina em absoluto”, defendia. “O meio de interessá-la é falar-lhe à imaginação”. “Escrever para crianças! – exclamou em resposta a um repórter – é admirável… Elas não têm malícia, aceitam tudo, tudo compreen-dem”.

Captando a lógica e a estrutura do pensamento infantil, Lobato falava não para elas, mas como e no lugar delas. Por isso, pelas suas mãos o aprendizado virava brincadeira séria e as lições escolares mais difíceis – em geral ministradas através de métodos e mestres antiquados – ficavam claras e acessíveis.

Misturando sonho e realidade, Lobato conquistava os pequenos fãs, que logo passavam a dividir com ele o universo em que tudo era possível – bastava usar um pouco de imaginação. Ingrediente que não faltava nas centenas de cartas remetidas por crianças de todas as idades e de todos os cantos do País.

Recebia montanhas de cartas e respondia a todas, tratando as crianças como interlocutores competentes. Não se esquivava de discutir temas como saúde, religião ou política. Além disso, estimulava a atividade literária dos seus leitores, encorajando-os a desenvolver enredos e histórias, ou analisando criticamente sua produção.

De 1920 a 1947 lançou 22 títulos que até hoje continuam a ser editados:
Ficção
Reinações de Narizinho
Viagem ao Céu
O Saci
As Caçadas de Pedrinho
Memórias de Emília
O Poço do Visconde
O Picapau Amarelo
A Reforma da Natureza
O Minotauro
A Chave do Tamanho
Os 12 Trabalhos de Hércules
História do Mundo para Crianças
Emília no País da Gramática
Aritmética da Emília
Geografia de Dona Benta
Serões de Dona Benta
História das Invenções

Adaptações
Hans Staden
Peter Pan
Don Quixote das Crianças
Histórias de Tia Nastácia
Fábulas

Toda obra literária de Monteiro Lobato tem uma forte conotação política. Mesmo naquelas de pura fábula, é política a intenção e a motivação do autor. Como jornalista e como editor todo seu trabalho foi pautado por sua vocação político-libertária. Sem filiar-se oficialmente a organizações ou partidos políticos, Lobato sempre esteve presente nos debates sobre os problemas nacionais e nunca deixou de opinar sobre os assuntos que afetavam a vida do País.

Sua idéia de Brasil nação instiga seu inconformismo com o desenraizamento cultural. Ataca os modismos importados que nada têm a ver com a realidade e propugna pelo resgate do elemento nativo brasileiro de rica tradição. Nessa mesma linha denuncia a agressão que se faz ao nosso idioma adotando vocábulos estrangeiros por simples espírito de imitação.

Nas diversas cruzadas e causas públicas em que se engajaria ao longo da vida – contra a ditadura de Bernardes primeiro, depois a de Vargas, em defesa do voto secreto -, Monteiro Lobato sonhava transformar o Brasil em uma nação próspera cujo povo pudesse desfrutar os benefícios gerados pelo progresso e desenvolvimento. Com essa perspectiva já na fazenda Buquira, que herda do avô, tentou implantar novos métodos de criação e produção agrícola, incentivando ainda as campanhas de saneamento.

Para Lobato, o atraso do país só seria superado pelo trabalho racional e aposta na modernização. Sua luta pela adoção de processo científicos em todos os níveis da atividade humana encontrou a síntese em Henry Ford que ele traduz em seu personagem Mr. Slang, que rebate as críticas dos céticos que culpam a índole do povo pelo atraso do país.

Ferro e petróleo

Certo de que transformaria seu país em uma nação produtiva, eficiente e rica, Monteiro Lobato abandona temporariamente a literatura e a atividade de editor e livreiro, a que se havia dedicado consciente da importância do poder da comunicação, para vivenciar experiências no mundo da indústria e dos negócios.
“O solo, a superfície, apenas permite a subsistência. O enriquecimento vem de baixo. Vem do subsolo”. Entretanto, não bastava explorar as riquezas. Era preciso que o país usufruísse delas. Trabalha para iniciar a produção do ferro com metodologia moderna recém patenteada nos Estados Unidos, utilizando recursos naturais disponíveis no País, tais como a palha do café e o xisto betuminoso.

Os relatórios que envia de Nova York, onde ocupou o posto de adido cultural no consulado brasileiro, são eivados de oportunas observações sobre formas de criar alternativas de exportação de produtos brasileiros. As longas cartas enviadas posteriormente ao presidente Vargas são verdadeiras plataformas desenvolvimentistas e nacionalistas.

Decidido a convencer o povo brasileiro da importância dos empreendimentos petrolíferos, Lobato alimenta debates pela imprensa e realiza palestras. Prega a necessidade da independência econômica e aponta o caminho para alcançá-la. “Conferências sobre o petróleo constituem novidade absoluta. Conferências de negócio1 Para promover a venda de ações duma companhia! Para levantar dinheiro!”

Num auditório abarrotado em Belo Horizonte, Lobato resume: “Compreendi ser o petróleo a grande coisa, a coisa máxima para o Brasil, a única força com elementos capazes de arrancar o gigante do seu berço de ufanias”.

Lançada em 1931, sua Companhia Petróleos do Brasil tem a metade das ações subscritas em quatro dias. Satisfeito com os primeiros resultados percorre o país divulgando o andamento das últimas descobertas.

Ao mesmo tempo em que reclama dos entraves e da burocracia do Ministério da Agricultura que dificultavam as atividades da sua companhia denuncia, em documento enviado a Vargas, as manobras da Standard Oil para assenhorar-se dos melhores lençóis petrolíferos brasileiros através da filial argentina.

Em 1936, a sonda de Alagoas da Cia. Petróleos Nacional sofre intervenção federal e é interditada. Lobato resiste, consegue levantar alguns recursos e finalmente, a 250 metros de profundidade vê irromper o primeiro jato de gás de petróleo do poço São João, em Riacho Doce, em Alagoas.

Numa jogada estratégica, em 1935, lança pela Cia. Editora Nacional: “A luta pelo petróleo”, de Essad Bey, que denuncia a ineficiência do Serviço Geológico, órgão oficial encarregado das pesquisas, a quem acusa de encampar internamente a política dos trustes internacionais para o Brasil: “não tirar petróleo e não deixar que ninguém o tire”.

Em 1936 lança “O escândalo do Petróleo” que teve duas edições esgotadas em menos de um mês. Convencido de que os trustes tudo fariam para sabotar o petróleo brasileiro, na página de rosto do livro Lobato conclama os militares a assumir sua parcela de responsabilidade na questão da soberania nacional: “Se não ter petróleo é inanir-se economicamente, militarmente é suicidar-se”. Apesar de todos os reveses, Lobato e seus companheiros persistem e, em julho de 1938, realizam a assembléia de constituição da Companhia Matogrossense de Petróleo, com objetivo de perfurar em Porto Esperança, em Mato Grosso, região com a mesma estrutura geológica da Bolívia que estava produzindo óleo de qualidade.

Em março de 1938, Lobato, em carta a Getúlio, ressalta que as novas diretrizes do Departamento Nacional da Produção Mineral representam um golpe de morte para o petróleo no país e exorta: “Pelo amor de Deus, e do Brasil, não preste sua mão generosa à mais cruel e mesquinha obra de vingança pessoal, disfarçada em sublime nacionalismo.”

No dia 20 de março de 1941 é preso subitamente em São Paulo, segundo a agência norte-americana Overseas News Agency, “vítima de intensa campanha de militares brasileiros e outros elementos pró-nazismo, que combatem os elementos democráticos e anglófilos do país”.

Impedido de receber visitas, conversar com outros detentos ou tomar sol no pátio, conta em carta a Purezinha, sua esposa, a vida em prisão. “É a gente sozinho com o pensamento, e nunca o pensamento trabalha tanto. Mas de tanto trabalhar acaba girando num círculo”… Última peça do inquérito policial, o relatório encerrado em 1º de fevereiro, salienta que “ficou provado à saciedade que o Dr. José Bento Monteiro Lobato … procura com notável persistência desmoralizar o Conselho Nacional do Petróleo, sem contudo apresentar qualquer prova de suas acusações”.

Em 1950, inspirados no exemplo de Monteiro Lobato, os partidos políticos de esquerda e os movimentos sociais lançam a campanha de rua em defesa do Petróleo. A campanha “O Petróleo é nosso”, empolga o país e servirá de pretexto para que o Congresso Nacional aprove a legislação sobre o Petróleo que, na última hora, recebeu uma emenda que criou o monopólio da Petrobrás.
Carta a Purezinha

À sua esposa, Pureza Monteiro Lobato, da prisão política de São Paulo em março de 1941

Purezinha

Só contarei o que é a vida em prisão. É a gente sozinho com o pensamento e nunca o pensamento trabalha tanto. Mas de tanto trabalhar acaba girando num círculo, isto é, volta sempre às mesmas coisas. Os pontos que formam o círculo do nosso pensamento, ou as estações em que o pensamento pára, para pensar sempre a mesma coisa, são – 1º você. Penso em V. com uma ternura imensa e um imenso dó, e culpo-me de um milhão de coisas. Meu dever era só cuidar da tua felicidade, Purezinha, e no entanto passei a vida a te contrariar e a fazer asneiras que tanto nos estragaram a vida. Se eu tivesse ouvido em negócios, minha situação seria hoje de milionário. Não ouvi, nem sequer te consultei, e o resultado foi desastroso. Cheguei até à prisão!

Depois de pensar e repensar em você e de convencer-me que apesar de todas as aparências, e da nossa eterna divergência, é você a única pessoa que eu amo no mundo, pulo para outra estação. Há a estação da Morte, penso na sobrevivência, no Além, em promessas do espiritismo, etc. Penso em Guilherme (filho do escritor falecido aos 24 anos de idade) e Heitor (Heitor de Morais) e acho-os tremendamente felizes por já terem morrido, isto é, feito uma coisa que nós ainda vamos fazer. Depois penso no meu caso – na vingança que os homens de cima que eu insultei hão de querer tirar de mim. Que tolice dar soco em faca de ponta! Espetei a mão a faca ficou no que era. Meu soco não a quebrou.

A vida aqui me tem feito pensa no horror que V. sempre teve pela prisão, pela condenação do homem ao confinamento por anos e anos. Agora vejo como, sem Ter experiência própria, V. adivinhou o certo. Não há castigo maior. Mil vezes a cadeira elétrica ou a forca – dores de um momento.

Estou preso há quase três dias e já me parecem três séculos. As horas têm 60.000 minutos. As noites não têm fim. Sou obrigado a não fazer nada de nada. Não há o que ler – nem jornais. E a incomunicabilidade em que estou, agrava tudo, porque me isola completamente do mundo exterior. Não posso falar com ninguém, nem comunicar-me com ninguém.

Imagine agora o meu prazer quando ontem recebi um pacote. Abri e vi logo você ali – ceroulas, lenços, meias, pijama novo e aspirina. Que presente, Purezinha! Como qualquer coisinha é todo um mundo para quem está sem nada! Repeti mil vezes o teu nome, e hoje de manhã, ao acordar e ver em cima da mesa as coisas, peguei nas meias e beijei-as… Imagine agora a que fica reduzida uma criatura depois de anos de prisão se eu só com dois dias já estou assim.

Foi o primeiro contacto com o mundo externo, esse presente que V. m mandou. Que alegria imensa me causou! Foi o mesmo que receber a tua visita.

Tratam-me muito bem aqui. Os guardas e diretores são pessoas delicadíssimas; que vêm ver-me todos os dias e conversar. Estou num “apartamento” otimozinho, com um banheiro de primeira ordem, com lavatório, bidê, privada e banheiro novinho com água quente. Sou servido no quarto pelo João, um mulato que está preso há já três meses. Cinco refeições, imagine! Para eu que só azia três. Café com leite, pão e manteiga às 7 h. Almoço com seis pratos às 11, chá mate, pão e manteiga às 2. Jantar às 5 e chá à noite. Creio que vou engordar. Mas o que mais me dói é não Ter o que ler, nem o que fazer – eu com tanto trabalho em andamento aí em casa! Quem me dera pilhar a tradução a Gulnara (Gulnara Monteiro Lobato, nora e sobrinha de Monteiro Lobato) para corrigir! E o febrezinho de Edgard? (Edgar Monteiro Lobato, então doente dos pulmões) Como vai ele? Febre ainda? Como eu prejudiquei aquele menino – como eu prejudiquei a vocês todos, minha cara Purezinha! E agora, no fim de dez anos de lutas, dou de presente a vocês o que meu Deus! A minha prisão – mais amargura para você, mais sofrimento…

O Ernâni, aquele em cuja casa você esteve anteontem mostrou-se muito camarada. Pedi-lhe que telefonasse a você ontem e agora o espero ansioso para saber se telefonou. Ele entra em serviço às 9 horas, um dia sim, um dia não. São 8. Daqui a uma hora saberei se ele conversou com você. Adeus, minha querida, minha cada vez mais querida Purezinha. Um apertadíssimo abraço, e outro em Rute (Rute Monteiro Lobato, filha do escritor) e Edgard. Coragem aí, que cá do meu lado é o que não falta.

Estou escrevendo por escrever, para dar vazão aos sentimentos, porque não há jeito de fazer este papel chegar a você.

Incomunicável! Agora compreendo o horror desta palavra

Juca.

Monteiro Lobato nunca escondeu sua paixão pela pintura. Se não lhe foi possível seguir a carreira de artista plástico, tampouco deu para abafar o impulso criativo que despontou à frente da vocação literária, antecedendo, inclusive, o domínio da própria linguagem.

Começou seus rabiscos ainda na infância. Gostaria de se matricular na Escola de Belas Artes, mas, por imposição do avô materno, que assumira sua tutela após a morte dos pais, entra para a Academia de Direito com dezoito anos incompletos. Tornar-se pintor seria talvez o único sonho descartado em toda a sua vida.

Na Faculdade de Direito, Lobato dava vazão à veia artística no quartinho do chalé avarandado onde morava no Largo do Palácio. Teria virado pintor, mandado às favas o curso de Direito não fosse um incidente com uma caixa de aquarelas, comprada como tinta a óleo: “A vergonha daquela rata matou em mim todas as veleidades pictóricas. Como pretende ser pintor um imbecil que nem distingue aquarela de óleo? “Desistindo de uma arte, caiu nos braços de outra. Fez-se escritor, em uma transposição vocacional que se reflete por toda sua obra.

Quando ponderava sobre sua vocação artística, Lobato admitia uma espécie de saudade do que poderia ter sido, se houvesse optado pela pintura. “No fundo não sou literato, sou pintor. Nasci pintor, mas como nunca peguei nos pincéis a sério … arranjei este derivativo de literatura, e nada mais tenho feito senão pintar com palavras. Minha impressão dominante é puramente visual”.

Tão severo consigo mesmo que, embora pintando e desenhando sem cessar, jamais pretendeu expor seus trabalhos, guardados com carinho em um enorme baú de jacarandá entalhado. Em 1909 chegou a participar de um concurso de cartazes, realizado no Rio de Janeiro, e também colaborou com ilustrações para algumas revistas, como Fon-Fon e Vida Moderna. Ele mesmo fez as ilustrações para a primeira edição de Urupês.

Pintou até os últimos dias de vida – preferencialmente aquarelas – e impregnou suas histórias de coloridos e formas, como se fossem quadros.

Monteiro Lobato vivia permanentemente preocupado com revelar um Brasil desconhecido a que os intelectuais brasileiros davam as costas. Essa preocupação aliada à necessidade compulsiva de se comunicar – comunicar-se com o próximo, comunicar-se com o mundo – levaram-no ao jornalismo. Seu espírito empreendedor e a necessidade de liberdade absoluta para se expressar transformou o jornalista no empresário editor que revolucionou o mercado de livros no Brasil.

“O escritor confundia-se com o jornalista, o homem de imprensa virava publicista e ambos lançavam mão dos meios de comunicação da época – o livro, jornal e a revista – para tentar despertar a consciência social e criar novos padrões de comportamento coletivo”.

Monteiro Lobato é o protótipo do nacionalista de seu tempo, defensor de um nacionalismo que, em todos os tempos, tem sido indispensável para forjar uma nação.

Como escritor, editor ou empresário ele é um homem preocupado com seu país e um arguto crítico social. É esse seu caráter que vai projetá-lo internacionalmente.

Suas obras, de grande repercussão no País, repercutem também nos países vizinhos. Empresário de visão, ele sabe que o mercado de língua espanhola é grande e esteve sempre tentado lançar coisas nossas, traduzidas. Seu sonho como escritor é lançar um livro nos Estados Unidos, mercado para edições de um milhão de exemplares.

Em 1919, pretendeu, sem êxito, estender a Revista do Brasil a Buenos Aires. Em 1921 inicia colaboração com a revista argentina La Novela Semanal; a editora Pátria, de Buenos Aires, lança com sucesso Urupês, em tradução de Benjamin de Garay. Em 1923, uma coletânea de contos é lançada na Espanha, em 1924 outra coletânea é publicada na Argentina. No ano seguinte, quatro contos vertidos para o inglês são publicados nos Estados Unidos. Nessa época também colabora com as revistas francesas La Revue de L’Amerique Latine e La Revue Nouvelle.

Em 1926, Lobato se entusiasma com as idéias e a ações de Henry Ford e começa a publicar uma série de artigos difundindo essas idéias na imprensa carioca, particularmente em O Jornal. Ele acha que ao contrário dos idealistas utópicos, Ford é o idealista orgânico – “o gênio que em 20 anos tornara-se o homem mais rico de todos os tempos”, exemplo que ele quer ver seguido no Brasil. Em seu livro Mr Slang, lançado em 1927, traça um paralelo entre o Brasil e Estados Unidos e reafirma sua crença de que o Brasil pode repetir a façanha do grande desenvolvimento daquele país.

Ainda em 1927, é nomeado por Washington Luís adido comercial interino ao consulado do Brasil em Nova Iorque. Sua permanência nos Estados Unidos confirma o que ele arquitetava para seu país, inspirado no fordismo. Contribui também para modernizar seu pensamento e lhe dá coragem para os passos mais arrojados que mais tarde daria como empresário, lançando-se na busca do petróleo e na transformação do minério do ferro.

Fontes:
http://lobato.globo.com/lobato_%20Biografia.asp
http://www.projetomemoria.art.br/%20MonteiroLobato/monteirolobato/index.html

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Monteiro Lobato (Autobiografia)

Nasceu em Taubaté, aos 18 de abril de… 1884 (na verdade 1882). Mamou até 87. Falou tarde, e ouviu pela primeira vez, aos 5 anos, um célebre ditado: “Cavalo pangaré/Mulher que… em pé/Gente de Taubaté/ Dominus libera mé”.
Concordou.

Depois, teve caxumba aos 9 anos. Sarampo aos 10. Tosse comprida aos 11. Primeiras espinhas aos 15.

Gostava de livros. Leu o Carlos Magno e os doze pares de França, o Robinson Crusoé, e todo o Júlio Verne.

Metido em colégio, foi um aluno nem bom nem mau – apagado. Tomou bomba em exame de português, dada pelo Freire. Insistiu. Formou-se em Direito, com um simplesmente no 4º ano – merecidíssimo. Foi promotor em Areias, mas não promover coisa nenhuma. Não tinha jeito para a chicana e abandonou o anel de rubi (que nunca usou no dedo, aliás).

Fez-se fazendeiro. Gramou café a 4,200 a arroba e feijão a 4.000 o alqueire.

Convenceu-se a tempo que isso de ser produtor é sinônimo de ser imbecil e mudou de classe. Passou ao paraíso dos intermediários. Fez-se negociante, matriculadíssimo. Começou editando a si próprio e acabou editando aos outros.

Escreveu umas tantas lorotas que se vendem – Urupês, gênero de grande saída, Cidades mortas, Idéias de Jeca Tatu, subprodutos, Problema vital, Negrinha, Narizinho. Pretende publicar ainda um romance sensacional que começa por um tiro:

– Pum! E o infame cai redondamente morto…

Nesse romance introduzirá uma novidade de grande alcance, qual seja, a de suprimir todos os pedaços que o leitor pula.

Particularidades: não faz nem entende de versos, nem tentou o raid a Buenos Aires.

Físico: lindo!

Autobiografia por Monteiro Lobato
A Novela Semanal, São Paulo, nº 1, 2 de maio 1921

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Beatriz Francisca de Assis Brandão (1779 – 1868)

Vida

Beatriz Francisca de Assis Brandão nasceu na cidade de Vila Rica, então capital da província de Minas Gerais, atual Ouro Preto, a 29 de julho de 1779. Filha do sargento-mor Francisco Sanches Brandão e de Isabel Feliciana Narcisa de Seixas. Dedicou-se à poesia, à prosa e à tradução, assinando-se apenas com o prenome à guisa de pseudônimo, D. Beatriz, no período em que colaborava para a Marmota Fluminense.

Depois de publicar seus versos no Parnaso brasileiro, os reúne em volume sob o título de Cantos da mocidade, em 1856. A segunda obra publicada foi Carta de Leandro a Hero, e Carta de Hero a Leandro, também no Parnaso brasileiro. Em 28 abril de 1868, já bastante conhecida, mereceu um artigo, no Correio Mercantil, intitulado “Prima de Marília”, onde se lê que “D. Beatriz era um ânimo varonil e uma inspirada poetisa.”

D. Beatriz dedicou-se também ao ensino. Dirigiu em Vila Rica um educandário para meninas. E participou da nossa imprensa, tendo publicado no Guanabara e na Marmota Fluminense, de 1852 a 1857.

Faleceu no Rio de Janeiro a 5 de fevereiro de 1868.

É a patrona da cadeira n° 38 da Academia Mineira de Letras e pertenceu à Sociedade Promotora da Instituição Pública da Cidade de Ouro Preto.

Obra:

Poesias. In: BARBOSA, Januário da Cunha. Parnaso brasileiro ou collecção das melhores poesias dos poetas do Brasil, tanto inéditas, como já impressas. Rio de Janeiro: Typ. Nacional, 1831. v. 2, cad. 5°, p. 27-38.

Carta de Leandro a Hero, traduzida do francês, e dedicada à Senhora D. Delfina Benigna da Cunha, e Carta de Hero a Leandro. In: BARBOSA, Januário da Cunha. Parnaso brasileiro ou collecção das melhores poesias dos poetas do Brasil, tanto inéditas, como já impressas. Rio de Janeiro: Typ. Nacional, 1832. v. 2, cad. 7°, p. 7-28.

Cantos da mocidade. Rio de Janeiro: Emp. Typ. Dous de Dezembro,1856. v. 1.

Saudação à Ilma. e Exma. Sra. Dona Violante Atabalipa Ximenes de Bivar e Velasco. Poesia em versos hendecassílabos, que vem em um livro anunciado por B.X.P. de Sousa, em 1859.

Catão. Drama trágico pelo abade Pedro Metastásio, traduzido do italiano. Rio de Janeiro: Typ. B.X.P. de Sousa, 1860. É precedido de uma dedicatória em versos à princesa Dona Januária.

Lágrimas do Brasil. Poesia em versos hendecassílabos, no mausoléu levantado à memória da excelsa rainha de Portugal, dona Estefânia. Rio de Janeiro, 1860.

As comendas. Rio de Janeiro, s. d. Poesia.

Romances imitados de Gessner. Rio de Janeiro: Typ. B.X.P. de Sousa, s.d. Poesia. 32 p. Contém dois pequenos romances em versos: “O caçador” e “Lelia e Nerina”.

Óperas traduzidas para o português: Alexandre na Índia, José no Egito, Sonho de Cipião, Angélica e Medoro, Semíramis reconhecida, Diana e Endimião.

Drama à coroação de D. Pedro I, posto em música, cantado no teatro. (Não foi impresso.)

Drama ao nascimento de D. Pedro II, posto em música, cantado no teatro. (Não foi impresso.)

Cantata aos anos da imperatriz D. Leopoldina.

Textos

Soneto

Estas, que o meu Amor vos oferece,
Não tardas produções de fraco engenho,
Amadas Nacionais, sirvam de empenho
A talentos, que o vulgo desconhece.

Um exemplo talvez vos aparece
Em que brilheis nos traços, que desenho:
De excessivo louvor glória não tenho,
E se algum merecer de vós comece.
Raros dotes talvez vivem ocultos,
Que o receio de expor faz ignorados;
Sirvam de guia meus humildes cultos.
Mandei ao Pindo os vôos elevados,
E tantos sejam vossos versos cultos,
Que os meus nas trevas fiquem sepultados.

Soneto

Voa, suspiro meu, vai diligente,
Busca os Lares ditosos onde mora
O terno objeto, que minha alma adora,
Por quem tanta aflição meu peito sente.

Ao meu bem te avizinha docemente;
Não perturbes seu sono: nesta hora,
Em que a Amante fiel saudosa chora,
Durma talvez pacífico e contente.

Com os ares, que respira, te mistura;
Seu coração penetra; nele inspira
Sonhos de amor, imagens de ternura.

Apresenta-lhe a Amante, que delira;
Em seu cândido peito amor procura;
Vê se também por mim terno suspira.

Soneto

Meu coração palpita acelerado,
Exulta de prazer, de amor delira,
Novo alento meu peito já respira,
É mil vezes feliz o meu cuidado.

O meu Tirce de mim vive lembrado,
Saudoso, como eu, por mim suspira;
Que seleto prazer a esta alma inspira
A amorosa expressão do bem amado!

Doce prenda dos meus ternos amores,
Amada, suavíssima escritura,
Que em meu peito desterras vãos temores;

Em ígneos caracteres na alma pura
Grava, Amor, com os farpões abrasadores
Estes doces penhores da ternura.

Soneto

Que tens, meu coração? Porque ansioso
Te sinto palpitar continuamente?
Ora te abrasas em desejo ardente,
Outra hora gelas triste e duvidoso?

Uma vez te abalanças valeroso
A suportar da ausência o mal veemente;
Mas logo esmorecido, descontente,
Abandonas o passo perigoso?

Meu terno coração, ela, resiste,
Não desmaies, não tremas; pode um dia
Inda o Fado mudar o tempo triste.

Suporta da saudade a tirania,
Que ainda verás feliz, como já viste,
Raiar a linda face da alegria.

Fontes:
http://www.amulhernaliteratura.ufsc.br/catalogo/beatriz_vida.html
http://www.amulhernaliteratura.ufsc.br/catalogo/beatriz_obra.html
http://www.amulhernaliteratura.ufsc.br/catalogo/beatriz_textos.html

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Khaled Hosseini (1965)

(Cabul, 4 de Março de 1965) é um romancista e médico afegão, com naturalização estadunidense. É o autor do romance best seller, O Caçador de Pipas.

Biografia

Hosseini nasceu na capital do Afeganistão, Cabul. Sua mãe era professora de uma escola de segundo grau para garotas em Cabul. Seu pai se envolveu com o Ministério do Exterior afegão. Em 1970, o Ministério do Exterior enviou sua família para o Teerã, Irã, onde seu pai trabalhou para a Embaixada Afegã. Em 1973, Hosseini e sua família retornam à Cabul. Em Julho de 1973, na mesma noite em que nasce o irmão mais jovem de Hosseini, o reino do Afeganistão muda de mãos através de um golpe sem derramamento de sangue.

Em 1976, Khaled Hosseini e sua família se mudam para Paris, França, por conta do novo emprego do seu pai. Eles não voltam ao Afeganistão porque, enquanto estavam em Paris, comunistas tomaram o poder do país por meio de um golpe cruel. Deste modo, foi consentido à família Hosseini, asilo político, nos EUA, onde passaram a residir em San Jose, Califórnia. Suas propriedades foram todas deixadas no Afeganistão e eles foram forçados a sobreviver com ajuda governamental por um curto período.

Hosseini graduou-se na escola secundária em 1984 e inscreveu-se na Universidade de Santa Clara, onde ganhou título de Bacharel em Biologia, em 1988. Após alguns anos, ele ingressou na Universidade da Califórnia, San Diego, escola de Medicina, onde recebeu o título de Doutor em Medicina em 1993. Ele completou o período de residência em Medicina Interna na Cedars-Sinai Medical Center, em Los Angeles, no ano de 1996. Khaled Hosseini continua praticando medicina.

Influências

Quando Hosseini era criança, leu desde poesias persas à romances como “Alice no País das Maravilhas” e a série do detetive “Mike Hammers”, do escritor Mickey Spillane. As memórias de um Afeganistão pré-invasão soviética e suas experiências pessoais, o levaram a escrever o seu primeiro romance, The Kite Runner (O Caçador de Pipas). Um homem hazara, chamado Hossein Khan, trabalhou para os Hosseini quando eles moravam no Irã. Quando Hosseini estava cursando seu terceiro grau, ensinou Khan a ler e a escrever. Ainda que o relacionamento com Hossein Khan tenha sido breve e um tanto formal, a afeição de Hosseini por esta rápida amizade serviu como inspiração para o relacionamento entre Hassan e Amir em O Caçador de Pipas.

Fonte:
http://pt.wikipedia.org/wiki/Khaled_hosseini

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Schneider Carpeggiani (Cronica: 100 anos e a imortalidade pela frente)

Como uma tentativa de preservar a cultura do estado, a academia pernambucana de letras foi fundada no tempo em que o recife vivia seu jeito francês de ser.

Sempre ranzinza e irônico, o escritor Carlos Heitor Cony certa vez disse que não conseguiria levar muito a sério um século no qual ele vivia. Mesmo para quem teve de conviver diariamente com o Século XX, é difícil fazer um balanço equilibrado desses últimos 100 anos, que deixaram a impressão de ter passado rápido demais para a quantidade de pestes e feitos, alguns fundamentais outros deliciosamente fúteis, que deixou como legado: duas guerras mundiais, Aids, ditaduras abomináveis, Internet, a guitarra elétrica, o astro pop, o videocassete, o CD… A lista é interminável.

Com pouco mais de 20 dias de vantagem em relação ao contraditório século que acaba de se encerrar, a Academia Pernambucana de Letras comemora no dia 26 de janeiro o seu centenário – fundada por Carneiro Vilela, como a Terceira do Brasil, só perdendo para a Brasileira e a Cearense. Singular desde o seu princípio, tanto por ter permitido o ingresso de nomes que se distinguiam não só no campo da literatura, mas também no da filosofia, ciências e história, pela eleição vitoriosa da primeira mulher a fazer parte de uma instituição de letras, a professora e poeta Edwiges de Sá Pereira – como pelo caráter irreverente do seu registro civil, escrito, em tom humorístico, pelo poeta Gregório Júnior:

“Ergamos, pois a nossa própria estátua!
Dos célebres nós temos monopólio,
Deixemos a modéstia vil e fátua.
Fundada a grei, a nossa panelinha,
Exclame cada um no capitólio –
Zoilos, tremei! Posteridade, és minha”

A fundação da APL pode ser encarada como uma tentativa de sobrevivência da cultura pernambucana, que se via ameaçada pelos problemas econômicos do Estado, que já não era mais a potência de antes. Até meados do Século XIX, o Recife era um dos maiores centros culturais do Brasil. Para isso, dois fatos colaboravam de forma fundamental: pela sua posição geográfica, (esse era o primeiro destino de navios vindos da Europa para a então capital do Brasil, Rio de Janeiro). Antes de chegar à corte, inúmeras companhias de teatro e ópera aportavam primeiro por aqui; e a Faculdade de Direito do Recife, naquele período, era uma das duas únicas do Brasil. Intelectuais de todas as partes, como Castro Alves, acabavam vindo estudar na cidade, criando um intenso intercâmbio cultural.

Enquanto surgia, a APL via o Brasil começar a ser dominado pela chamada “república do café com leite”, centrada em São Paulo e Minas Gerais, que não precisava do nosso açúcar para “adoçar” a mistura do poder.

Naquele princípio de século, continuávamos sendo um mero satélite espiritual da França. A tal ponto que nossa vida intelectual podia ser comparada com o que acontecia na Rússia czarista, onde os membros da aristocracia costumavam comunicar-se em francês, relegando o russo para as relações com os criados. Reza a lenda que, no centro do Recife, havia até um mendigo que pedia esmolas no idioma de Racine. “Donnez moi l” argent, si vous plait”, pedia aos passantes, surpresos diante de tal refinamento.

As idéias que orientavam os fundadores de nossa República, aglutinando-se ao Positivismo, eram de origem francesa. Lia-se muito Anatole France, Zola, Flaubert e Maupassant. A grande exceção nesse terreno era o ferino português Eça de Queiroz. A “ecite” contaminava a todos – alguns gostavam outros não. Indiferença era o que não havia.

Para os mais abastados, nada como fluir anualmente à cidade-luz. Nenhum outro destino era melhor para, digamos, a cabeça. No campo da literatura, ela se tornava um laboratório de tendências. Parnasianismo ou simbolismo? Realismo ou naturalismo? Ao mesmo tempo em que Machado de Assis penetrava de maneira sutil na alma humana, revelando suas ambigüidades, Aluízio de Azevedo contrapunha a esse realismo psicológico um naturalismo à Zola, no qual as mazelas sociais assumem o primeiro plano.

O Recife vivia sua belle époque tardia dos anos 20 na Esquina do Lafayette. Era por lá que os intelectuais, especialmente os poetas, se reuniam para conversar sobre literatura, a sua e a dos outros – o que, até hoje em dia, ainda deve ser bem mais interessante.

Em seu ensaio “A Esquina do Lafayette”, o acadêmico da APL Rostand Paraíso ressaltou que naquele tempo o Recife vivia uma verdadeira “febre” de academias paralelas à APL: “Houve o Cenáculo Pernambucano de Letras que, segundo Luiz do Nascimento, seu participante, morrera da doença da desídia e do abandono. Da mesma doença, haviam desaparecido a Academia Recifense de Letras, de Fernando Pio e Mauro Mota, o Silogeu Pernambucano de Letras, de Berguedof Elliot, o Grêmio Recifense de Letras, a Falange Literária Dr. Oliveira Lima, e o Cenáculo da Livraria Silveira, entre outras instituições que chegaram a ter seus momentos de glória”. Nesse período, a Academia Pernambucana de Letras tinha apenas 20 cadeiras. Um número reduzido para abrigar a quantidade de intelectuais que habitavam o Recife. Em 1921, o número subiu para 30 e, finalmente, em 1960, para 40 cadeiras, igualando-se à Academia de Letras Francesa, o padrão para todas as outras.

Apesar de viver em uma cidade cheia de crioulas tradições francesas e repleta de intelectuais, a APL não repetia o seu glamour em termos econômicos. A grande prova disso é que suas reuniões aconteciam em salas emprestadas do Instituto Arqueológico Histórico e Geográfico do Recife. “O certo é que quase todas as Academias no Brasil passaram por grandes dificuldades financeiras para terem condições de funcionar como desejavam seus criadores. A Casa de Machado de Assis (a Academia Brasileira de Letras) sofreu grandes dificuldades nos seus primeiros tempos. Não possuía sede desejada. Rodrigo Otávio e outros valores intelectuais chegaram a ceder parte de seus escritórios de advocacia para abrigar colegas intelectuais. Não foi diferente com a Casa de Carneiro Vilela (como é conhecida a instituição)”, declara o atual presidente da APL, Luiz de Magalhães, reeleito por quatro vezes por unanimidade.
A sede de fato da Academia, situada na Rui Barbosa, número 1596, só foi doada em 1966, durante o governo de Paulo Guerra, que assumiu o comando do Estado após Miguel Arraes ter sido exilado devido ao golpe militar de 64. Interessante foi que o pedido de Luiz Delgadom então presidente da APL, para o governador declarava que todos os acadêmicos eram “uns pobretões”.

O solar que hoje abriga a APL havia sido residência do barão Rodrigues Mendes, no Século XIX. Na época em que foi doado, estava tão abandonado que as vacas dos herdeiros tiravam o seu merecido descanso noturno nos salões onde hoje se reúnem os acadêmicos.

Cedido o casarão, os móveis e obras de arte da Academia foram doados, em sua maioria, pela sociedade pernambucana da época. Inclusive por Dom Helder Câmara.
E foi nessa sua atual sede que a APL recebeu o ingresso de dois senhores com estilo notadamente anti-acadêmico, mas cuja obra falava por qualquer ato excêntrico ou mesmo pela ausência de postura: João Cabral de Melo Neto e Gilberto Freyre, eleitos por unanimidade.

João Cabral, sempre introspectivo e avesso a solenidades, nem mesmo foi à sua posse. Alegou estar doente. “Não tenho qualquer lembrança da presença de João Cabral na Academia”, lembra o presidente Luiz de Magalhães. Já Gilberto Freyre, despojado e sem maiores rodeios, não se conteve em reclamar do demorado discurso proclamado por Waldemar Lopes durante sua posse. “Minha bunda já está doendo” – disse, levando todos os presentes a cair na gargalhada.

Com uma história marcada por problemas financeiros, feministas, anti-acadêmicos e postura à francesa de ser, a APL chega aos seus 100 anos com uma recepção em 26 de janeiro, na qual será entregue a medalha do centenário para os seus 40 membros, entidades e personalidades homenageadas. “A data que vamos comemorar será o coroamento vivo do que foi possível traduzir ou realizar em homenagem à cultura, como para dar relevo e dignidade à própria instituição a que pertencemos”, declarou Luiz de Magalhães.

Durante a recepção que marca o centenário, será realizada a inauguração da nova sala de reuniões da instituição, cujo nome do patrono ainda será escolhido.

Lista dos primeiros acadêmicos da APL :
Antônio Joaquim Barbosa Viana; João Gregório Gonçalves; Bianur Gadault Fonseca de Medeiros; Carlos da Costa Ferreira Porto Carreiro; Gervásio Fioravanti Pires Ferreira; Arthur Orlando da Silva; João Batista Regueira Costa; Joaquim Maria Carneiro Vilela; Francisco Augusto Pereira da Costa; Eduardo de Carvalho; Alfredo Ferreira de Carvalho; José Antônio de Almeida Cunha; José Isidoro Martins Júnior; Henrique Capitolino Pereira de Melo; Ernesto de Paula Santos; Joaquim José de Faria Neves Sobrinho; Sebastião de Vasconcelos Galvão; Luiz de França Pereira; Manuel Teotônio Freire; Celso Vieira.

Fonte:
http://apl.iteci.com.br/

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Ziraldo (Crônica: Reminiscência)

Nasci numa pequena cidade de Minas. Até aí nada demais. Muita gente nasce em cidades pequenas, distantes e quietas. Seria feliz, de qualquer maneira, se quem lê neste instante pudesse saber a alegria que existe em se nascer num lugar assim, em que as ruas pequenas e estreitas, as altas palmeiras, a água macia da chuva que cai sempre, as muitas estrelas e a lua, as pedrinhas das calçadas, a meninada, a carteira da sala de aula, a mestra e mais uma quantidade destas lembranças simples sejam, mais tarde, influências reais na vida da gente. Na vida de quem, afinal, preferiu enfrentar a cidade grande: as águas desse mar, a luz dessas lâmpadas frias, a sala fechada, triste e sem perspectivas em que se ganha a vida, a cadeira quente e insegura das tardes de ir e vir — pura fadiga — das empresas, a luta, a dura luta de ser alguém, um peixe grande em mar estranhamente grande. A verdade é que, um dia, a pensar e refletir na grama macia da pracinha da matriz, a criança decidiu sair.

E a estrada se abriu a sua frente. Vir era uma idéia. Fixa. Caminhar era fácil.

A chegada: a rua imensa, as buzinas, as luzes, sinal verde, aquela cidade grande, grande ali, na sua frente. Cada face, cada ser que passava — pra lá e pra cá — inquietamente, tanta gente, suada, apressada, sem alegria, sem alma, a alma cerrada, enrustida, cada triste surpresa era a chegada.

Cheguei. Um táxi. A mala. As esquinas. Está bem, mas, que fazer? Sentei e pensei. Pela janela da casa alta vai a vida. Seria a vida? E disse a primeira frase na cidade grande, as primeiras palavras diante da grande luta e as palavras eram: Meu Deus, que saudade! E nem um dia me separava da pracinha da matriz. Cada dia que, a seguir, vi passar, esqueci.

Diante da máquina, neste instante, há uma distância imensa entre aquele dia na missa cantada na minha igrejinha e este dia em que, diante de mim, diante de minha mulher e da minha casa feita de cidade grande, minhas filhas brincam de ser gente grande.

E elas. Que vai ser delas? Sem palmeiras, sem um pai de ar grave; sem entender a chuva a cair em jardins humildes, nas margaridas branquinhas; sem entender de lua e de estrelas — que céu aqui, pra se ver nem se vê —, sem brincar na lama das ruas, a lama das chuvas, casca de palmeira, descer as barracas, nadar sem mamãe saber, nas águas escuras, fim de quintal, quintal, quintal? sem quintal? pedrinha de calçada, marcar a canivete sua inicial na carteira da sala. Ainda bem que nasceram meninas.

Já é diferente. Será que é? Sei lá. Entre a chegada e este instante, lembrança nenhuma. Sei que cheguei.

E sei mais: que esta página está é uma grande besteira, dura de cintura, sem graça, uma m… Já se vê que quem nasceu para caratinguense nunca chega a Rubem Braga. E também tem mais: Quem é capaz de escrever uma página literária decente — igual a essa (?) — sem usar uma vez sequer a letra O? Leiam mais uma vez. Atentamente. Se tiver um — além deste aí em cima — eu como!

Fonte:
ZIRALDO. Crônicas Mineiras. São Paulo: Editora Ática, 1984. Disponível em http://www.releituras.com/ziraldo_reminiscencia.asp

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Carmélia Maria Aragão (1983)

Carmélia Maria Aragão, mestranda em Literatura Brasileira pela Universidade Federal do Ceará – UFC – como bolsista da Fundação Cearense de Apoio à Pesquisa – FUNCAP. É natural de Sobral, Ceará, 1983. Tem diversos contos e crônicas publicados em revistas impressas (CAOS Portátil, Carta Capital, etc) e eletrônicas (Famigerado, Cronópios, etc.) no Ceará ou em outros estados do país. Seu conto 2003 (Carmina) foi agraciado com o Prêmio Domingos Olímpio (Secretaria de Cultura de Sobral). E Eu Vou Esquecer Você em Paris, seu primeiro livro, foi premiado na categoria Contos do III Edital de Incentivo às Artes da Secretaria de Cultura do Estado do Ceará (SECULT/CE) em 2006. [abril 2007]

Carmélia Aragão: literatura como paixão

por Nilto Maciel

As quinze peças ficcionais que compõem Eu vou esquecer você em Paris (Fortaleza: Imprece, Edição do Caos, 2006), de Carmélia Aragão, mostram uma escritora madura. E isso se deve a dois fatores: muita leitura e talento. O primeiro se pode constatar pelas epígrafes (Neruda, Salman Rushidie, Cortazar), pela menção a nomes fundamentais da literatura (Dostoievski, Flaubert, Emily Brontë, Virgínia Woolf, Goethe, George Orwell e outros), sem falar na composição “Página 12224”, de feição policial e ao mesmo tempo fantástica, a nos lembrar “O homem que sabia javanês”, de Lima Barreto.

Como ser madura, aos vinte anos de idade? Ou antes? Pois não se sabe quando as composições de Carmélia (1983) foram escritas. Ora, os exemplos de jovens escritores são muitos. Assim como de escritores idosos que nunca conseguiram atingir a maturidade literária, e morreram inacabados, incompletos, depois de dez, vinte, trinta livros publicados.

Claro, nem tudo é ótimo em Eu vou esquecer você em Paris. Mas o que não é ótimo para uns é aceitável para outros. Como a linguagem das narrativas, ora mais coloquial, ora próxima do rigor literário. O próprio título do livro é frase de uso comum no falar. Isso, porém, já nem se discute no Brasil, desde o início do século XX, desde os modernistas. Ignácio de Loyola Brandão escreveu a obra “Pega ele, Silêncio” (parece poético, mas Silêncio é o nome de um personagem), que deu título a um livro.

As narrativas de Carmélia são densas, mesmo quando os diálogos se estendem. Quase sempre ela se vale da narração e faz uso da economia de detalhes. Não se perde em descrições desnecessárias. Muitas vezes nem enredo há. E, se há, não obedece aos ditames do tradicional “descritivo narrativo linear”. Veja-se a construção de “Seja feliz (fragmentos da felicidade)”, disposta em quatro “fragmentos” independentes, como se fossem quatro histórias. No último, intitulado “O contista”, o narrador se refere aos três primeiros fragmentos: “Sim, um conto novo. Três crônicas que se unem em um conto.”

Apesar da modernidade das narrativas, Carmélia ainda usa o tradicional travessão nos diálogos, assim como os verbos introdutores do relato do discurso, como “dizer”, “afirmar”, “responder”, etc., há muito abolidos na prosa de ficção. O “ainda usa” acima pode ser substituído por “também usa”, pois a contista sabe disso e sabe se livrar dos tais pobres “verbos introdutores”, como se vê em “Quase” e “Felis catus”.

Mas isso é de pouca importância.

E onde vivem os seres fictícios de Carmélia? São quase todos suburbanos, vivem em grandes cidades, embora oriundos de pequenos burgos, como o contista de “Seja feliz” (“Sempre fôramos vizinhos de frente, mas separados pela praça da Matriz. Cidadezinha pequena: ‘Eita vida besta, meu Deus!’”). Andam de ônibus, moram em prédios de apartamentos, caminham por ruas longas, repletas de carros. Vejam esta descrição em “Pulsos intactos”: “Os olhos dele eram azuis refletidos no vidro da sorveteria. Eram azuis sob as janelas dos edifícios, das repartições, das barbearias, dos cafés, das vitrines, das lojas.” Seres perdidos, isolados, solitários. Mesmo quando o ambiente é “uma cidadezinha que vivia em torno de uma biblioteca”, cidade sem nome explícito, a não ser pela letra inicial “C”, do insólito conto “Página 12224”, cujos personagens parecem inspirados em alfarrábios medievais.

Curioso ainda é o grande número de escritores fictícios na obra da contista. Em “Seja feliz” há um contista. Em “2003 (Carmina)” uma professora conhece Marco Santiago, professor de literatura, autor do romance “linear e trágico” Carmina. Em “Página 1224” os personagens “vivem” numa biblioteca, na qual há uma sessão exclusiva de Literatura Baltusanesa, “da tribo Kaywa da extinta Baltúsia”. Em “Meu reino por uma fivela” a narradora participa de um curso intitulado “Mulheres escritoras”, lê O morro dos ventos uivantes, em composição de características policiais. Em “Escrevia e apagava” (título sugestivo para uma história de personagem escritor) a protagonista escrevia contos para uma revista feminina. Em “Quase” a narradora se iniciara como leitora de romances policiais, passara aos “grandes mestres da literatura local, depois da nacional e, por fim, da universal”, estudara “línguas exóticas”, como baltusanês. Em “Filis catus” a mulher que narra se refere a um contista que conhecera e transcreve trechos de um de seus livros. Também os títulos de algumas peças remetem à literatura: “Romance russo”, “Página 1224”, “Escrevia e apagava”, “Crônica do 2º andar”.

Pois essa paixão pela literatura é fundamental para o escritor: para viver, aprender e escrever cada vez melhor. Sem ela, teremos bons médicos, advogados, funcionários públicos, etc, que namoram a literatura nos fins de semana e escrevem de vez em quando algumas memórias ou uns versos capengas. Carmélia Aragão é do primeiro grupo e, sem dúvida, escreverá mais e cada vez melhor.

Autor: Nilto Maciel
Fortaleza, março de 2007.
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Alvaro de Campos (Nota Preliminar)

Um poema é a projeção de uma idéia em palavras através da emoção. A emoção não é a base da poesia: é tão-somente o meio de que a idéia se serve para se reduzir a palavras.

Não vejo, entre a poesia e a prosa, a diferença fundamental, peculiar da própria disposição da mente, que Campos estabelece. Desde que se usa de palavras, usa-se de um instrumento ao mesmo tempo emotivo e intelectual.

A palavra contém uma idéia e uma emoção. Por isso não há prosa, nem a mais rigidamente científica, que não ressume qualquer suco emotivo.
Por isso não há exclamação, nem a mais abstratamente emotiva, que não implique, ao menos, o esboço de uma idéia.

Poderá alegar-se, por exemplo, que a exclamação pura – “Ah “, digamos — não contém elemento algum intelectual. Mas não existe um “ah “, assim escrito isoladamente, sem relação com qualquer coisa de anterior. Ou consideramos o “ah ” como falado e no tom da voz vai o sentimento que o anima, e portanto a idéia ligada à definição desse sentimento; ou o “ah ” responde a qualquer frase, ou por ela se forma, e manifesta uma idéia que essa frase provocou.

Em tudo que se diz — poesia ou prosa — há idéia e emoção. A poesia difere da prosa apenas em que escolhe um novo meio exterior, além da palavra, para projetar a idéia em palavras através da emoção. Esse meio é o ritmo, a rima, a estrofe; ou todas, ou duas, ou uma só. Porém meno que uma só não creio que possa ser.

A idéia, ao servir-se da emoção para se exprimir em palavras, contorna e define essa emoção, e o ritmo, ou a rima, ou a estrofe, são a projeção desse contorno, a afirmação da idéia através de uma emoção, que, se a idéia a não contornasse, se extravasaria e perderia a própria capacidade de expressão.

É o que, em meu entender, sucede nos poemas de Campos. São um extravasar de emoção. A idéia serve a emoção, não a domina. E o homem — poeta ou não poeta — em quem a emoção domina a inteligência recua a feição do seu ser a estádios anteriores da evolução, em que as faculdades de inibição dormiam ainda no embrião da mente. Não pode ser que arte, que é um produto da cultura, ou seja do desenvolvimento supremo da consciência que o homem tem de si mesmo, seja tanto mais superior, quanto maior for a sua semelhança com as manifestações mentais que distinguem os estados inferiores da evolução cerebral.

A poesia é superior à prosa porque exprime, não um grau superior de emoção, mas, por contra, um grau superior do domínio dela, a subordinação do tumulto em que a emoção naturalmente se exprimiria (como verdadeiramente diz Campos) ao ritmo, à rima, à estrofe.

Como o estado mental, em que a poesia se forma, é, deveras, mais emotivo que aquele em que naturalmente se forma a prosa, há mister que ao estado poético se aplique uma disciplina mais dura que aquela [que] se emprega no estado prosaico da mente. E esses artifícios — o ritmo, a rima, a estrofe — são instrumentos de tal disciplina.

No sentido em que Campos diz que são artifícios o ritmo, a rima e a estrofe, se pode dizer que são artifícios: a vontade que corrige defeitos, a ordem que policia sociedades, a civilização que reduz os egoísmos à forma sociável.

Na prosa mais propriamente prosa — a prosa científica ou filosófica —, a que exprime diretamente idéias e só idéias, não há mister de grande disciplina, pois na própria circunstância de ser só de idéias vai disciplina bastante. Na prosa mais largamente emotiva, como a que distingue a oratória, ou tem feição descritiva, há que atender mais ao ritmo, à disposição, à organização das idéias, pois essas são ali em menor número, nem formam o fundamento da matéria. Na prosa amplamente emotiva — aquela cujos sentimentos poderiam com igual facilidade ser expostos em poesia — há que atender mais que nunca à disposição da matéria, e ao ritmo que acompanhe a exposição. Esse ritmo não é definido, como o é no verso, porque a prosa não é verso. O que verdadeiramente Campos faz, quando escreve em verso, é escrever prosa ritmada com pausas maiores marcadas em certos pontos, para fins rítmicos, e esses pontos de pausa maior, determina-os ele pelos fins dos versos. Campos é um grande prosador, um prosador com uma grande ciência do ritmo; mas o ritmo de que tem ciência, é o ritmo da prosa, e a prosa de que se serve é aquela em que se introduziu, além dos vulgares sinais de pontuação, uma pausa maior e especial, que Campos, como os seus pares anteriores e semelhantes, determinou representar graficamente pela linha quebrada no fim, pela linha disposta como o que se chama um verso. Se Campos, em vez de fazer tal, inventasse um sinal novo de pontuação — digamos o traço vertical ( ) — para determinar esta ordem de pausa, ficando nós sabendo que ali se pausava com o mesmo gênero de pausa com que se pausa no fim de um verso, não faria obra diferente, nem estabeleceria a confusão que estabeleceu.

A disciplina é natural ou artificial, espontânea ou refletida. O que distingue a arte clássica, propriamente dita, a dos gregos e até dos romanos, da arte pseudoclássica, como a dos franceses em seus séculos de fixação, é que a disciplina de uma está nas mesmas emoções, com uma harmonia natural da alma, que naturalmente repele o excessivo, ainda ao senti-lo; e a disciplina da outra está em uma deliberação da mente de não se deixar sentir para cima de certo nível. A arte pseudoclássica é fria porque é uma regra; a clássica tem emoção porque é uma harmonia.

Quase se conclui do que diz Campos, de que o poeta vulgar sente espontaneamente com a largueza que naturalmente projetaria em versos como os que ele escreve; e depois, refletindo, sujeita essa emoção a cortes e retoques e outras mutilações ou alterações, em obediência a uma regra exterior. Nenhum homem foi alguma vez poeta assim. A disciplina do ritmo é aprendida até fícar sendo uma parte da alma: o verso que a emoção produz nasce já subordinado a essa disciplina. Uma emoção naturalmente harmônica é uma emoção naturalmente ordenada; uma emoção naturalmente ordenada é uma emoção naturalmente traduzida num ritmo ordenado, pois a emoção dá o ritmo e a ordem que há nela, a ordem que no ritmo há.

Na palavra, a inteligência dá a frase, a emoção o ritmo. Quando o pensamento do poeta é alto, isto é, formado de uma idéia que produz uma emoção, esse pensamento, já de si harmônico pela junção equilibrada de idéia e emoção, e pela nobreza de ambas, transmite esse equilíbrio de emoção e de sentimento à frase e ao ritmo, e assim, como disse, a frase, súdita do pensamento que a define, busca-o, e o ritmo, escravo da emoção que esse pensamento agregou a si, o serve.

Fonte:
http://www.secrel.com.br/jpoesia/facam14.html

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Clarice Lispector (1920 – 1977)

CONTEXTUALIZAÇÃO

O fim da 2ª Grande Guerra trazia consigo duras e importantes lições: o homem, na sua insanidade, era capaz de por em risco a sobrevivência do planeta; em nome da crença na superioridade de uma “raça”, um povo podia ser aniquilado; a busca da paz poderia justificar o uso de bombas com poder de destruição inimaginável. Como evitar que esses erros se repetissem? O que fazer para remediar tantas injustiças? Era preciso que a humanidade assumisse a responsabilidade pela condução de problemas que dizem respeito a todos os seres humanos. Os problemas não podiam mais ser tratados isoladamente, em seus contextos nacionais. Preocupados em construir uma paz duradoura, mediada por gente de todas as Nações, foi criada a ONU (Organização das Nações Unidas). Mais tarde, discutia-se a Declaração dos Direitos do Homem, a criação do Estado de Israel. Tudo parecia caminhar bem, mas a disputa pelo poder entre as nações e suas ideologias dividiria o mundo em dois blocos: a democracia e o capitalismo selvagem dos americanos contra o autoritarismo socialista da União Soviética. Era a chamada Guerra Fria.

No Brasil, a queda da ditadura do Estado Novo, de Getúlio Vargas, criava grandes expectativas de redemocratização. Os partidos são legalizados, sem exceção, e convoca-se eleição geral. Mas a sociedade ainda não estava madura para considerar as reais necessidades do povo antes dos privilégios de uma minoria. Voltam os tempos de perseguições políticas, ilegalidades, exílios.

A literatura manifestaria, também, significativas mudanças, retrocedendo em seus processos, em alguns casos, e avançando rumo às vanguardas artísticas em outros casos. Na prosa, o regionalismo pitoresco seria banido pela ficção inquietante de Guimarães Rosa. Clarice Lispector, não menos intrigante, rumaria em direção a uma literatura intimista, de sondagem psicológica, introspectiva.

Na poesia, um rigor crítico mais apurado, a busca de soluções mais dinâmicas daria origem à poesia de João Cabral de Melo Neto, onde se vê rigor formal, riqueza expressiva, visão clara dos problemas do homem na sociedade.

É a chamada 3ª Geração Modernista.

BIOGRAFIA CRONOLÓGICA

1920 – Clarice Lispector nasce em Tchetchelnik, na Ucrânia, no dia 10 de dezembro, tendo recebido o nome de Haia Lispector, terceira filha de Pinkouss e de Mania Lispector. Seu nascimento ocorre durante a viagem de emigração da família em direção à América.

1922 – Seu pai consegue, em Bucareste, um passaporte para toda a família no consulado da Rússia. Era fevereiro quando foram para a Alemanha e, no porto de Hamburgo, embarcam no navio “Cuyaba” com destino ao Brasil. Chegam a Maceió em março desse ano, sendo recebidos por Zaina, irmã de Mania, e seu marido e primo José Rabin, que viabilizara a entrada da biografada e de sua família no Brasil mediante uma “carta de chamada”. Por iniciativa de seu pai, à exceção de Tania — irmã, todos mudam de nome: o pai passa a se chamar Pedro; Mania, Marieta; Leia — irmã, Elisa; e Haia, em Clarice. Pedro passa a trabalhar com Rabin, já um próspero comerciante.

1925 – A família muda-se para Recife, Pernambuco, onde Pedro pretende construir uma nova vida. A doença de sua mãe, Marieta, que ficou paralítica, faz com que sua irmã Elisa se dedique a cuidar de todos e da casa.

1928 – Passa a freqüentar o Grupo Escolar João Barbalho, naquela cidade, onde aprende a ler. Durante sua infância a família passou por sérias crises financeiras.

1930 – Morre a mãe de Clarice no dia 21 de setembro. Nessa época, com nove anos, matricula-se no Collegio Hebreo-Idisch-Brasileiro, onde termina o terceiro ano primário. Estuda piano, hebraico e iídiche. Uma ida ao teatro a inspira e ela escreve “Pobre menina rica”, peça em três atos, cujos originais foram perdidos. Seu pai resolve adotar a nacionalidade brasileira.

1931 – Inscreve-se para o exame de admissão no Ginásio Pernambucano. Já escrevia suas historinhas, todas recusadas pelo Diário de Pernambuco, que àquela época dedicava uma página às composições infantis. Isso se devia ao fato de que, ao contrário das outras crianças, as histórias de Clarice não tinham enredo e fatos — apenas sensações. Convive com inúmeros primos e primas.

1932 – É aprovada no exame de admissão e, junto com sua irmã Tania e sua prima Bertha, ingressa no tradicional Ginásio Pernambucano, fundado em 1825. Passa a visitar a livraria do pai de uma amiga. Lê “Reinações de Narizinho”, de Monteiro Lobato, que pegou emprestado, já que não podia comprá-lo.

1933 – Seu pai prospera e mudam-se para casa própria, no mesmo bairro.

1934 – Pedro, pai de Clarice, em Dezembro desse ano, decide transferir-se para a cidade do Rio de Janeiro.

1935 – Viaja para o Rio, em companhia de sua irmã Tania e de seu pai, na terceira classe do vapor inglês “Highland Monarch”. Vão morar numa casa alugada perto do Campo de São Cristóvão. Ainda nesse ano, mudam-se para uma casa na Tijuca, na rua Mariz e Barros. No colégio Sílvio Leite, na mesma rua de sua casa, cursa o quarta série ginasial. Lê romances adocicados, próprios para sua idade.

1936 – Termina o curso ginasial. Inicia-se na leitura de livros de autores nacionais e estrangeiros mais conhecidos, alugados em uma biblioteca de seu bairro. Conhece os trabalhos de Rachel de Queiroz, Machado de Assis, Eça de Queiroz, Graciliano Ramos, Jorge Amado, Dostoiévski e Júlio Diniz.

1937 – Matricula-se no curso complementar (dois últimos anos do curso secundário) visando o ingresso na Faculdade Nacional de Direito da Universidade do Brasil, hoje Universidade Federal do Rio de Janeiro.

1938 – Transfere-se para o curso complementar do colégio Andrews, na praia de Botafogo. Às voltas com dificuldades financeiras, dá aulas particulares de português e matemática. A relação professor/aluno seria um dos temas preferidos e recorrentes em toda a sua obra — desde o primeiro romance: Perto do Coração Selvagem. Ao mesmo tempo, aprende datilografia e faz inglês na Cultura Inglesa.

1939 – Inicia seus estudos na Faculdade Nacional de Direito. Faz traduções de textos científicos para revistas em um laboratório onde trabalha como secretária. Trabalha, também como secretária, em um escritório de advocacia.

1940 – Seu conto, Triunfo, é publicado em 25 de maio no semanário “Pan”, de Tasso da Silveira. Em outubro desse ano, é publicado na revista “Vamos Ler!”, editada por Raymundo Magalhães Júnior, o conto Eu e Jimmy. Esses trabalhos não fazem parte de nenhuma de suas coletâneas. Após a morte de seu pai, no dia 26 de agosto, a escritora — talvez motivada por esse acontecimento — escreve diversos contos: A fuga, História interrompida e O delírio. Esses contos serão publicados postumamente em A bela e a fera, de 1979. Passa a morar com a irmã Tania, já casada, no bairro do Catete. Consegue um emprego de tradutora no temido Departamento de Imprensa e Propaganda – DIP, dirigido por Lourival Fontes. Como não havia vaga para esse trabalho, Clarice ganha o lugar de redatora e repórter da Agência Nacional. Inicia-se, ai, sua carreira de jornalista. No novo emprego, convive com Antonio Callado, Francisco de Assis Barbosa, José Condé e, também, com Lúcio Cardoso, por quem nutre durante tempos uma paixão não correspondida: o escritor era homossexual. Com seu primeiro salário, entra numa livraria e compra “Bliss – Felicidade”, de Katherine Mansfield, com tradução de Erico Verissimo, pois sentiu afinidade com a escritora neozelandesa.

1941 – Em 19 de janeiro, publica a reportagem “Onde se ensinará a ser feliz”, no jornal “Diário do Povo”, de Campinas (SP), sobra a inauguração de um lar para meninas carentes realizada pela primeira-dama Darcy Vargas. Além de textos jornalísticos, continua a publicar textos literários. Cursando o terceiro ano de direito, colabora com a revista dos estudantes de sua faculdade, “A Época”, com os artigos Observações sobre o fundamento do direito de punir e Deve a mulher trabalhar? Passa a freqüentar o bar “Recreio”, na Cinelândia, centro do Rio de Janeiro, ponto de encontro de autores como Lúcio Cardoso, Vinicius de Moraes, Rachel de Queiroz, Otávio de Faria, e muitos mais.

1942 – Começa a namorar com Maury Gurgel Valente, seu colega de faculdade. Com 22 anos de idade, recebe seu primeiro registro profissional, como redatora do jornal “A Noite”. Lê Drummond, Cecília Meireles, Fernando Pessoa e Manuel Bandeira. Realiza cursos de antropologia brasileira e psicologia, na Casa do Estudante do Brasil. Nesse ano, escreve seu primeiro romance, Perto do coração selvagem.

1943 – Casa-se com o colega de faculdade Maury Gurgel Valente e termina o curso de Direito. Seu marido, por concurso, ingressa na carreira diplomática.

1944 – Muda-se para Belém do Pará (PA), acompanhando seu marido. Fica por lá apenas seis meses. Seu livro recebe críticas favoráveis de Guilherme Figueiredo, Breno Accioly, Dinah Silveira de Queiroz, Lauro Escorel, Lúcio Cardoso, Antonio Cândido e Ledo Ivo, entre outros. Álvaro Lins publica resenha com reparos ao livro mesmo antes de sua publicação, baseado na leitura dos originais. Qualifica o livro de “experiência incompleta”. Há os que pretendem não compreender o romance, os que procuram influências — de Virgínia Wolf e James Joyce, quando ela nem os tinha lido — e ainda os que invocam o temperamento feminino. Nas palavras de Lauro Escorel, as características do romance revelam uma “personalidade de romancista verdadeiramente excepcional, pelos seus recursos técnicos e pela força da sua natureza inteligente e sensível.” O casal volta ao Rio e, em 13/07/44, muda-se para Nápoles, em plena Segunda Guerra Mundial, onde o marido da escritora vai trabalhar. Já na saída do Brasil, Clarice mostra-se dividida entre a obrigação de acompanhar o marido e ter de deixar a família e os amigos. Quando chega à Itália, depois de um mês de viagem, escreve: “Na verdade não sei escrever cartas sobre viagens, na verdade nem mesmo sei viajar.” Termina seu segundo romance, O lustre. Recebe o prêmio Graça Aranha com Perto do coração selvagem, considerado o melhor romance de 1943. Conhece Rubem Braga, então correspondente de guerra do jornal “Diário Carioca”.

1945 – Dá assistência a brasileiros feridos na guerra, trabalhando em hospital americano. O pintor italiano Giorgio De Chirico pinta-lhe um retrato. Viaja pela Europa e conhece o poeta Giuseppe Ungaretti. O lustre é publicado no Brasil pela Livraria Agir Editora.

1946 – Após o lançamento do livro, Clarice vem ao Brasil como correio diplomático do Ministério das Relações Exteriores, aqui ficando por quase três meses. Nessa época, apresentado por Rubem Braga, conhece Fernando Sabino que a introduz a Otto Lara Resende, Paulo Mendes Campos e, posteriormente, a Hélio Pellegrino. De volta à Europa, vai morar com a família em Berna, Suíça, para onde seu marido havia sido designado como segundo-secretário. Sua correspondência com amigos brasileiros a mantinha a par das novidades, em especial as trocadas com Fernando Sabino. A troca de cartas com o escritor, quase que diariamente, duraria até janeiro de 1969. A convite, passam as festas de fim de ano com Bluma e Samuel Wainer, em Paris.

1947 – Em carta às irmãs, em janeiro de 47, de Paris, Clarice expõe seu estado de inadaptação:”Tenho visto pessoas demais, falado demais, dito mentiras, tenho sido muito gentil. Quem está se divertindo é uma mulher que eu detesto, uma mulher que não é a irmã de vocês. É qualquer uma.” Em carta a Lúcio Cardoso, que havia lhe enviado seu livro “Anfiteatro”, demonstra sua admiração pelas personagens femininas da obra.

1948 – Clarice fica grávida de seu primeiro filho. Para ela, a vida em Berna é de miséria existencial. A Cidade Sitiada, após três anos de trabalho, fica pronto. Terminado o último capítulo, dá à luz. Nasce então um complemento ao método de trabalho. Ela escreve com a máquina no colo, para cuidar do filho. Na crônica “Lembrança de uma fonte, de uma cidade”, Clarice afirma que, em Berna, sua vida foi salva por causa do nascimento do filho Pedro, ocorrido em 10/09/1948, e por ter escrito um dos livros “menos gostados” (a editora Agir recusara a publicação).

1949 – Clarice volta ao Rio. Seu marido é removido para a Secretaria de Estado, no Rio de Janeiro. A cidade sitiada é publicado pela editora “A Noite”. O livro não obtém grande repercussão entre o público e a crítica.

1950 – Escrevendo contos e convivendo com os amigos (Sabino, Otto, Lúcio e Paulo M. Campos), vê chegar a hora de partir: seguindo os passos de seu marido, retorna à Europa, onde mora por seis meses na cidade de Torquay, Inglaterra. Sofre um aborto espontâneo em Londres. É atendida pelo vice-cônsul na capital inglesa, João Cabral de Melo Neto.

1951 – A escritora retorna ao Rio de Janeiro, em março. Publica uma seleta com seis contos na coleção “Cadernos de cultura”, editada pelo Ministério da Educação e Saúde. Falece sua grande amiga Bluma, ex-esposa de Samuel Wainer.

1952 – Cola grau na faculdade de direito, depois de muitos adiamentos. Volta a trabalhar em jornais, no período de maio a outubro, assinando a página “Entre Mulheres”, no jornal “Comício”, sob o pseudônimo de “Tereza Quadros”. Atendeu a um pedido do amigo Rubem Braga, um dos fundadores do jornal. Nesse setembro, já grávida, embarca para a capital americana onde permanecerá por oito anos. Clarice inicia o esboço do romance A veia no pulso, que viria a ser A Maçã no Escuro, livro publicado em 1961.

1953 – Em 10 de fevereiro, nasce Paulo, seu segundo filho. Ela continua a escrever A Maçã no Escuro, em meio a conflitos domésticos e interiores. Mãe, Clarice Lispector divide seu tempo entre os filhos, A Maçã no Escuro, os contos de Laços de Família e a literatura infantil. Nos Estados Unidos, Clarice conhece o renomado escritor Erico Veríssimo e sua esposa Mafalda, dos quais torna-se grande amiga. O escritor gaúcho e sua esposa são escolhidos para padrinhos de Paulo. Não tem sucesso seu projeto de escrever uma crônica semanal para a revista “Manchete”. Tem a agradável notícia de que seu romance Perto do coração selvagem seria traduzido para o francês.

1954 – É lançada a primeira edição francesa de Perto do coração selvagem, pela Editora Plon, com capa de Henri Matisse, após inúmeras reclamações da escritora sobre erros na tradução. Em julho, com os filhos, viaja para o Brasil, aqui ficando até setembro. De volta aos Estados Unidos, interrompe a elaboração de A maçã no escuro e se dedica, por cinco meses, a escrever seis contos encomendados por Simeão Leal.

1955 – Retorna a escrever o novo romance e contos. Sabino, que leu os seis contos feitos sob encomenda, os acho “obras de arte”.

1956 – Termina de escrever A Maçã no Escuro (até então com o titulo de A veia no pulso). Érico Veríssimo e família retornam ao Brasil, não sem antes aceitarem serem os padrinhos de Pedro e Paulo. Entre os escritores, inicia-se uma vasta correspondência. A escritora e filhos vêm passar as férias no Brasil e Clarice aproveita para tentar a publicação de seu novo romance e os novos contos. Apesar de todo o empenho de Fernando Sabino e Rubem Braga, os livros não são editados. A escritora dá sinais de sua indisposição para com o tipo de vida que leva.

1957 – Rompe unilateralmente o contrato com Simeão Leal e autoriza Sabino e Braga a encaminharem seus contos — nessa altura em número de quinze — para serem publicados no “Suplemento Cultural” do jornal “O Estado de São Paulo”. Seu casamento vive momentos de tensão.

1958 – Conhece e se torna amiga da pintora Maria Bonomi. É convidada a colaborar com a revista “Senhor”, prevista para ser lançada no início do ano seguinte. Erico Verissimo escreve informando estar autorizado a editar seu romance e, também, seus contos pela Editora Globo, de Porto Alegre. 1.000 exemplares — dos mais de 1.700 remanescentes — de “Près du coeur sauvage” são incinerados, por falta de espaço de armazenamento. O casamento de Clarice dá sinais de seu final.

1959 – Separa-se do marido e, em julho, regressa ao Brasil com seus filhos. Seu livro continua inédito. A escritora resolve comprar o apartamento onde está residindo, no bairro do Leme, e, para isso, busca aumentar seus ganhos. Sob o pseudônimo de “Helen Palmer”, inicia, em agosto, uma coluna no jornal “Correio da Manhã”, intitulada “Correio feminino — Feira de utilidades”.

1960 – Publica, finalmente, Laços de Família, seu primeiro livro de contos, pela editora Francisco Alves. Começa a assinar a coluna “Só para Mulheres”, como “ghost-writer” da atriz Ilka Soares, no “Diário da Noite”, a convite do jornalista Alberto Dines. Assina, com a Francisco Alves, novo contrato para a publicação de A maçã no escuro. Torna-se amiga da escritora Nélida Piñon.

1961 – Publica o romance A maçã no escuro. Recebe o Prêmio Jabuti, da Câmara Brasileira do Livro, por Laços de família

1962 – Passa a assinar a coluna “Children’s Corner”, da seção “Sr. & Cia.”, onde publica contos e crônicas. Visita, com os filhos, seu ex-marido que se encontra na Polônia. Recebe o prêmio Carmen Dolores Barbosa (oferecido pela senhora paulistana de mesmo nome), por A maçã no escuro, considerado o melhor livro do ano.

1963 – A convite, profere no XI Congresso Bienal do Instituto Internacional de Literatura Ibero-Americana, realizado em Austin – Texas, conferência sobre o tema “Literatura de vanguarda no Brasil. Conhece Gregory Rabassa, mais tarde tradutor para o inglês de A maçã no escuro. A paixão segundo G. H. é escrito em poucos meses, sendo entregue à Editora do Autor, de Sabino e Braga, para publicação. Compra um apartamento em construção no bairro do Leme.

1964 – Publica o livro de contos A legião estrangeira e o romance A Paixão Segundo G. H., ambos pela Editora do Autor. Em dezembro, o juiz profere a sentença que poria fim ao processo de separação de Clarice e Maury.

1965 – Em maio, muda-se para o apartamento comprados em 1963. Sua obra passa a ser vista com outros olhos — pela crítica e pelo público leitor — após A paixão segundo G. H. Resultado de uma seleta de trechos de seus livros, adaptados por Fauzi Arap, é encenada no Teatro Maison de France o espetáculo Perto do coração selvagem, com José Wilker, Glauce Rocha e outros. Dedica-se à educação dos filhos e com a saúde de Pedro, que apresenta um quadro de esquizofrenia, exigindo cuidados especiais. Apesar de traduzida para diversos idiomas e da republicação de diversos livros, a situação financeira de Clarice é muito difícil.

1966 – Na madrugada de 14 de setembro a escritora dorme com um cigarro aceso , provocando um incêndio. Seu quarto ficou totalmente destruído. Com inúmeras queimaduras pelo corpo, passou três dias sob o risco de morte — e dois meses hospitalizada. Quase tem sua mão direita — a mais afetada — amputada pelos médicos. O acidente mudaria em definitivo a vida de Clarice.

1967 – As inúmeras e profundas cicatrizes fazem com que a escritora caia em depressão, apesar de todo o apoio recebido de seus amigos. Não foi só um ano de acontecimentos ruins. Começa a publicar em agosto — a convite de Dines — crônicas no “Jornal do Brasil”, trabalho que mantém por seis anos. Lança o livro infantil O mistério do coelho pensante, pela José Álvaro Editor. Em dezembro, passa a integrar o Conselho Consultivo do Instituto Nacional do Livro.

1968 – Em maio, o livro O mistério do coelho pensante é agraciado com a “Ordem do Calunga”, concedido pela Campanha Nacional da Criança. Entrevista personalidades para a revista “Manchete” na seção “Diálogos possíveis com Clarice Lispector”. Participa da manifestação contra a ditadura militar, em junho, chamada “Passeata dos 100 mil”. Morrem seus amigos e escritores Lúcio Cardoso e Sérgio Porto (Stanislaw Ponte Preta). É nomeada assistente de administração do Estado. Profere palestras na Universidade Federal de Minas Gerais e na Livraria do Estudante, em Belo Horizonte. Publica A mulher que matou os peixes, outro livro infantil, ilustrado por Carlos Scliar.

1969 – Publica seu “hino ao amor”: Uma aprendizagem ou O livro dos prazeres, pela Editora Sabiá. O romance ganha o prêmio “Golfinho de Ouro”, do Museu da Imagem e do Som. Viaja à Bahia onde entrevista para a “Manchete” o escritor Jorge Amado e os artistas Mário Cravo e Genaro. Em 14/08 é aposentada pelo INPS – Instituto Nacional de Previdência Social. Seu filho Paulo, mora nos Estados Unidos desde janeiro, num programa de intercâmbio cultural. Seu irmão Pedro, em tratamento psiquiátrico, esteve internado por um mês, em junho.

1970 – Começa a escrever um novo romance, com o título provisório de Atrás do pensamento: monólogo com a vida. Mais adiante, é chamado Objeto gritante. Foi lançado com o título definitivo de Água viva. Conhece Olga Borelli, de que se tornaria grande amiga.

1971 – Publica a coletânea de contos Felicidade clandestina, volume que inclui O ovo e a galinha, escrito sob o impacto da morte do bandido Mineirinho, assassinado pela polícia com treze tiros, no Rio de Janeiro. Há, também, um conjunto de escritos em que rememora a infância em Recife. Encarrega o professor Alexandre Severino da tradução, para o inglês, de Atrás do pensamento: monólogo com a vida. Dez de seus contos já publicados constam de “Elenco de cronistas modernos”, lançado pela Editora Sabiá.

1972 – Retoma a revisão de Atrás do pensamento, com o qual não estava satisfeita. Faz inúmeras alterações no texto e passa a chamá-lo Objeto gritante. Repensando o romance, procura distrair-se. Durante um mês posa para o pintor Carlos Scliar, em Cabo Frio (RJ).

1973 – Publica o romance Água viva, após três anos de elaboração, pela Editora Artenova, que lançaria também, nesse ano, A imitação da rosa, quinze contos já publicados anteriormente em outras coletâneas. Alberto Dines, em carta à escritora, diz sobre Água viva: “[…] É menos um livro-carta e, muito mais, um livro música. Acho que você escreveu uma sinfonia”. Viaja à Europa com a amiga Olga Borelli. Clarice deixa de colaborar com o “Jornal do Brasil”, face à demissão de Alberto Dines, no mês de dezembro.

1974 – Para manter seu nível de renda, aumenta sua atividade como tradutora. Verte, entre outros, “O retrato de Dorian Gray”, de Oscar Wilde, adaptado para o público juvenil, pela Ediouro. Publica, pela José Olympio Editora, outro livro infantil, A vida íntima de Laura e dois livros de contos, pela Artenova: A via crucis do corpo e Onde estivestes de noite. Uma curiosidade: a primeira edição de Onde estivestes de noite foi recolhida porque foi colocado, erroneamente, um ponto de interrogação no título. Seu cão, Ulisses, lhe morde o rosto, fazendo com que se submeta a cirurgia plástica reparadora reparadora realizada por seu amigo Dr. Ivo Pitanguy. Lê, em Brasília (DF), a convite da Fundação Cultural do Distrito Federal, a conferência “Literatura de vanguarda no Brasil”, que já apresentara no Texas. Participa, em Cali — Colômbia, do IV Congresso da Nova Narrativa Hispano-americana. Seu filho, Paulo, vai morar sozinho, em um apartamento próximo ao da escritora. Pedro vai morar com o pai, em Montevidéu — Uruguai.

1975 – Tendo como companheira de viagem a amiga Olga Borelli, participa do I Congresso Mundial de Bruxaria, em Bogotá, Colômbia. No dia de sua apresentação sente-se indisposta e pede a alguém que leia o conto O ovo e a galinha, não apresentando a fala sobre a magia que havia preparado para a introdução da leitura. Muito embora minimizada, essa participação tem muito a ver com as palavras ditas por Otto Lara Resende, conhecido escritor, em um bate-papo com José Castello: “Você deve tomar cuidado com Clarice. Não se trata de literatura, mas de bruxaria.” Otto se baseava em estudos feitos por Claire Varin, professora de literatura canadense que escreveu dois livros sobre a biografada. Segundo ela, só é possível ler Clarice tomando seu lugar — sendo Clarice. “Não há outro caminho”, ela garante. Para corroborar sua tese, Claire cita um trecho da crônica A descoberta do mundo, onde a escritora diz: “O personagem leitor é um personagem curioso, estranho. Ao mesmo tempo que inteiramente individual e com reações próprias, é tão terrivelmente ligado ao escritor que na verdade ele, o leitor, é o escritor.” Traduz romances, como “Luzes acesas”, de Bella Chagall, “A rendeira”, de Pascal Lainé, e livros policiais de Agatha Christie. Ao longo da década, faz adaptações de obras de Julio Verne, Edgar Allan Poe, Walter Scott e Jack London e Ibsen. Lança Visão do esplendor, com trabalhos já publicados na coluna “Children’s Corner”, da revista “Senhor” e também no “Jornal do Brasil”. Publica De corpo inteiro, com algumas entrevistas que fizera anteriormente para revistas cariocas. É muito elogiada quando visita Belo Horizonte, fato que a deixa contrariada. Passa a dedicar-se à pintura. Morre, dia 28 de novembro, seu grande amigo e compadre Erico Verissimo. Reúne trabalhos de Andréa Azulay num volume artesanal ilustrado por Sérgio Mata, intitulado “Meus primeiros contos”. Andréa tinha, então, dez anos de idade.

1976 – Seu filho Paulo casa-se com Ilana Kauffmann. Participa, em Buenos Aires, Argentina, da Segunda Exposición — Feria Internacional del Autor al Lector, onde recebe muitas homenagens. É agraciada, em abril, com o prêmio concedido pela Fundação Cultural do Distrito Federal, pelo conjunto de sua obra. Grava depoimento no Museu da Imagem e do Som, no Rio de Janeiro, em outubro, conduzido por Affonso Romano de Sant’Anna, Marina Colasanti e por João Salgueiro, diretor do MIS. Em maio, corre o boato de que a escritora não mais receberia jornalistas. José Castello, biógrafo e escritor, nessa época trabalhando no jornal “O Globo”, mesmo assim telefona e consegue marcar um encontro. Após muitas idas e vindas é recebido. Trava então o seguinte diálogo com Clarice:

J.C. “— Por que você escreve?
C.L. “— Vou lhe responder com outra pergunta: — Por que você bebe água?”
J.C. “— Por que bebo água? Porque tenho sede.”
C.L. “— Quer dizer que você bebe água para não morrer. Pois eu também: escrevo para me manter viva.”

Enquanto escreve A hora da estrela com a a ajuda da amiga Olga, toma notas para o novo romance, Um sopro de vida. Revê Recife e visita parentes. Em dezembro, “Fatos e Fotos Gente”, revista do grupo “Manchete”, publica entrevista feita com a artista Elke Maravilha, a primeira de uma série que se estenderia até outubro de 1977.

1977 – A revista “Fatos e Fotos Gente” publica, em janeiro, entrevista feita pela escritora com Mário Soares, primeiro-ministro de Portugal. O jornal “Última Hora” passa a publicar, a partir de fevereiro, semanalmente, as suas crônicas. Ainda nesse mês, é entrevistada pelo jornalista Júlio Lerner para o programa “Panorama Especial”, TV Cultura de São Paulo, com o compromisso de só ser transmitida após a sua morte. Escreve um livro para crianças, que seria publicado em 1978, sob o título Quase de verdade. Escreve, ainda, doze histórias infantis para o calendário de 1978 da fábrica de brinquedos “Estrela”, intitulado Como nasceram as estrelas. Vai à França e retorna inesperadamente. Publica A hora da estrela, pela José Olympio, com introdução — “O grito do silêncio” — de Eduardo Portella. Esse livro seria adaptado para o cinema, em 1985, por Suzana Amaral. A editora Ática lança nova edição de A legião estrangeira, com prefácio de Affonso Romano de Sant’Anna. Clarice morre, no Rio, no dia 9 de dezembro de 1977, um dia antes do seu 57° aniversário vitimada por uma súbita obstrução intestinal, de origem desconhecida que, depois, veio-se a saber, ter sido motivada por um adenocarcinoma de ovário irreversível. O enterro aconteceu no Cemitério Comunal Israelita, no bairro do Caju, no dia 11. Vai ao ar, pela TV Cultura, no dia 28/12, a entrevista gravada em fevereiro desse ano.

1978 – Três livros póstumos são publicados: o romance Um sopro de vida — Pulsações, pela Nova Fronteira, a partir de fragmentos em parte reunidos por Olga Borelli; o de crônicas Para não esquecer, e o infantil, Quase de verdade, em volume autônomo, pela Ática. Para não esquecer é composto de crônicas que haviam sido publicadas na segunda parte do livro A legião estrangeira, em 1964, que compunham a seção “Fundo de Gaveta” do citado livro. A hora da estrela é agraciada com o prêmio Jabuti de “Melhor Romance”. A paixão sendo G. H. é publicada na França, com tradução de Claude Farny.

1979 – É publicado A bela e a fera, pela Nova Fronteira, contendo contos publicados esparsamente em jornais e revistas. Estréia, no teatro Ruth Escobar, em São Paulo, Um sopro de vida, baseado em livro de mesmo nome, com adaptação de Marilena Ansaldi e direção de José Possi Neto.

1981 – “Clarice Lispector — Esboço para um retrato”, de Olga Borelli, é lançado pela Nova Fronteira.

1984 – Reunindo a quase totalidade de crônicas publicadas no Jornal do Brasil, no período de 1967 a 1973, é lançado “A descoberta do mundo”, organização de Paulo Gurgel Valente, filho da autora. A Éditions des Femmes, da França, lança, em sua coleção “La Bibliotèque des voix”, fita cassete com trechos de La passion selon G. H., lidos pela atríz Anouk Aimée.

1985 – A hora da estrela recebe dois prêmios na 36ª edição do Festival de Berlim: da Confederação Internacional de Cineclubes — Cicae, e da Organização Católica Internacional do Cinema e do Audiovisual — Ocic. O longa-metragem de mesmo nome, dirigido por Suzana Amaral, com roteiro de Alfredo Oros também é premiado: Marcélia Cartaxo recebe o Urso de Prata de “Melhor Atriz”.
Características

Junto com Guimarães Rosa, Clarice Lispector representa o melhor da ficção pós-45. Em sua obra, ela aceita a provocação que o mundo ao redor faz à sua sensibilidade e procura recriá-lo partindo de suas próprias emoções, da sua própria capacidade de interpretação. Ao escrever, ela pretende buscar o sentido da vida, penetrar no mistério que cerca o homem. Para isso, ela é obrigada a levar nossa língua a domínios pouco explorados, transformando-a num instrumento real do espírito. Seu texto assume um ritmo de procura, de penetração, amoldando-se às necessidades de uma expressão tensa e sugestiva. O espaço e o tempo cronológico têm pouca importância, o que vale é o espaço interior e a duração interior do tempo.

Curiosidades

Os 10 anos da morte da escritora são lembrados com diversas homenagens em sua memória. É aberto ao público o conjunto de documentos que viria a constituir o Arquivo Clarice Lispector do Museu de Literatura Brasileira da Fundação Casa de Rui Barbosa – FCRB, no Rio de Janeiro, constituído de documentos doados por Paulo Gurgel Valente.

Em 1990, a Francisco Alves Editora inicia a reedição da obra da escritora. A paixão segundo G. H. é encenada na capital francesa, no teatro Gérard Philippe, em montagem de Alain Neddam. Diane E. Marting, em 1993, publica “Clarice Lispector. A Bio-Bibliography”, pela Westport: Greenwood Press, nos Estados Unidos. Em 1996, é lançada a antologia “Os melhores contos de Clarice Lispector”, pela editora Global.

Estréia no Rio de Janeiro “Clarice — Coração selvagem”, adaptado e dirigido por Maria Lúcia Lima, com Aracy Balabanian, em 1998.

No ano seguinte, “Que mistérios tem Clarice”, adaptado por Luiz Arthur Nunes e Mário Piragibe estréia no teatro N. E. X. T.

Fernando Sabino, em 2001, organiza e publica, pela Record, “Cartas perto do coração”, contendo correspondência que manteve com a escritora de 1946 a 1969.

A editora Rocco lança, em 2002, “Correspondências — Clarice Lispector”, antologia de cartas de e para a escritora, seleção de Teresa Montero.

No aniversário de Clarice, 10/12/2002, a Embaixada do Brasil na Ucrânia e a Prefeitura de Tchetchelnik se associam em homenagem à memória da escritora, inaugurando uma placa com dados biográficos gravados em russo e em português, que é afixada na entrada da sede da administração municipal.

Em 2004, os manuscritos de A hora da estrela e parte dos livros que pertenciam à biblioteca pessoal de Clarice Lispector são confiadas por Paulo Gurgel Valente à guarda do Instituto Moreira Salles, que lança, em dezembro, edição especial dos “Cadernos de Literatura Brasileira”, dedicada à vida e à obra da autora.

Em artigo publicado no jornal “The New York Times”, no dia 11/03/2005, a escritora foi descrita como o equivalente de Kafka na literatura latino-americana. A afirmação foi feita por Gregory Rabassa, tradutor para o inglês de Jorge Amado, Gabriel García Márquez, Mario Vargas Llosa e de Clarice. No dia 13/01, foi discutido o viés judaico na obra da autora no Centro de História Judaica em Nova York.

Clarice traduziu para língua portuguesa falada no Brasil, em 1976, o livro Entrevista com o Vampiro, da autora estadunidense Anne Rice.

A primeira edição de Onde estivestes de noite foi recolhida porque foi colocado, erroneamente, um ponto de interrogação no título.

Fontes:
http://pt.wikipedia.org/wiki/Clarice_Lispector
LISPECTOR, Clarice. Aprendendo a viver. Rio de Janeiro: Rocco, 2004.
MONTEIRO, Tereza. http://www.claricelispector.com.br/
NOGUEIRA JR., Arnaldo. Clarice Lispector. Disponível em http://www.releituras.com/clispector_bio.asp
SANTOS, Eberth. MOURA, Josana de. Literatura e Filosofia (Palavra em Ação). 2.ed. Uberlândia: Ed. Claranto, 2004

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Clarice Lispector para Crianças

por Laura Sandroni

Uma das maiores escritoras brasileiras contemporâneas, Clarice Lispector criou quatro histórias dedicadas ao público infantil; O mistério do coelho pensante, A mulher que matou os peixes, A vida íntima de Laura e Quase de verdade.

Em todas elas os personagens principais são animais de variadas espécies, e o tema, suas relações com os seres humanos – principalmente com ela, Clarice, que tinha por eles um carinho extraordinário. Em nenhum momento ela pretendeu ensinar algo sobre a vida animal ou pregar a respeito da importância de cada um deles na grande cadeia ecológica do universo. Em cada linha o que transparece é seu enorme respeito pela natureza e o prazer que sentia ao se relacionar com todos os seres vivos.

Em O mistério do coelho pensante, seu primeiro titulo, lançado em 1967, ela confessa que escreveu a pedido de seus filhos, que adoravam “conversar sobre coelhos muito bom”. A intenção da autora em sua divertida narrativa é despertar na criança o gosto pela reflexão sobre os mistérios da vida. Na introdução, ela explica que a história só termina realmente “quando a criança descobre outros mistérios”. Uma narrativa simples, em linguagem coloquial, cheia de recados, própria de uma autora pensante e misteriosa.

Em A mulher que matou os peixes (1969), não há propriamente um enredo. A narrativa se constrói sobre momentos da vida da escritora, sempre relacionados aos bichos que possui, aí incluídos aqueles que simplesmente passaram por sua casa – como ratos e baratas. A forma adotada é a da confissão. Logo de início a narradora/autora diz: “Essa mulher que matou os peixes, infelizmente, sou eu. Mas juro que foi sem querer.” A intimidade entre a escritora e o leitor se cria a partir daí e aumenta ao longo do texto, pois Clarice sabe, como poucos, dialogar com seu público, a exemplo de Machado de Assis.

A vida íntima de Laura (1974) trata de uma galinha, que “apesar de bastante burra”, tem seus “pensamentozinhos e sentimentozinhos”. Neste livro Clarice adota o tom coloquial de quem conta uma história para alguém muito especial e obtém com isso raro grau de intimidade que faz a delícia do ouvinte leitor. Ela põe em jogo toda sua arte de contadora de histórias e convoca o ouvinte a participar: “Dou-lhe um beijo na testa se você adivinhar. E duvido que acerte! Dê três palpites. Viu como é difícil?”

Surpresa gostosa este Quase de verdade (1978)no qual o cachorro Ulisses é o narrador e Clarice a ouvinte. Nele, a autora reencontra sua infância e faz de um enredo simples um jogo em que texto e contexto se misturam na mesma alegria lúdica de comunicar-se com a sensibilidade mágica da criança.

Clarice Lispector ainda publicou uma versão de doze lendas brasileiras, a que intitulou Como nasceram as estrelas (1987) e relacionou cada uma aos meses do ano. Seu estilo coloquial de narrativa aproxima a poesia do olhar indígena, da criança de hoje.

Fonte:
SANDRONI, Laura. A obra de Clarice para crianças. Disponível em http://www.claricelispector.com.br/

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H. P. Lovecraft (1890 – 1937)

H. P. Lovecraft é um exemplo extraordinário da literatura moderna. Não pode ser considerado apenas um escritor de histórias de terror. Seus livros e contos carregam uma carga fortíssima de fantasia e imaginação. Suas principais influências são os gênios Edgar Allan Poe, Hoffmann e Arthur Machen.

Lovercraft foi em vida, um homem realmente estranho. Quase não tinha amigos e se comportava como um misantropo. Foi um escritor compulsivo de cartas, com mais de 100 mil registradas durante sua vida. Comparado ao talento imaginativo de Lewis Carrol e J.R.R. Tolkein, Lovecraft morreu praticamente desconhecido do público e crítica.

Howard Phillips Lovecraft (Providence, Rhode Island, 20 de Agosto de 1890 – 15 de Março de 1937) foi um escritor norte-americano celebrizado pelos seus livros de fantasia e terror, marcadamente gótico, enquadrados por uma estrutura semelhante à da ficção científica.

Durante a sua vida teve um número relativamente pequeno de leitores, mas a sua obra veio a tornar-se uma forte influência e referência em escritores de horror. Era assumidamente conservador e anglófilo, sendo por isso habituais no seu estilo os arcaísmos e a utilização de vocabulário e ortografia marcadamente britânicos.

Biografia
Lovecraft foi o único filho de Winfield Scott Lovecraft, negociante de jóias e metais preciosos, e Sarah Susan Phillips, vinda de uma família notória que podia traçar suas origens diretamente aos primeiros colonizadores americanos, casados numa idade relativamente avançada para a época. Quando contava três anos, seu pai sofreu uma aguda crise nervosa que deixou sequelas profundas, obrigando-o a passar o resto de sua vida em clínicas de repouso.

Assim, ele foi criado pela mãe Sarah, por duas tias, e por seu avô, Whipple van Buren Phillips. Lovecraft era um jovem prodígio que recitava poesia aos dois anos e já escrevia seus próprios poemas aos seis. Seu avô encorajou os hábitos de leitura, tendo arranjado para ele versões infantis da Ilíada e da Odisséia, de Homero, e introduzindo-o à literatura de terror, ao apresentar-lhe clássicas histórias de terror gótico.

Lovecraft era uma criança constantemente doente. Seu biógrafo, L. Sprague de Camp, afirmou que o jovem Howard sofria de poiquilotermia, uma raríssima doença que fazia com que sua pele fosse sempre gelada ao toque. Devido aos seus problemas de saúde, ele frequentou a escola apenas esporadicamente mas lia bastante.

Seu avô morreu em 1904, o que levou a família a um estado de pobreza, em decorrência da incapacidade das filhas de gerenciar os bens deste. Foram obrigados a se mudar para acomodações muito menores e insalubres, o que prejudicou ainda mais a já débil saúde de Lovecraft. Em 1908, ele sofreu um colapso nervoso, acontecimento que impediu-o de receber seu diploma de graduação no ensino médio e, consequentemente, complicou sua entrada em uma universidade. Esse fracasso pessoal marcaria Lovecraft pelo resto de seus dias.

Em seus dias de juventude, Lovecraft se dedicou a escrever poesia, mergulhando na ficção de terror apenas a partir de 1917. Em 1923, ele publicou seu primeiro trabalho profissional, Dagon, na revista Weird Tales. Sua mãe nunca chegou a ver nenhum trabalho do filho publicado, tendo morrido em 1921, após complicações em uma cirurgia.

Lovecraft trabalhou como jornalista por um curto período de tempo, durante o qual conheceu Sonia Greene, com quem viria a casar. Ela era judia natural da Ucrânia, oito anos mais velha que ele, o que fez com que sua tias protestassem contra o casamento. O casal mudou-se para o Brooklyn, na cidade de Nova Iorque, cidade que Lovecraft nunca gostou. O casamento durou poucos anos e, após o divórcio amigável, Lovecraft regressou a Providence, onde moraria até morrer.

O período imediatamente após seu divórcio foi o mais prolífico de Lovecraft, no qual ele se correspondia com vários escritores estreantes de horror, ficção e aventura. Entre eles, seu mais ávido correspondente era Robert E. Howard, criador de Conan o Bárbaro. Algumas das suas mais extensas obras, Nas Montanhas da Loucura e O Caso de Charles Dexter Ward, foram escritas nessa época.

Seus últimos anos de vida foram bastante difíceis. Em 1932, sua amada tia Lillian Clark, com quem ele vivia, faleceu. Lovecraft mudou-se para uma pequena casa alugada com sua tia e companhia remanescente, Annie Gamwell, situada bem atrás da biblioteca John Hay. Para sobreviver, considerando-se que seus próprios textos aumentavam em complexidade e número de palavras (dificultando vendas), Lovecraft apoiava-se como podia em revisões e “ghost-writing” de textos assinados por outros, inclusive poemas e não-ficção. Em 1936, a notícia do suicídio de seu amigo Robert E. Howard deixou-o profundamente entristecido e abalado. Nesse ano, a doença que o mataria (câncer no intestino) já avançara o bastante para que pouco se pudesse fazer contra ela. Lovecraft suportou dores sempre crescentes pelos meses seguintes, até que em 10 de março de 1937 viu-se obrigado a se internar no Hospital Memorial Jane Brown.

Ali morreria cinco dias depois. Contava então 46 anos de idade.

Howard Phillips Lovecraft foi enterrado no dia 18 de março de 1937, no cemitério Swan Point, em Providence, no jazigo da família Phillips. Seu túmulo é o mais visitado do local, mas passaram-se décadas sem que seu túmulo fosse demarcado de forma exclusiva. No centenário de seu nascimento, fãs norte-americanos se cotizaram para inaugurar uma lápide definitiva, que exibe a frase “Eu sou Providence”, extraída de uma de suas cartas.

Obras

Muitos dos trabalhos de Lovecraft foram diretamente inspirados por seus constantes pesadelos, o que contribuiu para a criação de uma obra marcada pelo subconsciente e pelo simbolismo. As suas maiores influências foram Edgar Allan Poe, por quem Lovecraft nutria profunda afeição, e Lord Dunsany, cujas narrativas de fantasia inpiraram as suas histórias em terras de sonho. Suas constantes referências, em seus textos, a horrores antigos e a monstros e divindades ancestrais acabaram por gerar algo análogo a uma mitologia, hoje vulgarmente chamada Cthulhu Mythos, contendo vários panteões de seres extradimensionais tão poderosos que eram ou podiam ser considerados deuses, e que reinaram sobre a Terra milhões de anos atrás. Entre outras coisas, alguns dos seres teriam sido os responsáveis pela criação da raça humana e teriam uma intervenção directa em toda a história do universo.

A expressão Cthulhu Mythos foi criada, após a morte de Lovecraft, pelo escritor August Derleth, um dos muitos escritores a basearem suas histórias nos mitos deste. Lovecraft criou também um dos mais famosos e explorados artefactos das histórias de terror, o Necronomicon, um fictício livro de invocação de demônios escrito pelo, também fictício, Abdul Alhazred, sendo até hoje popular o mito da existência real deste livro, fomentado especialmente pela publicação de vários falsos Necronomicons e por um texto, da autoria do próprio Lovecraft, explicando a sua origem e percurso histórico.

Fontes:
http://www.virtualbooks.com.br/ (in CD-ROM Biblioteca Eletrônica vol. III. Magister)
pt.wikipedia.com

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Artur de Azevedo (1855 – 1908)

Artur Nabantino Gonçalves de Azevedo, jornalista, poeta, contista e teatrólogo, nasceu em São Luís, MA, em 7 de julho de 1855, e faleceu no Rio de Janeiro, RJ, em 22 de outubro de 1908. Figurou, ao lado do irmão Aluísio de Azevedo, no grupo fundador da Academia Brasileira de Letras, onde criou a Cadeira n. 29, que tem como patrono Martins Pena.

Foram seus pais David Gonçalves de Azevedo, vice-cônsul de Portugal em São Luís, e Emília Amália Pinto de Magalhães, corajosa mulher que, separada de um comerciante, com quem casara a contragosto, já vivia maritalmente com o funcionário consular português à época do nascimento dos filhos: três meninos e duas meninas. Casaram-se posteriormente, após a morte na Corte, de febre amarela, do primeiro marido. Aos oito anos Artur já demonstrava pendor para o teatro, brincando com adaptações de textos de autores como Joaquim Manuel de Macedo, e pouco depois passou a escrever, ele próprio, as peças que representava. Muito cedo começou a trabalhar no comércio. Depois foi empregado na administração provincial, de onde foi demitido por ter publicado sátiras contra autoridades do governo. Ao mesmo tempo lançava as primeiras comédias nos teatros de São Luís. Aos quinze anos escreveu a peça Amor por anexins, que teve grande êxito, com mais de mil representações no século passado. Ao incompatibilizar-se com a administração provincial, concorreu a um concurso aberto, em São Luís, para o preenchimento de vagas de amanuense da Fazenda. Obtida a classificação, transferiu-se para o Rio de Janeiro, no ano de 1873, e logo obteve emprego no Ministério da Agricultura.

A princípio, dedicou-se também ao magistério, ensinando Português no Colégio Pinheiro. Mas foi no jornalismo que ele pôde desenvolver atividades que o projetaram como um dos maiores contistas e teatrólogos brasileiros. Fundou publicações literárias, como A Gazetinha, Vida Moderna e O Álbum. Colaborou em A Estação, ao lado de Machado de Assis, e no jornal Novidades, onde seus companheiros eram Alcindo Guanabara, Moreira Sampaio, Olavo Bilac e Coelho Neto. Foi um dos grandes defensores da abolição da escravatura, em seus ardorosos artigos de jornal, em cenas de revistas dramáticas e em peças dramáticas, como O Liberato e A família Salazar, esta escrita em colaboração com Urbano Duarte, proibida pela censura imperial e publicada mais tarde em volume, com o título de O escravocrata.

Escreveu mais de quatro mil artigos sobre eventos artísticos, principalmente sobre teatro, nas seções que manteve, sucessivamente, em O País (“A Palestra”), no Diário de Notícias (“De Palanque”), em A Notícia (o folhetim “O Teatro”). Multiplicava-se em pseudônimos: Elói o herói, Gavroche, Petrônio, Cosimo, Juvenal, Dorante, Frivolino, Batista o trocista, e outros. A partir de 1879 dirigiu, com Lopes Cardoso, a Revista do Teatro. Por cerca de três décadas sustentou a campanha vitoriosa para a construção do Teatro Municipal, a cuja inauguração não pôde assistir.

Embora escrevendo contos desde 1871, só em 1889 animou-se a reunir alguns deles no volume Contos possíveis, dedicado pelo autor a Machado de Assis, que então era seu companheiro na secretaria da Viação e um de seus mais severos críticos. Em 1894, publicou o segundo livro de histórias curtas, Contos fora de moda, e mais dois volumes, Contos cariocas e Vida alheia, constituídos de histórias deixadas por Artur de Azevedo nos vários jornais em que colaborara.
No conto e no teatro, Artur Azevedo foi um descobridor de assuntos do cotidiano da vida carioca, e observador dos hábitos da capital. Os namoros, as infidelidades conjugais, as relações de família ou de amizade, as cerimônias festivas ou fúnebres, tudo o que se passava nas ruas ou nas casas lhe forneceu assunto para as histórias. No teatro foi o continuador de Martins Pena e de França Júnior. Suas comédias fixaram aspectos da vida e da sociedade carioca. Nelas teremos sempre um documentário sobre a evolução da então capital brasileira. Teve em vida cerca de uma centena de peças de vários gêneros e extensão (e mais trinta traduções e adaptações livres de peças francesas) encenadas em palcos nacionais e portugueses. Ainda hoje continua vivo como a mais permanente e expressiva vocação teatral brasileira de todos os tempos, através de peças como A jóia, A capital federal, A almanarra, O mambembe, e outras.

Outra atividade a que se dedicou foi a poesia. Foi um dos representantes do Parnasianismo, e isso meramente por uma questão de cronologia, porque pertenceu à geração de Alberto de Oliveira, Raimundo Correia e Olavo Bilac, todos sofrendo a influência de poetas franceses como Leconte de Lisle, Banville, Coppée, Heredia. Mas Artur Azevedo, pelo temperamento alegre e expansivo, não tinha nada que o filiasse àquela escola. É um poeta lírico, sentimental, e seus sonetos estão perfeitamente dentro da tradição amorosa dos sonetos brasileiros.

OBRAS: Carapuças, poesia (1871); Sonetos (1876); Um dia de finados, sátira (1877); Contos possíveis (1889); Contos fora da moda (1894); Contos efêmeros (1897); Contos em verso (1898); Rimas, poesia (1909); Contos cariocas (1928); Vida alheia (1929); Histórias brejeiras, seleção e prefácio de R. Magalhães Júnior (1962); Contos (1973).

TEATRO: Amor por anexins (1872); A filha de Maria Angu (1876); Uma véspera de reis (1876); Jóia (1879); O escravocrata, em colaboração com Urbano Duarte (1884); A almanarra (1888); A capital federal (1897); O retrato a óleo (1902); O dote (1907); O oráculo (1956); Teatro (1983).

REVISTAS: O Rio de Janeiro em 1877 (com Lino d’Assumpção – 1877); Tal Qual Como Lá (com França Júnior – 1879, não encenada), O Mandarim (com Moreira Sampaio – 1883); Cocota (com Moreira Sampaio – 1884/1887); O Bilontra (com Moreira Sampaio – 1884/1887); O Carioca (com Moreira Sampaio – 1884/1887); O Mercúrio e o Homem (com Moreira Sampaio – 1884/1887); Fritzmac (com Aluísio de Azevedo – 1888); A República (com Aluísio de Azevedo – 1889), proibida pela censura; Viagem ao Parnaso (1890); O Tribofe (1891); O Major (1894); A Fantasia (1895); O Jagunço (1897); Gavroche (1898); Comeu! (1901); Guanabara (com Gastão Bousquet – 1905) e O Ano Que Passa (1907) não encenada, publicada como folhetim.

Fonte: Academia Brasileira de letras
http://www.academia.org.br/

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Constelação de Trovas (Autores B e C)

BALTHAZAR DE GODOY MOREIRA
Se em minha mão, por acaso,
a tua pões, tão mimosa,
penso num rústico vaso
contendo um botão de rosa.

BARRETO COUTINHO
Destino é força que esmaga,
credor austero, tremendo;
manda a conta e a gente paga,
sem saber que está devendo…

BENEDITO CAMARGO MADEIRA
A castanha nos convida
a não julgar o aparente:
dentro do ouriço… escondida,
está uma fruta excelente!

CAMILO BORGES NETO
Tudo o que é bom por um lado,
pelo outro tem um custo.
Mesmo Deus em seu reinado,
antes de ser bom, é justo!

CAMPOS SALES
Ao luar de tantas luas,
minha São Paulo querida,
fiz, somando as suas ruas,
a estrada da minha vida!

CARLOS DE SOUZA
Verdadeira esta jornada
que se leva vida afora:
Pra nascer – hora marcada…
Mas pra morrer – não tem hora.

CARLOS DRUMOND DE ANDRADE
O meu tempo e o teu, amada,
transcendem qualquer medida.
Além do amor, não há nada:
amor é o sumo da vida.

CARLOS GUIMARÃES
Meu lenço, na despedida,
tu não viste, em movimento:
lenço molhado, querida,
não pode agitar-se ao vento.

CAROLINA RAMOS
Por te amar, tenho sofrido,
mas não me arrependo: Vem!
— Quem ama as rosas, querido,
ama os espinhos também!

CASTRO ALVES
Na hora em que a terra dorme
enrolada em frios véus,
eu ouço uma reza enorme
enchendo o abismo dos céus…

CATULO DA PAIXÃO CEARENSE
Qualquer frase acerba e dura
que ela me atira, eu sorrio;
pois encerra tal doçura,
que parece um elogio!

CECÍLIA MEIRELLES
O vento do mês de agosto
leva as folhas pelo chão:
só não toca no teu rosto,
que está no meu coração.

CECILIANO JOSÉ ENNES NETO
Se no comer se extasia,
não pense que é o maioral.
Logo depois vem a azia:
“quem passa bem, passa mal”.

CECY TUPINAMBÁ ULHOA
Aprendi a enfrentar
esta vida de solteiro:
não tendo a quem abraçar,
me enrosco no travesseiro!

CÉLIA GUIMARÃES SANTANA
Eu não me canso de olhar
sua foto desbotada.
Não preenche o seu lugar,
mas… sonhar não custa nada!

CÉLIO GRUNEWALD
Todos os picos da serra,
nos Andes… nos Pirineus,
são dedos grandes da Terra
mostrando a casa de Deus!

CESÍDIO AMBROGI
Do bairro a mulher mais bela
mora na esquina, a Gioconda.
— Rondam tanto a casa dela
que a esquina ficou redonda…

CIDINHA FRIGERI
– Você caminha comigo,
partilha seu Eu interno;
isto o faz ser meu amigo,
um querido Ser fraterno.

CIDOCA DA SILVA VELHO
Quando de mim te aproximas,
com semblante sonhador,
minha alma flutua em rimas,
compondo versos de amor!

CIPRIANO FERREIRA GOMES
“Pelos trilhos da distância,
no trem das minhas tristezas,
somente o vagão da Infância
tem janelinhas acesas!”

CLEBER ROBERTO DE OLIVEIRA
Os passarinhos da praça
Não podem nem ver um calvo:
– Na careca de um que passa
Praticam… “titica ao alvo”!

CLENIR NEVES RIBEIRO
Chega a tarde… e há nostalgia
nesta angústia desmedida…
Que importa o nascer do dia?
— Tudo é tarde em minha vida!…

CLÓVIS MAIA
Tenho um medo que me pasma,
nunca vi ter medo assim;
tenho medo de um fantasma
que ronda dentro de mim…

COLBERT RANGEL COELHO
Desce o viúvo ao jazigo
e uma voz familiar
repete o sermão antigo:
— Isto é hora de chegar?

COLOMBINA
Saudade, lâmpada acesa
no altar da recordação,
onde a ternura e a tristeza
rezam a mesma oração!

CONCEIÇÃO A.C.DE ASSIS
Uma luz quase apagada…
Um sonho chegado ao fim…
Eis o pedaço do nada
que tu fizeste de mim.

CONCEIÇÃO PARREIRAS ABRITTA
Não desanime, trabalhe,
combata o mal, queira o bem…
Pois o bom, mesmo que falhe,
é sempre luz para alguém!

CRISTIANE BORGES BROTTO
Trovador é “gente” esperta
e só faz rima de artista,
põe todos de boca aberta,
mais do que eu… Que sou dentista!

CYRLÉA NEVES
Tentando explicar fracassos,
o nosso mundo anda cheio
de quem erra e cruza os braços,
jogando a culpa no alheio!…

CYROBA RITZMANN
Natal, Natal, que alegria!
Festa, presentes e luz,
jantares e – que utopia –
Só não se pensa em Jesus.

Fonte:
Parte das trovas foram selecionadas por José Ouverney
Disponível em http://www.falandodetrovas.com.br

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James Joyce (1882 – 1941)

James Augustine Aloysius Joyce (Rathgar, Irlanda, 2 de Fevereiro de 1882 – Zurique, Suíça, 13 de Janeiro de 1941) foi um escritor irlandês expatriado. É amplamente considerado um dos autores de maior relevância do século XX. Suas obras mais conhecidas são o volume de contos Dublinenses (1914) e os romances Retrato do Artista Quando Jovem (1916), Ulisses (1922) e Finnicius Revém (1939) – o que se poderia considerar um “cânone joyceano”.

Embora Joyce tenha vivido fora de seu país natal pela maior parte da vida adulta, suas experiências irlandesas são essenciais para sua obra e fornecem-lhe toda a ambientação e muito da temática. Seu universo ficcional enraíza-se fortemente em Dublin e reflete sua vida familiar e eventos, amizades e inimizades dos tempos de escola e faculdade. Desta forma, ele é ao mesmo tempo um dos mais cosmopolitas e um dos mais particularistas dos autores modernistas de língua inglesa.

Irlanda
O mais velho de dez filhos, James Joyce nasce em uma abastada família católica no subúrbio de Rathgar, em Dublin. A família de seu pai, proveniente de Cork, era de ricos comerciantes. Em 1887, o pai, John Stanislaus Joyce, antes secretário em uma destilaria, foi nomeado coletor de taxas imobiliárias pela Dublin Corporation (o Conselho Municipal); a família se muda então para o novo e elegante subúrbio de Bray. No ano seguinte, o menino começa sua educação no Clongowes Wood College, um internato no Condado de Kildare.

Em 1891, James escreveu um poema, Et Tu Healy, sobre a morte de Charles Stewart Parnell. Seu pai fê-lo imprimir e até mandou uma cópia para a biblioteca do Vaticano. Em novembro do mesmo ano, o nome John Joyce foi inscrito na Stubbs Gazette (um registro oficial de falências) e afastado do trabalho. Em 1892, James tem de sair de Clongowes pois seu pai não podia mais pagar por sua matrícula; em 1893, John foi demitido com uma pensão. Assim começou uma descida rumo à pobreza para a família, principalmente devido ao consumo de álcool por John e sua inaptidão financeira em geral. John Joyce foi o modelo para o caráter de Simon Dedalus no Retrato do Artista Quando Jovem e Ulisses, assim como do tio do narrador em diversos contos de Dublinenses.

Após Clongowes, Joyce estudou em casa e por um breve tempo na escola dos Christian Brothers na rua Richmond norte, antes que se lhe oferecesse uma vaga na escola jesuíta de Dublin, o Belvedere College, em 1893. A oferta foi feita, ao menos em parte, na esperança de que se demonstrasse que ele tinha uma vocação e se juntaria à Companhia de Jesus. Joyce, porém, rejeitou o catolicismo aos dezesseis; apesar disso, a filosofia de Tomás de Aquino permaneceria uma de suas fortes influências por toda a sua vida.

Ele se matriculou no University College Dublin em 1898. Ele estudou línguas modernas, especificamente inglês, francês e italiano. Também envolveu-se com os círculos teatrais e literários da cidade. Sua resenha do Novo Drama de Henrik Ibsen foi publicada em 1900 pela Forthnightly Review e resultou numa carta de agradecimento pelo próprio dramaturgo norueguês. Joyce escreveu alguns outros artigos e pelo menos duas peças (uma delas intitulada A Brilliant Carreer, “Uma Carreira Brilhante”; ambas desde então se perderam) durante este período. Muitas das suas amizades do University College aparecem como personagens nos livros de Joyce.

1902-4: Anos decisivos
Joyce foi a Paris pela primeira vez em 1902 para estudar medicina (à época, havia também um efervescente movimento artístico em Montparnasse e Montmartre). Em 1903, retorna à Irlanda, pois sua mãe morria de câncer. Busca manter-se como jornalista e professor particular. Em janeiro do ano seguinte, escreve Um Retrato do Artista, um ensaio-narrativa sobre estética, em um dia, mas a obra é recusada pela revista livre-pensante Dana. Em seu vigésimo-segundo aniversário, decide revisar a história e transformá-la num romance que ele planejava chamar Stephen Hero (Stephen Herói). No mesmo ano, publica seu primeiro trabalho na idade adulta: a sátira desaforada O Santo Ofício, na qual proclamava-se superior a muitos membros proeminentes da Renascença Céltica e afirma sua herança lingüística inglesa.

Ainda em 1904 ele conheceu Nora Barnacle, uma jovem do Condado de Galway, que trabalhava como camareira e viria a ser sua companheira por toda a vida. Em 16 de junho, eles saíram pela primeira vez, embora a natureza do encontro não seja conhecida com precisão; a data é comemorada na obra de Joyce, pois nela se passa Ulisses. Joyce ainda permanece em Dublin por um tempo, bebendo bastante. Vai morar com o estudante de medicina Oliver St John Gogarty, que serviu de base para a personagem Buck Mulligan em Ulisses. Depois de dormir por seis noites na Torre Martello, de Gogarty, ele sai após ambos discutirem, embebeda-se em um bordel e envolve-se numa briga, da qual é resgatado por Alfred Hunter, um conhecido de seu pai; Hunter, um judeu irlandês, fornece o modelo para Leopold Bloom, o herói de Ulisses.

Trieste
Pouco depois, ele foge com Nora. O casal parte em exílio auto-imposto, indo primeiro para Pula (hoje na Croácia) e depois Trieste (Itália), ambas então na Áustria-Hungria, para ensinar inglês na escola Berlitz. Um de seus alunos triestinos foi Ettore Schmitz; eles se conheceram em 1907, e por longo tempo foram amigos e críticos mútuos. Joyce passou a maior parte das décadas seguintes no Continente. Aí nasceriam seus filhos Giorgio (1905) e Lucia (1907; seu nome pronuncia-se à italiana, como Lutchía).

Joyce publica, em 1907, Música de Câmara (Chamber Music) (batizada, segundo ele afirmou, a partir do som de urina num penico, chamber pot) uma antologia de 36 poemas líricos curtos. A obra, inspirada na poesia do período elisabetano (i.e. autores como William Shakespeare), levou à sua inclusão na Antologia Imagista, editada por Ezra Pound, que mostraria ser como um defensor de Joyce por mais de uma década.
Em visitas a Dublin, abre o primeiro cinema da cidade, o Volta, em 1909, mas fracassa; depois, em 1912, desentende-se com um editor sobre sua nova obra, e publica contra ele, no mesmo ano, Gás de um Bico (Gas from a Burner).

A obra que Joyce queria fazer sair em sua cidade natal era Dublinenses, uma série de quinze contos sobre a cidade e a vida de seus habitantes. Os contos são uma análise penetrante da estagnação e paralisia da sociedade de Dublin. Incorporam epifanias, uma palavra usada particularmente por Joyce, que para ele significava uma súbita consciência da “alma” de algo.

Apesar de seu interesse por teatro desde a juventude, Joyce publicou apenas uma peça, Exilados, iniciada em Trieste logo após a erupção da Primeira Guerra Mundial e publicada em 1918. Um estudo da relação marido-mulher, a peça conecta-se com a obra anterior “Os Mortos” (o último conto dos Dublinenses) e com a posterior Ulisses.
Esta também foi iniciada na cidade italiana em 1914, e ainda levaria muitos anos para ser completada e publicada. Porém, começada a guerra, a permanência dos Joyce em território austro-húngaro se torna impossível, já que eram cidadãos britânicos e, portanto, inimigos. Assim, em 1915, Joyce e Nora se mudam para a neutra Suíça; após breves estadas em outras cidades, se estabelecem em Zurique.

Zurique
Eventos importantes da primeira estadia suíça de Joyce são a publicação de Exilados, a continuidade da composição de Ulisses, a primeira crise de iridite, que iria piorando sua visão ao longo das décadas, e a publicação de seu primeiro romance, Retrato do Artista Quando Jovem.

O Retrato é uma recriação completa do romance abandonado “Stephen Herói”. Autobiográfico em larga medida, o romance mostra a obtenção de maturidade e auto-consciência de um jovem inteligente. O protagonista é Stephen Dedalus, a representação joyceana de si mesmo. Neste romance, é possível vislumbrar técnicas posteriores do escritor, no uso do monólogo interior e na maior preocupação com o psíquico em relação à realidade externa. Além disso, a linguagem se desenvolve ao longo do livro, conforme o personagem cresce, amadurece e torna-se capaz de narrar seu mundo de uma maneira mais sofisticada.

Paris
Finda a guerra, Joyce retorna a Paris em 1920 onde, exceto por duas visitas à Irlanda, permaneceu pelos vinte anos seguintes. É morando na Cidade-Luz que Joyce sofre diversas operações nos olhos a partir de 1924, conclui suas duas maiores obras, obtendo amplo reconhecimento pelo Ulisses e reações diversas pelo Finnicius Revém, e torna-se uma referência para os modernistas de língua inglesa, especialmente jovens irlandeses como Samuel Beckett. É também durante este período, em 1931, que James e Nora se casam, em Londres.

Poesia
Joyce publicará, em 1927, seu segundo livro de poesia, Pomas, um Tostão Cada. Escreve também Ecce Puer, um poema escrito em 1932, sobre dois eventos próximos, a morte de seu pai e o nascimento de seu neto. Publica-os, juntamente com a demais obra poética, em Collected Poems (Poesia reunida), em 1936.

Ulisses
Em 1906, enquanto terminava Dublinenses, Joyce considerou adicionar outro conto, sobre um negociante de anúncios judeu chamado Leopold Bloom sob o título Ulisses. A história não foi escrita, mas a idéia permaneceu e, em 1914, Joyce começou a trabalhar num romance usando tanto este título quanto a premissa básica, tendo-o completo em outubro de 1921.

Graças a Ezra Pound, trechos do romance começaram a ser publicados na revista The Little Review em 1918. Esta revista era editada por Margaret Anderson e Jane Heap, com o apoio de John Quinn, um advogado de Nova York interessado em arte e literatura experimentais contemporâneas. Infelizmente, houve problemas desta serialização com a censura norte-americana, e em 1920 os editores foram condenados por publicar obscenidades, o que interrompeu a publicação serial do romance. O livro permaneceu proscrito nos EUA até 1933.

Joyce encontrou dificuldades para encontrar quem publicasse seu livro, pelo menos em parte devido a esta contrariedade. Mas a Shakespeare and Company, uma famosa livraria da Margem Esquerda parisiense, de propriedade de Sylvia Beach, publicou-o em 1922. Uma edição inglesa publicada no mesmo ano pela mecenas de Joyce Harriet Shaw Weaver encontrou novas dificuldades com autoridades estadunidenses, e 500 cópias enviadas aos EUA foram confiscadas e possivelmente destruídas. No ano seguinte, John Rodker imprimiu uma tiragem de mais 500, destinadas a substituir as cópias faltantes, mas estes livros foram queimados pela alfândega inglesa em Folkestone. Uma outra conseqüência do status legal ambíguo de Ulisses como um livro proscrito foi a aparição de várias versões “bootleg”, mais notavelmente versões piratas do editor Samuel Roth. Em 1928, conseguiu-se um mandado judicial contra Roth e ele parou a publicação.

Ulisses e a ascensão do modernismo literário
1922 foi um ano fundamental na história do modernismo na literatura de língua inglesa, com a publicação tanto de Ulisses quanto do poema The Waste Land, de T. S. Eliot. Em seu romance, Joyce utiliza-se do fluxo de consciência, da paródia, de piadas e virtualmente todas as demais técnicas literárias para apresentar seus personagens. A ação do livro, que se desenrola em um único dia, 16 de junho de 1904, situa os personagens e incidentes da Odisséia de Homero na Dublin moderna e representa Odisseu (Ulisses), Penélope e Telêmaco em Leopold Bloom, sua esposa Molly Bloom e Stephen Dedalus, cujos caracteres contrastam com seus altivos modelos, parodiando-os. O livro explora diversas áreas da vida dublinense, estendendo-se sobre sua degradação e monotonia. Ainda assim, o livro também é um estudo afeiçoadamente detalhado sobre a cidade, e Joyce afirmava que se Dublin fosse destruída por alguma catástrofe, poderia ser reconstruída tijolo por tijolo, usando como modelo sua obra. Para atingir este nível de precisão, Joyce usou uma edição de 1904 do Thom’s Directory – uma obra que listava os proprietários e/ou possuidores de cada imóvel residencial ou comercial da cidade. Ele também enxurrava amigos que ainda viviam na cidade com pedidos de informação e esclarecimentos.

O livro consiste em dezoito capítulos, cada um cobrindo aproximadamente uma hora do dia, começando por volta das 8 da manhã e terminando em algum ponto após 2 da madrugada seguinte. Cada um dos dezoito capítulos emprega seu próprio estilo literário. Cada um deles também se refere a um episódio específico da Odisséia de Homero e tem associado a si uma cor, arte ou ciência e órgão do corpo humano. Esta combinação de escrita caleidoscópica com uma estrutura extremamente formal e esquemática é uma das maiores contribuições do livro para o desenvolvimento da literatura modernista do século XX. Outras são uso da mitologia clássica como a armação para a construção do livro e o foco quase obsessivo nos detalhes exteriores num livro em que muito da ação relevante ocorre dentro das mentes dos personagens. Ainda assim, Joyce queixou-se: “talvez eu tenha supersistematizado Ulisses,” e minimizado as corrrespondências míticas pela eliminação dos títulos dos capítulos, emprestados a Homero.

Escrevendo o Finnicius Revém
Ao que parece, tendo terminado Ulisses, Joyce sofreu um período de bloqueio criativo. Em 10 de março de 1923 ele começou a trabalhar num texto que seria conhecido, inicialmente, como Work in Progress (“Obra em andamento”) e depois Finnegans Wake (Finnicius Revém, na tradução brasileira de Donaldo Schüler). Em 1926 as duas primeiras partes do livro estavam completas. Naquele ano, ele conheceu Eugène e Maria Jolas que propuseram ir publicando o trabalho em sua hoje legendária revista transition. Sem este apoio, é possível que o livro nunca fosse terminado ou publicado.

Por alguns anos depois disso, Joyce progrediu com rapidez, mas na década de 1930, desacelerou consideravelmente. Isso deveu-se a uma série de fatores, incluindo a morte de seu pai em 1931, preocupação com a saúde mental de sua filha Lucia e seus próprios problemas de saúde, incluindo a visão que ia diminuindo. Boa parte do trabalho era feito então com a ajuda de jovens admiradores, entre eles Samuel Beckett. Por alguns anos, Joyce alimentou o excêntrico plano de entregar o trabalho para ser completo por seu amigo James Stephens, baseado no fato de que Stephens nascera no mesmo hospital que Joyce, exatamente uma semana depois, e tinha o nome tanto do autor quanto de seu alter ego ficcional (este é um exemplo das numerosas superstições de Joyce).

As seções originais a aparecer em transition receberam reações diversas, incluindo comentários negativos de antigos apreciadores da obra de Joyce, como Pound e Stanislaus Joyce, irmão do autor. Como reação a esta recepção hostil, apoiadores do novo livro, entre os quais Beckett e William Carlos Williams, organizaram um livro de ensaios. Ele foi publicado em 1929 sob o título Our Exagmination Round His Factification For Incamination Of Work In Progress. Na festa de seus 57 anos na casa dos Jolas, Joyce revelou o título final da obra e em 4 de maio o Finnegans Wake é publicado como livro.

Estilo e estrutura do Finnicius Revém
O método joyceano dos fluxos de consciência, alusões literárias e livres associações oníricas foi levado até o limite em Finnicius Revém (Finnegans Wake), que abandonou todas as convenções de construção de enredo e personagem e é escrito numa linguagem peculiar e árdua, baseada principalmente em complexos trocadilhos de múltiplos níveis. Esta abordagem é similar à usada por Lewis Carroll em “Jabberwocky”, mas muito mais extensa. Se Ulisses é um dia na vida de uma cidade, o Wake é uma noite e compartilha da lógica dos sonhos. Isto fez com que “Livro Azul inutilmente ilegível, numa tradução simples”, a freqüentemente citada descrição de Ulisses no Wake, fosse aplicada por muitos leitores e críticos ao próprio Wake. Entretanto, foi-se chegando a um consenso sobre o elenco central de personagens e enredo geral.

Além do uso freqüente de neologismos e arcaísmos, muito do jogo de palavras do livro enraíza-se no uso de trocadilhos multilíngües que conectam uma gama de idiomas. O papel de Beckett e outros assistentes incluiu reunir palavras destes idiomas em cartões para Joyce usar e, à medida em que a visão do autor piorava, escrever o texto enquanto ele ditava.

A visão de história proposta neste texto sofre influência muito forte de Giambattista Vico, e a metafísica de Giordano Bruno de Nola é importante para as interrelações dos “personagens”. Vico propunha uma visão cíclica da história, na qual a civilização se erguia do caos, passava por fases teocráticas, aristocráticas e democráticas e retornava novamente ao caos. O exemplo mais óbvio da influência da filosofia cíclica da história de Vico encontra-se nas sentenças de abertura e fechamento do livro. Finnicius Revém começa com as palavras (na tradução brasileira de Donaldo Schüler): aqui, pretendo citar um trecho da tradução. Já foi feito o contato com a editora para solicitar a permissão por escrito. Em outras palavras, a primeira sentença começa na última página e a última sentença na primeira, tornando o livro um grande ciclo. Inclusive, Joyce disse que o leitor ideal do Finnicius sofreria de uma “insônia ideal” e, ao completar o livro, retornaria à página um e começaria novamente, e assim por diante num ciclo infinito de releituras. Inclusive, a tradução proposta para o título remete a fim + início, com o us no final podendo aludir a línguas como o latim e o francês, referidas também no original (fin-again, fim-de-novo).

Legado
Com a erupção da Segunda Guerra Mundial, Joyce teve de deixar Paris e por fim volveu a Zurique, quase cego, em 1940. No começo do ano seguinte, morre de úlcera duodenal perfurada e peritonite generalizada, durante uma operação para salvar sua vida . Está enterrado no Cemitério de Fluntern, naquela cidade, junto com Nora.

A obra de Joyce foi submetida a pesquisas intensas por estudiosos de todos os tipos, e ele é um dos autores mais notáveis do século XX. Também foi influência importante para autores tão diversos quanto Beckett, Jorge Luis Borges, Flann O’Brien, Máirtín Ó Cadhain, Salman Rushdie, Thomas Pynchon, William Burroughs e muitos outros.

A influência de Joyce também se faz sentir em campos alheios à literatura. A frase “Three Quarks for Muster Mark”, no Finnicius Revém, é a fonte para a palavra quark, na Física, que designa um dos muitos tipos de partícula elementar. O nome foi proposto pelo físico Murray Gell-Mann. O filósofo francês Jacques Derrida publicou um livro sobre o uso da linguagem em Ulisses, e o filósofo americano Donald Davidson fez o mesmo com o Finnicius Revém, comparando-o com Lewis Carroll.

Celebra-se anualmente a vida de Joyce no dia 16 de junho, o Bloomsday, em Dublin e num número cada vez maior de cidades ao redor do mundo. Em 2004, a capital irlandesa realizou o festival Bloomsday 100, que durou cinco meses (de abril a agosto) e se propunha a reaproximar a cidade e a obra de seu estimado filho. Um dos maiores eventos foi um café da manhã para milhares de pessoas na O’Connell Street, a principal da cidade.

Obra
Música de Câmara (1907)
Dublinenses (1914)
Retrato do Artista Quando Jovem (1916)
Exilados (1918)
Ulisses (1922)
Pomas, um Tostão Cada (1927)
Finnegans Wake (1939)

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Paulo Leminski (1944 – 1989)


(Curitiba, 24 de agosto de 1944 — Curitiba, 7 de junho de 1989) foi um escritor, poeta, tradutor e professor brasileiro.

Biografia

Filho de Paulo Leminski e Áurea Pereira Mendes. Mestiço de pai polaco com mãe negra, Paulo Leminski Filho sempre chamou a atenção por sua intelectualidade, cultura e genialidade. Estava sempre à beira de uma explosão e assim produziu muito. É dono de uma extensa e relevante obra. Desde muito cedo, Leminski inventou um jeito próprio de escrever poesia, preferindo poemas breves, muitas vezes fazendo haicais, trocadilhos, ou brincando com ditados populares.

Em 1958, aos catorze anos, foi para o Mosteiro de São Bento em São Paulo e lá ficou o ano inteiro.

Participou do I Congresso Brasileiro de Poesia de Vanguarda em Belo Horizonte onde conheceu Haroldo de Campos, amigo e parceiro em várias obras. Leminski casou-se, aos dezessete anos, com a desenhista e artista plástica Neiva Maria de Sousa (da qual se separou em 1968).

Estreou em 1964 com cinco poemas na revista Invenção, dirigida por Décio Pignatari, em São Paulo, porta-voz da poesia concreta paulista.

Em 1965, tornou-se professor de História e de Redação em cursos pré-vestibulares, e também era professor de judô.

Classificado em 1966 em primeiro lugar no II Concurso Popular de Poesia Moderna.

Casou-se em 1968 com a também poeta Alice Ruiz, com quem ficou casado por vinte anos. Algum tempo depois de começarem a namorar, Leminski e Alice foram morar com a primeira mulher do poeta e seu namorado, em uma espécie de comunidade hippie. Ficaram lá por mais de um ano, e só saíram com a chegada do primeiro de seus três filhos: Miguel Ângelo (que morreu com dez anos de idade, vítima de um linfoma). Eles também tiveram duas meninas, Áurea (homenagem a sua mãe) e Estrela.

De 1969 a 1970 decidiu morar no Rio de Janeiro, retornando a Curitiba para se tornar diretor de criação e redator publicitário.

Dentre suas atividades, criou habilidade de letrista e músico. Sua primeira letra foi Verdura, de 1981, cantada por Caetano Veloso no disco Outras Palavras. A própria bossa nova resulta, em partes iguais, da evolução normal da MPB e do feliz acidente de ter o modernismo criado uma linguagem poética, capaz de se associar com suas letras mais maleáveis e enganadoramente ingênuas às tendências de então da música popular internacional. A jovem guarda e o tropicalismo, à sua maneira, atualizariam esse processo ao operar com outras correntes musicais e poéticas. Por sua formação intelectual, Leminski é visto por muitos como um poeta de vanguarda, todavia por ter aderido à contracultura e ter publicado em revistas alternativas, muitos o aproximam da geração de poetas marginais que, embora ele jamais tenha sido próximos de poetas como Francisco Alvim, Ana Cristina César ou Cacaso. Por sua vez, em muitas ocasiões declarou sua admiração por Torquato Neto, poeta tropicalista e que antecipou muito da estética da década de 1970.

Na década de 1970, teve poemas e textos publicados em diversas revistas – como Corpo Estranho, Muda Código (editadas por Régis Bonvicino) e Raposa. Em 1975 – e lançou o seu ousado Catatau, que denominou “prosa experimental”, em edição particular. Além de poeta e prosista, Leminski era também tradutor (traduziu para o castelhano e o inglês alguns trechos de sua obra Catatau, o qual foi traduzido na íntegra para o castelhano).
Na poesia de Paulo Leminski, por exemplo, a influência da MPB é tão clara que o poeta paranaense só poderia mesmo tê-la reconhecido escrevendo belas letras de música, como “Verdura”:

Músico e letrista, Leminski fez parcerias com Caetano Veloso e o grupo A Cor do Som entre 1970 e 1989.Teve influência da poesia de Augusto de Campos, Décio Pignatari, Haroldo de Campos, convivência com Régis Bonvicino, Caetano Veloso, Gilberto Gil, Moraes Moreira, Itamar Assumpção, José Miguel Wisnik, Arnaldo Antunes, Wally Salomão, Antônio Cícero, Antonio Risério, Julio Plaza, Reinaldo Jardim, Regina Silveira, Helena Kolody, Turiba.

A música estava ligada às obras de Paulo Leminski, uma de suas paixões, proporcionando uma discografia rica e variada.

Entre 1984 e 1986, em Curitiba, foi tradutor de Alfred Jarry, James Joyce, John Fante, John Lennon, Samuel Beckett e Yukio Mishima.

Publicou o livro infanto-juvenil ‘’Guerra dentro da gente’’, em 1986 em São Paulo.

Entre 1987 e 1989 foi colunista do Jornal de Vanguarda que era apresentado por Doris Giesse na Rede Bandeirantes;

Paulo Leminski foi um estudioso da língua e cultura japonesas e publicou em 1983 uma biografia de Bashô. Além de um grande escritor, Leminski também era faixa-preta de judô. Sua obra literária tem exercido marcante influência em todos os movimentos poéticos dos últimos 20 anos.

Obra poética
– Quarenta clics de Curitiba. Poesia e fotografia, com o fotógrafo Jack Pires.
– Curitiba, Etecetera, 1976. (2ª edição Secretaria de Estado Cultura, Curitiba, 1990.) n.p.
Polonaises. Curitiba, Ed. do Autor, 1980. n.p.
– Não fosse isso e era menos/ não fosse tanto e era quase. Curitiba, Zap, 1980. n.p.
– Tripas. Curitiba, Ed. do Autor, 1980.
– Caprichos e relaxos. São Paulo, Brasiliense, 1983. 154p.
e Ruiz, Alice. Hai Tropikais. Ouro Preto, Fundo Cultural de Ouro Preto, 1985. n.p.
– Um milhão de coisas. São Paulo, Brasiliense, 1985. 6p.
– Caprichos e relaxos. São Paulo, Círculo do Livro, 1987. 154p.
– Distraídos venceremos. São Paulo, Brasiliense, 1987. 133p. (5ª edição 1995)
– La vie en close. São Paulo, Brasiliense, 1991.
– Winterverno (com desenhos de João Virmond). Fundação Cultural de Curitiba, Curitiba, 1994. (2ª edição publicada pela Iluminuras, 2001. 80p.)
– Szórakozott Gyozelmunk (Nossa Senhora Distraída) – Distraídos venceremos, tradução de Zoltán Egressy, Coletânea organizada por Pál Ferenc. Hungria, ed. Kráter, 1994. n.p.
– O ex-estranho. Iluminuras, São Paulo, 1996.
– Melhores poemas de Paulo Leminski. (seleção Fréd Góes) Global, São Paulo, 1996.
– Aviso aos náufragos. Coletânea organizada e traduzida por Rodolfo Mata. Coyoacán – México, Eldorado Ediciones, 1997. n.p.

Obra em prosa
– Catatau (prosa experimental). Curitiba, Ed. do Autor, 1975. 213p.
– Agora é que são elas (romance). São Paulo, Brasiliense, 1984.1 63p.
– Catatau. 2ª ed. Porto Alegre, Sulina, 1989. 230p.
– Metaformose, uma viagem pelo imaginário grego (prosa poética/ensaio). Iluminuras, São Paulo, 1994. (Prêmio Jabuti de poesia , 1995)
– Descartes com lentes (conto). Col. Buquinista, Fundação Cultural de Curitiba, Curitiba, 1995. • – Agora é que são elas (romance). 2ª ed. Brasiliense / Fundação Cultural de Curitiba, 1999.

Biografias
– Cruz e Souza. São Paulo, Brasiliense. 1985. 78p.
– Matsuó Bashô. São Paulo, Brasiliense, 1983. 78p.
– Jesus. São Paulo, Brasiliense, 1984, 119p.
– Trotski: a paixão segundo a revolução. São Paulo, Brasiliense, 1986.
– Vida (biografias: Cruz e Souza, Bashô, Jesus e Trótski). Sulina, Porto Alegre, 1990. (2ª edição 1998)

ENSAIOS
– POE, Edgar Allan. O corvo. São Paulo, Expressão, 1986. 80p. (apêndice)
– Poesia paixão da linguagem. Conferência incluída em Sentidos da paixão. Rio de Janeiro, Companhia das Letras, 1987. p.287-305.
– Nossa linguagem. In: Revista Leite Quente. Ensaio e direção. Curitiba, Fundação Cultural de Curitiba, v.1, n.1, mar.1989.
– Anseios crípticos (anseios teóricos): peripécias de um investigador dos sentido no torvelinho das formas e das idéias. Curitiba, Criar, 1986. 143p.
– Metaformose, uma viagem pelo imaginário grego (prosa poética/ensaio). Iluminuras, São Paulo, 1994. (Prêmio Jabuti de poesia , 1995) •
– Ensaios e anseios crípticos. Curitiba, Pólo Editorial, 1997. n.p.

Traduções
FANTE, John. Pergunte ao pó. São Paulo, Brasiliense, 1984.
FERLINGHETTI, Lawrence. Vida sem fim (com Nelson Ascher e outros tradutores). São Paulo, Brasiliense, 1984. n.p.
JARRY, Alfred. O supermacho; romance moderno. São Paulo, Brasiliense, 1985. 135p. lndição editorial, posfácio e tradução do francês.
JOYCE, James. Giacomo Joyce. São Paulo, Brasiliense, 1985. 94p. Edição bilingüe, tradução e posfácio.
LENNON, John. Um atrapalho no trabalho. São Paulo, Brasiliense, 1985.
MISHIMA, Yukio. Sol e aço. São Paulo, Brasiliense, 1985.
PETRONIO. Satyricon. São Paulo, Brasiliense, 1985.191 p. Traducão do latim.
BECKETT, Samuel. Malone Morre. São Paulo, Brasiliense, 1986.16Op. lndicação editorial, posfácio e traduções do francês e inglês.
– Fogo e água na terra dos deuses. Poesia egípcia antiga. São Paulo, Expresão, 1987. n.p.

Produção musical
1981- Verdura – Caetano Veloso no disco Outras palavras
1981- Mudança de estação -A cor do Som no disco Mudança de estação
1981- Valeu – Paulinho Boca de Cantor no disco Valeu
1982- Se houver céu – Paulinho Boca de Cantor no disco Prazer de viver
1982- Razão – A Cor do Som no disco Magia tropical
1990- Verdura – Blindagem no disco Blindagem
1990- Se houver céu – Blindagem no disco Blindagem
1993- Mãos ao alto – Edvaldo Santana no disco Lobo solitário
1994- Luzes – Susana Sales no disco Susana Sales
1996- Mudança de estação – A cor do Som no disco Ao vivo no circo

GRAVAÇÕES EM PARCERIA (Letras de Paulo Leminski e música dos parceiros)
1976- Festa Feira – com Celso Loch no disco MAPA – Movimento de Atuação Paiol
1982- Promessas demais – com Moraes Moreira e Zeca Barreto, gravação por Ney Matogrosso
1982- Baile no meu coração – com Moraes Moreira no disco COISA ACESA
1982- Decote Pronunciado – com Moraes Moreira e Pepeu Gomes no disco COISA ACESA
1982- Pernambuco Meu – com Moraes Moreira no disco COISA ACESA
1983- Sempre Ângela – com Moraes Moreira e Fred Góes no disco SEMPRE ANGÊLA de Ângela Maria
1983- Teu Cabelo – com Moraes Moreira no disco PINTANDO O 8
1983- Oxalá – com Moraes Moreira no disco PINTANDO O 8
1984- Mancha de Dendê não sai – com Moraes Moreira no disco MANCHA DE DENDÊ NÃO SAI
1984- Milongueira da Serra Pelada, O Prazer do Poder, Circo Pirado, Xixi nas estrelas, Cadê Vocês?, Coração de Vidro, Frevo Palhaço, Viva a Vitamina com Guilherme Arantes no disco PIRLIMPIMPIM 2
1985- Alma de Guitarra – com Moraes Moreira no disco TOCANDO A VIDA
1985- Vamos Nessa – com Itamar Assumpção no disco SAMPA MIDNIGHT
1986- Desejos Manifestos – com Moraes Moreira e Zeca Barreto no disco MESTIÇO É ISSO
1986- Morena Absoluta – com Moraes Moreira no disco MESTIÇO É ISSO
1988- UTI – com Arnaldo Antunes, gravado por Clínica no disco CLÍNICA
1990- Oração de um Suicida -com Pedro Leminski, Blindagem no disco BLINDAGEM
1990- Sou legal eu sei – com Ivo Rodrigues no disco BLINDAGEM
1990- Não posso ver – com Ivo Rodrigues no disco BLINDAGEM
1990- Palavras – com Ivo Rodrigues no disco BLINDAGEM
1990- Hoje – com Ivo Rodrigues no disco BLINDAGEM
1990- Marinheiro – com Ivo Rodrigues no disco BLINDAGEM
1990- Quanto tempo mais – com Ivo Rodrigues no disco BLINDAGEM
1990- Legião de anjos – com Ivo Rodrigues no disco BLINDAGEM
1991- Lêda – com Moraes Moreira no disco CIDADÃO
1991- Morena Absoluta – com Moraes Moreira no disco OPTIMUN IN HABBEAS COPPUS
1992- Polonaise – com José Miguel Wisnik no disco JOSÉ MIGUEL WISNIK
1992- Subir Mais – com José Miguel Wisnik no disco JOSÉ MIGUEL WISNIK
1993- Alles Plastik – com Carlos Careqa no disco TODOS OS HOMENS SÃO IGUAIS
1993- Freguês Distinto – com Edvaldo Santana no disco LOBO SOLITÁRIO
1993- Custa nada sonhar – com Itamar Assumpção no disco BICHO DE 7 CABEÇAS
1994- Polonaise – com José Miguel Wisnik na trilha sonora do filme ED MORT
1995- O Deus – com Edvaldo Santana e Ademir Assunção no disco TÁ ASSUSTADO? de Edvaldo Santana
1996- Filho de Santa Maria – com Itamar Assumpção, gravado por Zizi Possi no disco MAIS SIMPLES
1996- ODE X – com Marcelo Solla no disco Marcelo Solla
1997- Lua no Cinema – com Eliakin Rufino no disco SANSARA da Sansara
1997- Lêda – com Moraes Moreira no disco 50 CARNAVAIS
1997- Mancha de dendê não sai – com Moraes Moreira no disco 50 CARNAVAIS
1997- Parece que foi ontem – com Bernardo Pelegrini no disco QUERO SEU ENDEREÇO da banda Bernardo o bando do cão sem dono.
1997- Filho de Santa Maria – com Itamar Assunção no disco QUERO SEU ENDEREÇO da banda Bernardo e o #ando do cão sem dono.
1998- Legião de Anjos – com Ivo Rodrigues no disco DIAS INCERTOS
1998- Rapidamente – com Ivo Rodrigues no disco DIAS INCERTOS
1998- Filho de Santa Maria – com Itamar Assumpção, Beco no disco BECO
1998- V. de Viagem – com Beco no disco BECO
1998- Peso da Lua – com Beco no disco BECO
1998- Coisas – com Celso Loch no disco VERFREMDUNGSEFFEKT BLUES
1998- Além Alma – com Arnaldo Antunes no disco UM SOM
1998- Dor Elegante – com Itamar Assumpção no disco PRETOBRÁS
1999- Perdendo Tempo – com Thadeu / Roberto Prado / Walmor Douglas na trilha sonora do filme BAR BABEL da banda Maxixe Machine

Literatura infanto-juvenil
– Guerra dentro da gente. São Paulo, Scipione, 1986. 64p.
– A lua foi ao cinema. São Paulo, Pau Brasil, 1989. n.p.

PROFISSÃO DE DEUS

quando chove,
eu chovo,
faz sol,
eu faço,
de noite,
anoiteço,
tem deus,
eu rezo,
não tem,
esqueço,
chove de novo,
de novo, chovo,
assobio no vento,
daqui me vejo,
lá vou eu,
gesto no movimento

UM BOM POEMA

um bom poema
leva anos
cinco jogando bola,
mais cinco estudando sânscrito,
seis carregando pedra,
nove namorando a vizinha,
sete levando porrada,
quatro andando sozinho,
três mudando de cidade,
dez trocando de assunto,
uma eternidade, eu e você,
caminhando junto

UM HOMEM COM UMA DOR

um homem com uma dor
é muito mais elegante
caminha assim de lado
como se chegasse atrasado
andasse mais adiante

carrega o peso da dor
como se portasse medalhas
uma coroa um milhão de dólares
ou coisa que os valha

ópios édens analgésicos
não me toquem nessa dor
ela é tudo que me sobra
sofrer, vai ser minha última obra

Fontes:

pt.wikipedia.com

www.geocities.com/tampo_8/poesia/leminski-dor.html

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William Blake (1757 – 1827)

William Blake nasceu em Londres em 1757, onde viveu praticamente quase toda a sua vida, morrendo em 1827. Filho de um comerciante rico, desde criança gostava de ler e desenhar. Aos dez anos de idade, foi enviado à escola de desenho e, aos quatorze anos, tornou-se aprendiz do famoso gravador James Basire. Dois anos depois, Blake começou a estudar e desenhar as igrejas de Londres, particularmente Abadia de Westminster cuja estilo gótico grandioso impressionou e o fascinou muito.

William Blake foi o primeiro dos grandes poetas românticos ingleses, como também pintor, impressor, e um dos maiores gravadores da história inglesa. Suas imagens incluem o poeta do século 17, John Milton, descendo dos céus na forma de um cometa e caindo sobre o teto do pintor.

William Blake como tinha estado escrevendo poesia desde os onze anos, teve seus poemas impressos, em 1792, sob o título de ” Poetical Sketches “.

Os poemas eram expressão espontânea de um gênio original e visto como um prodígio. A métrica empregada por ele recorre em grande parte ao verso em branco que era uma característica criativa da era Elizabetana.

A partir de 1784, Blake começa a publicar vários de seus poemas: Song of Innocence” e ” The Book of Thel ” que foi seguido brevemente por ” The Marriage of Heaven and Hell “. Os livros eram todos gravados e impressos por ele com auxílio da esposa.

Blake foi um rebelde toda a vida; uma voz solitária contra a marcha da ciência e da razão. Talvez por isso tenha sido visto por seus contemporâneos como um lunático e tenha desfrutado de pouco sucesso quando vivo. Ele falava com anjos nas árvores e uma vez foi encontrado no jardim com sua mulher, ambos nus, brincando de Adão e Eva.

Ao longo de toda a sua vida, William Blake foi incomodado pela pobreza, sendo amenizada por alguns amigos. Reclamou sobre a falta de reconhecimento de seu trabalho, mas percebeu logo que não estava só.

A partir de 1794 dedicou-se a trabalhos mais poéticos e, entre eles, ” The Gates of Paradise ” e ” Song of Experience “. Ilustrava com aquarelas seus poemas e trabalhos de amigos.

A maioria das pinturas de Blake (como “The Ancient of Days” sobre a fachada para a Europe: a Prophecy ) é de fato impressões feitas de pratos de cobre que ele cauterizou em um método ele escreveu Ter sido revelado a ele em um sonho. Ele e a esposa coloriram estas impressões com cores de água. Assim cada impressão é uma obra de arte sem igual.

Blake freqüentemente é chamado de místico, mas isto não é realmente preciso. Ele escreveu deliberadamente no estilo dos profetas hebreus e escritores apocalípticos. Ele pressentiu que seus trabalhos eram como expressões de profecias, enquanto seguia nos passos de Milton. Na realidade, ele acreditou claramente que foi a incorporação viva do espírito de Milton.

Aos 67 anos William Blake começou os desenhos para o ” Inferno ” da Divina Comédia de Dante, e foi tão dedicado que aprendeu o italiano para aprofundar melhor no universo de Dante; trabalhando nestes desenhos até os últimos dias de sua vida.

O trabalho de Blake é a maioria das vezes analisado e julgado sob óticas pequenas. Mas os seus escritos iluminados e gravuras são todos, polegadas em tamanho, contudo, quando estudado, são detalhes meticulosos usados por ele, cada trabalho é visto como uma parte de um todo titânico, de um gênio.

A Importância de William Blake para o Mundo Moderno

William Blake viveu o final do décimo oitavo século e o início do décimo nono, era um poeta profundamente ativo, em grande parte, responsável por provocar o movimento Romântico em poesia; alcançando resultados notáveis com os meios mais simples; restabeleceu a musicalidade do idioma inglês.

A pesquisa de William Blake e a sua introspeção na mente humana e alma resultou em seu íntimo o que se chamou mais tarde de ” O Colombo da psique, ” e porque nenhum poeta existiu para descrever o que ele descobriu nas viagens interiores. Blake criou sua própria mitologia para descrever o que ele achou em sua alma. Ele era poeta realizado, pintor, e gravador.

Além todas essas realizações, Blake era um crítico social do próprio tempo e se considerou um profeta de tempos por vir. Toda sua poesia foi escrita como se estivesse a ponto de ter o impacto social imediato de um tempo novo.

Blake viveu durante um tempo de intensa mudança social. A Revolução americana, a Revolução francesa, e a Revolução Industrial aconteceram durante sua vida. Estas mudanças deram para Blake uma chance para ver um das fases mais dramáticas na transformação do mundo Ocidental de uma sociedade um pouco feudal, agrícola para uma sociedade industrial onde os filósofos e os pensadores políticos como Locke, Franklin, e Paine proclamaram os direitos do indivíduo. Algumas destas mudanças tiveram a aprovação de Blake, outras não.

Um exemplo da desaprovação de Blake de mudanças que aconteceram no seu tempo entra no poema “London” da obra: Songs of Experience. Em ” London “, que foi descrito como resumindo muitas implicações de Songs of Experience, Blake descreve as aflições da Revolução Industrial.

Um exemplo:
O narrador em “London” descreve o rio e as ruas da cidade londrina como controlada por interesses comerciais; referindo-se “mind-forged manacles“; Blake relaciona que a face de todo homem contém ” Marcas de fraqueza, marcas de aflição “; e ele discute o “every cry of every Man” e “every Infant’s cry of fear.” Blake conecta matrimônio e morte recorrendo a um “carro funerário” e descreve isto como “destruído com pestilência”. Ele também fala sobre “o suspiro “do Soldado infeliz e a maldição “da” Meretriz jovem e descreve “enegrecendo Igrejas” e palácios que escorrem em sangue ( “London“).

Em “London“, e muitos dos outros trabalhos, Blake que lida com um tema semelhante, particularmente esses das Songs of Experience, golpeiam um nervo particular para esses homens que estão vivendo em uma sociedade onde o custo de vida comparada com renda é continuamente crescente. Os poemas dessa fase ressonam para uma geração que tem que lidar com problemas de população exponencialmente crescente e com rapidamente demandas crescentes em nossas instalações de imigração e recursos. Eles golpeiam uma corda especial com uma nação que, devido aos problemas acima mencionado, a elevação de crime violento, e outras considerações, está se dessensibilizando rapidamente às “marcas de fraqueza, marcas de aflição” que nós estamos ficando acostumados a ver nas faces de todos transeuntes.

Blake aprovou algumas das medidas que os indivíduos e sociedades levaram ganhar e manter liberdade individual. Era liberal em políticas, sensível às medidas opressivas do governo e favoravelmente inspirado pela Guerra Revolucionária americana e a Revolução francesa. Blake escreveu muitas coisas positivas e apreciativas sobre o pensador político americano revolucionário Thomas Paine.

Blake também aderiu muitas outras noções com que nós estamos agora familiarizados. Por exemplo, em Jerusalem, Blake propõe a Fraternidade de Homem como a única solução para os problemas do mundo, individual e internacional. De acordo com Blake, nós somos todos os irmãos porque nós somos todos os filhos do Pai, e todos têm o Jesus (que simboliza freqüentemente Imaginação, Humanidade, e a fonte de tudo para Blake) em nós.

As visões de Blake em religião também são particularmente pertinentes para o mundo moderno. Blake substituiu o ateísmo árido ou deísmo tépido do enciclopedistas e seus discípulos com uma religião pessoal. Além de rejeitar ” ateísmo ” árido e ” deísmo tépido, ” Blake atacou também religião convencional.

Em The Marriage of Heaven and Hell escreveu sobre as religiões ” são construídas Prisões com pedras de Lei, Bordéis com tijolos de Religião ” e ” Como a lagarta escolhe as folhas para botar os ovos, assim o padre põe a maldição dele nas alegrias “. Em lugar de aceitar uma religião tradicional de uma igreja organizada, Blake projetou sua própria mitologia (baseada principalmente na Bíblia e na mitologia grega).

A religião pessoal de Blake era sua procura do Everlasting Gospel que ele acreditava, como escreveu: ” todos tiveram um idioma e uma religião originalmente. A religião de Blake era baseada na alegria do homem que ele acreditava ser Deus glorificado. Um das objeções mais fortes de Blake para o Cristianismo ortodoxo é que a doutrina encoraja a supressão de desejos naturais e desencoraja alegria terrestre; em A Vision of the Last Judgement, diz Blake que ” não são admitidos os Homens no Céu porque eles governam suas Paixões“.

A última linha do poema épico inacabado dele The Four Zoas é “as Religiões escuras são passadas e doce a Ciência reina .

Há inúmeras semelhanças entre nosso tempo e o de Blake. Ele teve a Revolução Industrial; nós estamos vivendo na idade da Revolução de Informação.

Blake viveu num tempo quando capitalistas da classe alta gananciosos exploraram a classe de trabalhadores para lucro pessoal, a coisa em nosso tempo se dá não como um grupo de pessoas, mas uma nação explorando outra.

Blake viveu em uma idade onde Deísmo, uma fé que negou qualquer possibilidade de experiência direta com Deus, tinha capturado as mentes das pessoas mais inteligentes; nós vivemos em uma idade de dúvida, enquanto procurando, rejeição de religião dogmática tradicional, e ciência sem experiência, a mística avança muitas vezes sem ética alguma.

Certamente as visões e os poemas de William Blake, não pertencem há um tempo passado, mas mergulham no futuro, na mitologia pessoal de cada um de nós, em busca de uma resposta para o nosso existir: O que fazemos aqui, no terceiro planeta de um pequeno sistema solar, num canto de um galáxia quase imperceptível no universo? A resposta, como queria William Blake: pode estar dentro de nós mesmos.

Fonte:
pt.wikipedia.com

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O Trovador em Versos Diversos (Luiz Otávio)

QUEM FOI O TROVADOR LUIZ OTÁVIO?
por Carolina Ramos

O POETA

Gilson de Castro nasceu a 18 de julho de 1916, no Rio de Janeiro. Luiz Otávio foi o pseudônimo que ele adotou para assinar suas trovas, poesias e outras manifestações de seu talento literário. Era cirurgião-dentista, profissão que exerceu no Rio de Janeiro, onde se formou e mais tarde se transferindo para Santos no final de sua vida.

Começou a enviar seus versos para os jornais e revistas lá por 1938, ainda timidamente, oculto sob pseudônimo. Não pretendia misturar a vida literária com a profissional. As principais revistas e jornais da época começaram a divulgar poesias e principalmente trovas de Luiz Otávio, que podiam ser encontradas no “Correio da Manhã”, “Vida Doméstica”, “Fon-Fon”, “O Malho”, “Jornal das Moças”, revistas que, como “O Cruzeiro”, eram as mais lidas dos anos 1939, 40 e 41, etc. A revista “Alterosa” de Belo Horizonte, também o divulgou. Pouco a pouco, a Trova tomou conta do coração do poeta, assumindo Literalmente papel de Liderança na sua vida. E ele confessa:

A Trova tomou-me inteiro,
tão amada e repetida,
que agora traça o roteiro
das horas da minha vida!…

Para a ascensão da Trova na vida de Luiz Otávio, muito contribuiu sua amizade com Adelmar Tavares. Quem os aproximou foi o consagrado poeta A. J Pereira da Silva. Recuperava-se Luiz Otávio na Fazenda Manga Larga em Pati de Alferes, quando teve oportunidade de conhecer esse renomado poeta, da Academia Brasileira de Letras, com quem iniciou amizade edificante, solidificada pela Poesia; amizade que se estendeu até os derradeiros dias de A. J. Pereira da Silva que, naquele tempo, já passava dos sessenta, enquanto Luiz Otávio não galgara ainda o vigésimo segundo degrau de sua sofrida existência. Isto não perturbou as horas deliciosas de conversa amena e espiritualizada, em que a fina sensibilidade de ambos fazia desaparecer a diferença de idade, provando que um coração capaz de vibrar “de amor” e pulsar em ritmo de poesia, simplesmente não tem idade.

A viúva do acadêmico Antônio Joaquim Pereira da Silva, doaria posteriormente, a preciosa Biblioteca do poeta ao seu particular amigo, Luiz Otávio, que, por sua vez, ao transferir residência para Santos, em 1973, doou parte desse valioso acervo, juntamente com livros de sua própria estante – num total de mil exemplares devidamente catalogados – à Academia Santista de Letras, que só então teve formada sua Biblioteca. Na época, a A.S.L. era presidida pelo Dr. Raul Ribeiro Florido que se responsabilizou pelo transporte Rio-Santos. Com esta doação, Luiz Otávio não pretendia nada para si, como deixou bem claro em carta, (era de conhecimento geral sua quase aversão às Academias, em virtude do próprio temperamento). Mas pediu, por uma questão de justiça, que numa das estantes fosse colocada uma placa que levasse o nome de A. J Pereira da Silva. Luiz Otávio recebeu um carinhoso oficio de agradecimento do então Presidente da Academia. O atual Presidente, Dr. Nilo Entholzer. Ferreira, trovador de méritos, comprometeu-se a cumprir essa cláusula. Como já dito, A. J. Pereira da Silva foi quem levou Luiz Otávio até Adelmar Tavares, também da Academia Brasileira de Letras, em visita à sua casa, em Copacabana. Corria o ano de 1939. Adelmar Tavares sentia a idade pesar-lhe nos ombros, e, mais uma vez, um jovem poeta e um velho e consagrado mestre da Poesia uniam-se por laços afetivos dos mais duradouros. A principal responsável por essa união foi a Trova, que Adelmar Tavares cultivava e da qual Dr. Gilson de Castro já era profundo apaixonado, trazendo-a para o público sob o Pseudônimo, agora definitivamente adotado.

Luiz Otávio. Luiz, por ser bonito, melodioso, e combinar com Octávio, o nome do Pai, a quem, homenageava. Para atualizar o nome, o c foi cortado em acordo às regras ortográficas vigentes. A Poesia de Luiz Otávio ganhava espaço. Jornais de outros estados o acolhiam em suas páginas, tinha ao seu dispor colunas literárias de crítica poética, onde comentava livros, publicava trovas, poesias e arrebanhava fãs e admiradores de todas as idades. Daí ai constituir-se Líder de um Movimento Trovadoresco, era questão de um passo, muito embora isto viesse acontecer sem procura. Idealista, lírico, por excelência, com um profundo senso de organização, Luiz Otávio acumulava ainda outras qualidades indispensáveis ao “verdadeiro Líder”, seja lá do que for. Era simples, honesto, e sabia convencer sem forçar. Embora convicto e determinado, sabia humildemente ceder, se preciso fosse. Se persuadido da necessidade de uma renúncia, cedia, sim, porém, não facilmente, mesmo porque antes de propor algo, o fazia convicto de que aquilo era o certo, respondendo de antemão a todos os possíveis apartes – o que de certo modo desarmava, a priori, o opositor. Era bom, afável e acima de tudo, profundamente carismático. Um verdadeiro Príncipe!

O TROVADOR

Era, portanto, o campo fecundo onde a semente da Trova encontrou chão propício para deitar raízes, expandindo sua opulência por todo território nacional. O ritmo da Trova que embalava seus ouvidos desde os tempos de escoteiro, cresceu com ele, ganhando melodia ao som do violão de Glauco Vianna, mais tarde pertencente ao “Bando dos Tangarás”, seu colega de faculdade e de noitadas de seresta.

FINAL

Luiz Otávio sempre gostou de cantar e compor embora não conhecesse música. Aloysio de Oliveira, outro companheiro, também possuidor de um bom timbre vocálico, iria pertencer, no futuro, ao Bando da Lua, que tanto sucesso fez na terra de Tio Sam ao lado de Carmen Miranda. A influência destes dois amigos foi grande na iniciação poética de Luiz Otávio. Glauco tocava, Aloysio cantava e Luiz Otávio não apenas cantava como também compunha letras e músicas de canções, sambas, fox-trotes, valsas, etc. e continuou cantando e compondo até o final dos seus dias. Nascia o “Trovador” – assim carinhosamente chamado, já naquele tempo, antes mesmo do seu ingresso definitivo no Mundo da Trova.

Cada quadrinha que faço
em hora calma ou incalma,
é pequenino pedaço
que eu mesmo furto a minha alma.

Ó trovas – simples quadrinhas
que tem sempre um que de novo…
– Como podem quatro linhas
trazer toda a alma de um povo?!

Uma trova pequenina,
tão modesta, tão sem glória,
bem pouca gente imagina,
que também tem sua história.

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Nobel de Literatura 2001 – 2007

2007

Doris May Tayler, a Doris Lessing
(1919 – )

Escritora britânica nascida em Kermanshah, na Pérsia, atual Irã, que aos 87 anos tornou-se a pessoa mais velha a receber o Prêmio Nobel de Literatura (2007) e a 11ª mulher a ser agraciada com o prêmio, por transmitir a experiência épica feminina, que descreveu com ceticismo, paixão e força visionária a divisão da civilização. Filha de Alfred Cook Taylor, capitão da British Army durante a I Guerra Mundial, e da enfermeira britânica Emily Maude Taylor, mudou-se para a Rodésia do Sul, hoje Zimbábue, o que influenciou profundamente sua literatura, na qual discute tensões interraciais, violência contra crianças e movimentos feministas.

Teve uma infância pressionada pelo rigor puritano de sua mãe que impunha um severo sistema de criação, obcecada por criar uma filha que fosse uma dama. Aos sete anos foi internada em um colégio de freiras, onde ela vivia aterrorizada por ameaças e histórias sobre o inferno. Depois foi mandada para um colégio só de meninas, em Salisbury, mas abandonou-o rapidamente e aos 14 anos interrompeu sua educação formal e passou e ser autodidata. Aos 15, saiu de casa e arrumou um emprego como enfermeira, telefonista, secretária, estenógrafa e jornalista, enquanto lia livros sobre política e sociologia e escrevia pequenas histórias.

Casou duas vezes e teve três filhos. O primeiro casamento (1939-1943) foi com FrankCharles Wisdom, com quem teve um casal de filhos, John e Jean. Divorciada, fez um segundo (1945-1949) com Gottfried Lessing, que foi embaixador de Uganda e com quem teve um filho, Peter.

Divorciada novamente, passou a viver na Inglaterra (1949) com o filho Peter, onde publicou seu primeiro romance, The grass is singing, lançado em Londres (1949). Foi membro do British Communist Party (1952 /1956), onde lutou ativamente contra as armas atômicas. Seu compromisso político a levou a criticar abertamente os governos racistas de Rodésia e da África do Sul, sendo impedida de entrar nesses países (1956-1995). Também lançou livros de poesias e contos, além de volumes de ficção especialmente histórias em que naves espaciais colonizavam planetas distantes. The golden notebook (1962), foi o romance que a tornou famosa e depois consolidou sua fama com uma série de títulos de temática africana. Sua última obra publicada foi The cleft (2007). O prêmio valeu para a laureada uma medalha de ouro, um diploma e um cheque de 10 milhões de coroas suecas, cerca de 1,08 milhões de euros.

2006

Ferit Orhan Pamuk
(1952 – )

Escritor turco nascido em Istambul, o maior romancista turco da atualidade, com obras traduzidas em mais de trinta idiomas, e o ganhador do Prêmio Nobel de Literatura (2006) por buscar na alma melancólica da sua terra natal encontrar novas imagens espirituais para o combate e para o cruzamento de culturas.

De uma família rica de Istambul, estudou no estrangeiro engenharia, arquitetura e jornalismo, porém a partir dos seus 22 anos preferiu dedicar-se definitivamente à literatura.

Tornou-se polêmico ao acusar, num artigo de um jornal suíço, por si escrito, seu país de ter cometido genocídio contra o povo armênio, quando da decorrência da primeira guerra mundial e o assassinato de 30 mil curdos, a posteriori. O caso foi levado à justiça turca, e ele teve mesmo que prestar declarações em tribunal. este caso teve polêmica internacional e o romancista tornou-se conhecido um pouco por todo o mundo. Mas o que o levou para a fama mundial, foi o fato de ter sido galardoado com o Nobel de Literatura, o primeiro turco a receber esta honraria. Antes, porém, já havia recebido outros prêmios de renome internacional. Foram os seus textos sobre as vivências turcas, as desigualdades entre os cidadãos da Istambul atual e as comparações feitas entre a Turquia otomana e a Turquia moderna.

Entre seus romances mais célebres encontra-se o laureado Benim Adim Kirmizi (1998), traduzido como o Meu nome é vermelho, uma história de amor e mistério implacáveis, vividos na Turquia do Século XVI. Outros livros publicados foram Cevdet Bey ve Ogullari (1982), Sessiz Ev (1983), Beyaz Kale (1985), Kara Kitap (1990), Gizli Yuz (1992), Yeni Hayat (1995), Öteki Renkler (1999), Kar (2002), Istanbul: Hatiralar ve Sehir (2003), entre outros.

2005

Harold Pinter
(1930 – )

Dramaturgo e escritor inglês nascido no dia 10 de Outubro em Hackney, Londres, ganhador do Prêmio Nobel de Literatura (2005) por descobrir em suas obras o precipício sob a banalidade quotidiana e entra com força nas salas fechadas da opressão.

Filho de judeus de origem no leste da Europa, foi educado em um colégio do bairro londrino de Hackney, a Hackney Grammar School. Foi aceito pela Royal Academy of Dramatic Art (1948), onde publicou seus primeiros poemas (1949-1950). Depois foi aceito pela Central School of Speech and Drama (1951) e passou a trabalhar para a companhia teatral de Anew McMaster e fez seu debut como teatrólogo com a peça The Room (1957), em Bristol. Sua primeira obra importante foi The bithday party (1958) embora seu sucesso só tenha aparecido depois de ter sido exibida na televisão.

De posições políticas controvertidas, opôs-se radicalmente à invasão do Iraque (2003) e às politicas belicistas de George Bush e Tony Blair enquanto considerava Slobodan Miloševic como o digno herói nacional da Sérvia. É um dos mais importantes renovadores do teatro do absurdo e as suas peças apresentam, num estilo característico a que se deu o nome de pinteresco, situações em que as personagens vêem repentinamente em perigo a segurança das suas vidas quotidianas.

Escreveu livros como Kullus (1949), The Dwarfs (1952-1956), The Black and White (1954-1955), Tea Party (1963), The Coast (1975), Girls (1995) e Voices in the Tunnel (2001), entre outros. Editou um livro de poesias War (2003) e no teatro destacou-se com peças como The Caretaker (1959), The caretaner (1960), A slight ache (1961), The homcoming (1964) e No Maris land (1975). Foi casado (1956-1980) com a atriz Vivien Merchant, e depois casou (1980) com a escritora Lady Antonia Fraser.

2004

Elfriede Jelinek
(1946 – )

Novelista e autora de peças de teatro austríaca nascida na cidade de Mürzzuschlag, décima mulher da história a ganhar o Prêmio Nobel da Literatura (2004) pelo fluxo musical de vozes e contra-vozes em suas novelas e dramas que revelam o absurdo dos clichês da sociedade e seu poder dominador.

Filha de um judeu tcheco e uma rica vienense, estreou no mundo literário com a publicação em Munique da coleção de poemas Lisas Schatten (1967), mas conseguiu projeção mundial graças ao filme A Professora de Piano (2001), do compatriota Michael Haneke, a história autobiográfica de uma pianista perturbada que se envolve com um aluno, de seu romance Isabelle Huppert in Malina (1991). Combativa política, militante do Partido Comunista Austríaco por mais de 15 anos, e autora de mais de 20 livros, de poemas, prosa e teatro, e tradutora para o alemão de autores como Thomas Pynchon.

Entre outras publicações, em sua obra figuram como destaque outros romances como Die Liebhaberinnen (1975), Die Ausgesperrten (1980), Die Klavierspielerin (1983) e Die Kinder der Toten (1995), e peças como Lust (1989), Totenauberg (1991), Ein Sportstück (1998), Macht nichts: eine kleine Trilogie des Todes (1999) e Bambiland (2004), esta uma crítica política que satiriza a invasão americana do Iraque. Uma seqüência deste trabalho foi a peça Babel (2005), tratando das torturas na prisão de Abu Ghraib e da mutilação de corpos de estadunidenses em Fallujah.

2003

John Maxwell Coetzee
(1940 – )

Escritor húngaro nascido em Cape Town, África do Sul, Prêmio Nobel da Literatura (2003) por retratar em sua obra, sob inumeráveis maneiras, o envolvimento surpreendente do estranho. O mais velho das duas crianças de uma professora de escola primária e de um advogado, e recebeu a educação primária em Cape Town e na cidade próxima de Worcester. Concluiu sua educação secundária no Marist Brothers, uma escola católica de Cape Town (1956). Entrou na Universidade de Cape Town (1957), e formou-se sucessivamente em inglês (1960) e matemática (1961).

Viveu três anos (1962-1965) na Inglaterra trabalhando como um programador enquanto pesquisava para uma tese sobre a novelista inglesa Ford Madox Ford., período em que também casou-se (1963) com Philippa Jubber (1939-1991) e com quem teria um filho, Nicolas (1966-1989), e uma filha, Gisela (1968-). Entrou como diplomado na University of Texas, em Austin (1965), onde obteve um Ph.D. em inglês, lingüística, e idiomas germânicos (1968). Nos três anos (1968-1871) foi professor assistente de inglês na State University of New York, em Búfalo, quando também começou a escrever ficção. Depois que seu visto de residência permanente nos United States, foi negado, voltou à África do Sul e exerceu uma séries de funções na University of Cape Town (1972-2000), o último deles como Distinguished Professor of Literature.

Durante este período e no subseqüente, ensinou também freqüentemente nos United States, especialmente nas universidades State of New York, Johns Hopkins, de Harvard, Stanford e de Chicago, onde durante seis anos ele foi membro do Committee on Social Thought. Seu primeiro livro, Dusklands, foi publicado na África do Sul (1974). Depois veio Heart of the Country (1977) com o qual ganhou o CNA Prize, então o principal prêmio literário da África do Sul, e que também foi publicado na Inglaterra e nos EEUU Mas foi com Waiting for the Barbarians (1980) que ganhou reputação internacional. Com Life & Times de Michael K (1983) ganhou o Booker Prize, na Inglaterra.

Outras importantes publicações de sua autoria foram Foe (1986), Age of Iron (1990), The Master of Petersburg (1994) e Disgrace (1999), que lhe deu um novo Booker Prize. No campo dos não ficcionais foram destaque Doubling the Point (1992), Boyhood (1997), Stranger Shores (2001), Youth (2002), Elizabeth Costello (2003). Também foi ativo como tradutor de holandês e literatura de holandês sul-africano e emigrou para a Austrália (2002) onde passou a viver com a família em Adelaide, e onde ocupa um cargo honorário na University of Adelaide.

2002

Imre Kertész
(1929 – )

Escritor húngaro nascido em Budapeste, sobrevivente do holocausto e Prêmio Nobel da Literatura (2002) por uma obra que trata da fragilidade da existência humana contra a bárbara arbitrariedade da história. Descendente de uma família judaica, foi deportado (1944) para Auschwitz e Buchenwald, sendo libertado pelas tropas norte-americanas (1945) e regressando a Budapeste como único sobrevivente de uma família inteira dizimada pelos nazistas.

De volta a Hungria trabalhou em Budapeste (1948-1951) como jornalista na publicação Világosság, do qual foi despedido quando o jornal passou a órgão do Partido Comunista Húngaro. Depois de ter cumprido serviço militar durante dois anos dedicou-se à escrita e a sua prestigiosa carreira literária, incluindo a tradução para húngaro de autores alemães como Nietzsche, Hofmannsthal, Schnitzler, Freud e Wittgenstein, entre outros, pelos quais foi fortemente influenciado. Sua primeira novela publicada foi Sorstalanság (1975), baseada em suas experiências em Auschwitz e Buchenwald e para o qual passou dez anos trabalhando.

Escreveu ainda musicais e teatro de diversão. Antes de consagrar-se com o Nobel ganhou muitos outrros prêmios entre os quais o Brandenburger Literaturpreis (1995), o Leipziger Buchpreis zur Europäischen Verständigung (1997), o Herder-Preis e o Welt-Literaturpreis (2000), o Ehrenpreis der Robert-Bosch-Stifung (2001) e o Hans Sahl-Preis (2002). Outros trabalhos seus foram A nyomkeresõ: Két regény (1977), Detektívtörténet (1977), A kudarc (1988), Kaddis a meg nem született gyermekért (1990), Az angol lobogó (1991), Gályanapló (1992), A holocaust mint kultúra: három elõadás (1993), Valaki más: a változás krónikája (1997), A gondolatnyi csend, amíg a kivégzõosztag újratölt (1998), A számuzött nyelv (2001) e Felszámolás (2003).

2001

Sir Vidiadhar Surajprasad Naipaul
(1932 – )

Escritor caribenho nascido em Chaguanas, Trinidad e Tobago, agraciado com o Prêmio Nobel da Literatura (2001) por ter unido a narrativa preceptiva e incorruptível nos seus trabalhos. De família indiana, foi educado em Porto Príncipe, capital do Haiti, e radicou-se na Inglaterra (1950) onde foi estudar, aos dezoito anos, apesar de ter passado a maior parte de sua vida viajando especialmente pela Índia e África. Na Universidade de Oxford, na Inglaterra, onde cursou literatura inglesa. Casou-se (1955) com Patricia Ann Hale, de quem enviuvaria (1996). Em um de seus primeiros grandes livros, A House for Mr Biswas (1961), descreveu a missão quase impossível dos imigrantes indianos de se integrarem à sociedade caribenha mantendo suas raízes. Hon. Fellow da University Coll., Oxford (1983), Hon. Dr Letters Columbia Univ., NY (1981), Hon. LittD. Cambridge (1983), London (1988) e Oxford (1992).

Além do Nobel recebeu outras honrarias como o John Llewelyn Rhys Memorial Prize (1958), o Somerset Maugham Award (1961), o Hawthornden Prize (1964), o W.H. Smith Award (1968), o Booker Prize (1971) e o British Literature Prize (1993). Assina seus livros como V. S. Naipaul e grande parte de seu trabalho fala sobre os traumas advindos das mudanças pós período colonial e entre suas obras alguns livros foram publicados no Brasil traduzidos para o português como O Sufrágio de Elvira (1958), Uma Casa para o Sr. Biswas (1961), Guerrilheiros (1975), um dos seus mais famoso livros, O Enigma da Chegada (1987) e Um Caminho no Mundo (1994).

A academia sueca chegou a cogitar a possibilidade de suspender a entrega do prêmio daquele ano por causa dos conflitos no Afeganistão, mas como este era o centenário da entrega do Nobel, eles resolveram seguir adiante. Casou-se novamente (1996) com Nadira Khannum Alvi.

Outras publicações, entre novelas, romances e outros, The Mystic Masseur (1957), The Suffrage of Elvira (1958), Miguel Street (1959), The Middle Passage (1962), Mr Stone and the Knights Companion (1963), An Area of Darkness (1964), The Mimic Men (1967), A Flag on the Island (1967), The Loss of El Dorado (1969), In a Free State (1971), The Overcrowded Barracoon, and other articles (1972), Guerrillas (1975), este um dos seus miores sucessos, India: a wounded civilisation (1977), A Bend in the River (1979), The Return of Eva Peron (1980), Among the Believers (1981), Finding the Centre (1984), The Enigma of Arrival (1987), A Turn in the South (1989), India: a million mutinies now (1990), A Way in the World (1994), Beyond Belief: Islamic Excursions (1998) e Letters (1999).

Fonte:
http://www.dec.ufcg.edu.br/biografias/

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O Trovador em Versos Diversos (Nei Garcez – Curitiba/PR)

Quem trabalha com grandeza
gera emprego no país;
põe comida em cada mesa…
Faz um povo mais feliz!

A nossa fisionomia
revelada no facial,
de tristeza ou de alegria,
é um idioma universal!

Quem esquece da saúde,
entregando-se a bebida,
tem por prêmio um ataúde
e uma herança dividida.

Pra evitar um acidente
atenção tenho que dar,
dirigindo mais consciente
sem usar meu celular.

A poetisa que poetiza
os seus poemas preferidos
só por eles se eterniza
ao passar dos tempos idos.

Quando uma mãe amamenta,
com seu leite maternal,
enquanto ao filho acalenta
cumpre a lei universal.

Só é livre de verdade
quem conhece o seu caminho
pra pensar com liberdade,
mas pensar por si sozinho.

Quem namora a vida inteira,
com a mesma namorada,
numa mão tem a bandeira
e na outra a sua amada.

Amizades que são boas
e atitudes tão singelas
é gostarmos das pessoas
bem assim como são elas.

Fontes:
http://www.clevanepessoa.net/visualizar.php?idt=173640
http://www.movimentodasartes.com.br/trovador/pop_062/060708a.htm
http://www.blocosonline.com.br/literatura/poesia/dd/ddpoe076.htm
http://www.caestamosnos.org/rev_caesperamosnos/revista08Ago.htm

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John Ronald Reuel Tolkien (1892 – 1973)

John Ronald Reuel Tolkien (Bloemfontein, 3 de Janeiro de 1892 — Bournemouth, 2 de Setembro de 1973) foi um escritor, professor universitário e filólogo britânico.

Tolkien nasceu na África do Sul e aos três anos de idade, com sua mãe e irmão, passou a viver na Inglaterra, terra natal de seus pais. Desde pequeno fascinado pela lingüística, cursou a faculdade de Letras em Exeter. Lutou na Primeira Guerra Mundial, onde começou a escrever os primeiros rascunhos do que se tornaria o seu “mundo secundário” complexo e cheio de vida, denominado Arda, palco das mundialmente famosas obras O Hobbit, O Senhor dos Anéis e O Silmarillion, esta última, sua maior paixão, que, postumamente publicada, é considerada sua principal obra, embora não a mais famosa.

Tornou-se filólogo e professor universitário, tendo sido professor de anglo-saxão (e considerado um dos maiores especialistas do assunto) na Universidade de Oxford de 1925 a 1945, e de inglês e Literatura inglesa na mesma universidade de 1945 a 1959. Mesmo precedido de outros escritores de fantasia, tais como William Morris, Robert E. Howard e E. R. Eddison, devido à grande popularidade de seu trabalho, Tolkien ficou conhecido como o “pai da moderna literatura fantástica”. Sua obra influenciou toda uma geração.

Católico fervoroso, foi grande amigo de C.S. Lewis, autor de As Crônicas de Nárnia, ambos membros do grupo de literatura The Inklings.

Biografia

A família Tolkien
Até onde se sabe a maioria dos parentes paternos de Tolkien eram artesãos. A família teve origem na Saxônia (Alemanha), mas viveu na Inglaterra desde o século XVII, tornando-se “rápida e intensamente inglesa (mas não britânica)” . O sobrenome Tolkien é um anglicismo de Tollkiehn (em alemão, tollkühn, temerário, imprudente, que em uma tradução etimológica deveria ser dull-keen, algo como estúpido-sagaz, uma tradução literal de oxímoro).

Mesmo sendo um Tolkien, considerava-se mais um Suffield (sua família materna) do que propriamente um Tolkien.

Aos três anos parte com sua mãe, Mabel Suffield, dona de casa, e seu irmão, Hilary Arthur Reuel Tolkien, para a Inglaterra, onde pretendiam passar apenas uma temporada devido a questões de saúde de Mabel e de seus filhos, mas devido à morte de seu pai, eles ali permaneceram por toda a vida. O pai, Arthur Tolkien, um bancário que trabalhava para o Bank of Africa, contraiu febre reumática e morreu em 1896 na África do Sul, antes de se juntar à família. Em 1900 a situação financeira da família se complicou. Mabel Suffield fazia parte da Igreja Anglicana, e quando tornou-se católica, sua família cortou a ajuda financeira que lhe dava, e assim ela morreu, por diabetes, sem tratamento na época. Tolkien, que considerava esse fato um sacrifício da mãe em nome da fé, converteu-se ao Cristianismo. Tolkien e seu irmão passaram então aos cuidados do Padre Francis Xavier Morgan, que Tolkien mais tarde descreveria como um segundo pai, e aquele que lhe ensinara o significado da caridade e do perdão.

Conheceu Edith Bratt em 1908, três anos mais velha que ele, e os dois começam a namorar escondido, mas seu tutor, o Padre Francis Morgan, descobre a situação e, acreditando que este relacionamento prejudicaria a educação do rapaz, proíbe-o de vê-la até que complete vinte e um anos, quando Tolkien alcançaria a maioridade. Na noite do seu vigésimo primeiro aniversário, Tolkien escreve a Edith, e a convence a casar-se com ele, apesar de ela já estar comprometida, e também a converte ao catolicismo. Juntos eles têm quatro filhos: John Francis Reuel Tolkien (1917–2003), Michael Hilary Reuel Tolkien (1920-1984), Christopher John Reuel Tolkien (1924-) e Priscilla Anne Reuel Tolkien (1929-). Muitos de seus descendentes e ascendentes podem ser vistos aqui.

Tolkien era um pai devotado. Essa característica mostrava-se bastante clara nos livros, muitas vezes escritos para seus filhos, como Roverandom, escrito quando seu filho perdeu um cachorrinho de brinquedo na praia. Além disso, Tolkien mandava todos os anos cartas do Papai Noel quando os filhos eram mais jovens. Havia mais e mais personagens a cada ano, como o Urso Polar, o ajudante do Papai Noel, o Boneco de Neve, Ilbereth (um nome semelhante ao da rainha Elbereth, a Valië), sua secretária, e vários outros personagens menores. A maioria deles contava como estavam as coisas no Pólo Norte. Mestre Gil de Ham foi uma história contada para entreter os filhos também.

A vida em sua obra

A infância de Tolkien teve duas realidades distintas: a vida rural em Sarehole, ao sul de Birmingham, lugar que inspirou o famoso Condado, e o período urbano na escura Birmingham, onde iniciou seus estudos. Nesta frase Tolkien fala sobre Sarehole:

A ancestral Sarehole há muito se foi, engolida pelas estradas e por novas construções. Mas era muito bonita na época em que vivi lá…

Ainda criança, mudou-se para King’s Heat, numa casa próxima a uma linha de trem. Foi aí que ele começou a desenvolver uma imaginação lingüística, motivada pelos estranhos nomes das paradas do percurso, tais como Nantyglo, Perhiwceiber e Seghenydd. Sua infância foi muito marcada pelos contos de fadas, que estimularam sua imaginação para o Faërie, Belo Reino, como ele se refere ao mundo dos seres fantásticos.

Em 1900 sua mãe abraçou a religião católica, fato que o influenciou profundamente, mesmo sem a menção direta de Deus em sua obra (Tolkien representa Deus por Eru, o qual cria todo universo e os seres que lá habitam). Tolkien disse que os mitos não-cristãos guardavam em si elementos do Grande Mito, o Evangelho, que adentraram o Mundo Primário, isto é, o mundo real, fato este que não vai contra a Igreja Católica.

Sua mãe Mabel apresentou a ele e a seu irmão os contos de fadas em línguas como o latim e o grego. Depois de sua morte, em 1904, por diabete, Tolkien e seu irmão foram deixados aos cuidados do padre Francis Morgan, sacerdote de Birmingham. A partir de então, o rapaz se dedicou aos estudos demonstrando grande talento lingüístico. Estudou grego, latim, línguas antigas e modernas, como o finlandês, que serviu de base para criação do idioma élfico Quenya e o galês, base para o outro idioma élfico, o Sindarin. Em 1905 os órfãos mudaram-se para a casa de uma tia em Birmingham. Em 1908, deu início à sua carreira acadêmica, ingressando no Colégio de Exeter, da Universidade de Oxford.

Em 1914, ano em que explode a Primeira Guerra Mundial, Tolkien fica noivo de Edith Bratt. No ano seguinte, recebe com honras o diploma de licenciatura em Literatura de Língua Inglesa. A graduação e os méritos não o libertam da convocação e em 1916, depois de se casar com Edith Bratt, é chamado à guerra. Tolkien sobrevive à batalha do Somme (província de Soma), uma mal sucedida incursão na França/Bélgica onde morreram mais de 500 mil combatentes. Em 1917 nasceu o seu primeiro filho, John Francis Reuel Tolkien (mais tarde padre John Tolkien) e no ano seguinte, depois de contrair febre da trincheira (tifo), J.R.R.Tolkien é enviado de volta à Inglaterra. Foi neste período que Tolkien iniciou o Livro dos Contos Perdidos (The Book of Lost Tales), que mais tarde se converteria em O Silmarillion, em 1919 quando ele retornou a Oxford.

Depois do fim da guerra Tolkien dedicou-se ao trabalho acadêmicos como professor, tornando-se um dos maiores filólogos do mundo. Nesta mesma época ingressou na equipe formada para preparar o New English Dictionary, o equivalente inglês do dicionário brasileiro Aurélio. O projeto já havia chegado à letra W, e seu supervisor, impressionado com o trabalho de Tolkien, afirmou que:

Seu trabalho [de Tolkien] dá provas de um domínio excepcional de anglo-saxão e dos fatos e princípios da gramática comparada das línguas germânicas. Na verdade, não hesito em dizer que nunca conheci um homem da sua idade que se igualasse a ele nesses aspectos.

Mas foi só em 1925, depois do nascimento de seus filhos Michael Hilary Reuel Tolkien (1920) e Christopher John Reuel Tolkien (1924) que Tolkien publicou seu primeiro livro, ao lado de E. V. Gordon: Sir Gawain & the Green Knight, baseado em lendas do folclore inglês. Sua filha caçula, Priscilla Anne Reuel Tolkien, nasceria dali a cinco anos.

Tolkien e as Sociedades

Tolkien foi muito ligado a sociedades. Nas que participou, a literatura era o tema fundamental, algo que o ajudou na criação de suas obras, pois nestas sociedades encontrou seu primeiro público e encorajadores.

Em sua juventude, sua primeira sociedade foi a T.C.B.S. (Tea Club, Barrowian Society), formada por Tolkien e três amigos. Não era dedicada apenas a literatura, mas ela estava presente. A Primeira Guerra Mundial dissolveu o grupo, matando Rob Gilson, e algum tempo depois G. B. Smith. Os dois restantes, Christopher Wiseman (inspiração para o nome do filho de Tolkien) e Tolkien, foram amigos até o fim da vida.

Anos depois, fundada por Tolkien, The Coalbiters se dedicava à literatura nórdica, muito apreciada por Tolkien, que incluía Beowulf e o Kalevala, por exemplo. Chamavam-se de Kolbitars, ou, “homens que chegam tão perto do fogo no inverno que mordem carvão”, o que originou no nome Coalbiters (mordedores de carvão). Entre seus membros estavam R. M. Dawkins, C. T. Onions, G. E. K. Braunholz, John Fraser, Nevill Coghill, John Bryson, George Gordon, Bruce McFarlane e C. S. Lewis.

Outro grupo de que participava era chamado The Inklings, também dedicado à literatura, que se reunia no pub The Eagle and Child (em português A Águia e a Criança) que os integrantes chamavam O Pássaro e o Bebê (The Bird and Baby em inglês). Os Inklings incluíam C. S. Lewis e seu irmão H. W. Lewis, Charles Williams, Owen Barfield, Nevil Coghill, Gervase Mathew e John Wain.

Quando Tolkien conheceu C. S. Lewis, este era agnóstico, e Tolkien logo se empenhou para convertê-lo ao catolicismo romano. No entanto, Lewis preferiu o anglicanismo, movimento protestante cristão no qual foi educado. Tal fato se tornou a raiz de desentendimentos (não tão sérios) dos dois. Tolkien inclusive não apreciou muito a obra de seu amigo, As Crônicas de Nárnia, por esta ser demasiadamente alegórica. A religião no livro de Lewis é bem explícita, ao passo que nos de Tolkien ela é oculta em personagens, lugares e até atitudes. Apesar dos desentendimentos Tolkien e Lewis foram grandes amigos, amizade essa explorada no livro O Dom da Amizade: Tolkien e C. S. Lewis. De fato, O Senhor dos Anéis provavelmente não existiria sem o incentivo de C. S. Lewis, que aliás foi o primeiro a ouvir a história, e As Crônicas de Nárnia também não existiriam não fosse a força de Tolkien.

Títulos

Tolkien fez uma longa e ilustre carreira, em que, com certeza, seus livros foram os mais admirados e reconhecidos. Porém ele não se resumia a isso. Além de ser chamados por muitos fãs de “mestre”, ou “professor”, em 1972 Tolkien foi agraciado com o título de Comendador do Império Britânico (Ordem do Império Britânico) e com o Doutor Honoris Causa em Letras, pela Universidade de Oxford.

O hobbit

A idéia de seu primeiro grande sucesso, O Hobbit, surgiu em 1928, enquanto Tolkien examinava documentos de alunos que queriam ingressar na Universidade e Tolkien contou que:

Um dos alunos deixou uma das páginas em branco – possivelmente a melhor coisa que poderia ocorrer a um examinador – e eu escrevi nela: Em um buraco no chão vivia um hobbit, não sabia e não sei por quê.

Foi a partir desta frase que ele começou a escrever O Hobbit, somente dois anos depois, mas o abandonou no meio.

Tolkien emprestou o manuscrito incompleto para a Reverenda Madre de Cherwell Edge na época, quando esta estava doente, e ele foi visto por Susan Dagnall, uma bacharel de Oxford , que trabalhava para Allen & Unwin (comprada em 1990 pela Editora Harper Collins) e analisado depois por Rayner Unwin (Filho de Stanley Unwin, fundador da Allen & Unwin, na época com 10 anos de idade) que ficou maravilhado pela história. Dagnall ficou tão encantada com o material que encorajou Tolkien para que ele terminasse o livro, e em 1937 é publicada a primeira edição de O Hobbit.

A saga do hobbit Bilbo – um ser baixo, pacato, de pés peludos e grandes, que se aventura na Terra Média ao lado do mago Gandalf e mais treze anões – teve tanto sucesso que Tolkien foi sondado para novas aventuras. Tolkien oferece O Silmarillion, que ele considerava sua principal obra, mesmo que, hoje, não a mais conhecida. Stanley Unwin prefere não arriscar e não publica a obra. Mesmo depois da recusa, Tolkien concorda em continuar a saga dos hobbits e começa a dar forma a uma nova obra, que lhe consome doze anos de trabalho desde os primeiros rascunhos até a sua conclusão, mas que o tornaria um dos mais cultuados escritores de todos os tempos: O Senhor dos Anéis.

O elo para a nova aventura surge no Anel que Bilbo rouba de Gollum em O Hobbit. Os primeiros rascunhos da obra datam de 1937, mas devido ao seu perfeccionismo, que o impelia a ter de fazer vários rascunhos para cada uma de suas obras, foi somente em 1949 que O Senhor dos Anéis foi para as mãos de sua editora. Durante este longo tempo, Tolkien também escreveu Leaf by Niggle em que o autor se manifesta de forma autobiográfica, projetando-se em Niggle, suas dúvidas sobre o trabalho que estava escrevendo, “O Senhor dos Anéis”, e sua relevância. Em princípio o texto foi recusado, pois a idéia de Tolkien era lançar dois volumes, sendo eles “O Silmarillion” e “O Senhor dos Anéis”, já que ele os considerava interdependentes e indivisíveis. Entretanto o editor da Collins, uma outra editora, havia gostado da idéia e começou a encorajar Tolkien a publicar os livros pela editora Collins. Depois de grande atraso na publicação, Tolkien perde a paciência e desiste do acordo. Posteriormente, após algumas conversas com Rayner Unwin (já adulto e trabalhando na empresa do pai, Rayner foi um dos que recebiam os rascunhos de “O Senhor dos Anéis” de Tolkien ao longo de sua composição), a decisão da Allen & Unwin foi reconsiderada e, em 1954, foram publicados os dois primeiros volumes (A Sociedade do Anel e As Duas Torres). Em 1955 foi publicado o terceiro e último volume (O Retorno do Rei). A idéia original era lançar a obra toda num único volume, mas para baratear os custos de impressão, foi dividida em três volumes.

Esse livro consolidava então o que Tolkien chamava de Mundo Secundário, com novas normas, novos povos, uma realidade à parte: Arda, o cenário de uma das maiores obras literárias de todos os tempos. “Arda” é a Terra, povoada por seres fantásticos, como os Valar, os Maiar, e os mais conhecidos, hobbits, elfos, anões, trolls, orcs e cercada de mistérios e magia:
[Criei] um Mundo Secundário no qual sua mente pode entrar. Dentro dele, tudo o que ele relatar é “verdade”: está de acordo com as leis daquele mundo. Portanto, acreditamos enquanto estamos, por assim dizer, do lado de dentro.

Apesar dos ataques da crítica, o livro teve grande sucesso dos dois lados do Atlântico, mas seus livros só alcançaram a classe de cult nos anos 60, devido ao fato de sua obra ter se tornado mania entre os universitários dos Estados Unidos com a chegada de uma edição pirata norte-americana neste país. O nome de Tolkien ganhou notoriedade mundial, fato este que provocava mais transtornos que prazer ao autor, pois visitantes excêntricos afluíam ao seu encontro: fãs norte-americanos telefonavam-lhe durante a madrugada sem se lembrar do fuso horário por exemplo. Tais fatos tiveram grande peso em sua decisão de se mudar para Bournemouth.

Tolkien era um homem apaixonado por idiomas. Quando criança se encantava com nomes galeses que via nos caminhões de carvão. Com suas primas aprendeu rapidamente uma língua artificial e bem simples criadas pelas garotas, chamada Animálico, com base nos nomes de animais. Juntos criaram outra língua, uma mistura de vários outros idiomas. Chamava-se Nevbosh, traduzido como Novo Disparate. Mais tarde criou o Naffarin, mais complexa e baseada na língua de seu tutor Francis Morgan: o espanhol.

Tolkien, em dezembro de 1910, tornou-se aluno do curso de literatura clássica na Universidade de Oxford, onde obteve uma bolsa de estudos do Exeter College, mas desinteressou-se por este curso e começou a gastar mais tempo no estudos de filologia, sendo orientado por Joseph Wright, um dos grandes pesquisadores britânicos desta ciência e grande conhecedor do tronco lingüístico indo-europeu. Pediu transferência para a Honour School of English Language and Literature, onde teve um notável melhora devido ao seu interesse pela filologia germânica.

O primeiro artigo da Declaração dos Direitos Humanos escrita nos caracteres Fëanorianos: as Tengwar. Desde criança já tinha em sua volta línguas clássicas como grego e o latim, e mais tarde com o espanhol, idioma de seu tutor, o padre Francis Morgan. Sempre achou o italiano muito elegante e, é claro, o inglês e o anglo-saxão o fascinavam. O francês não o cativava tanto, apesar de ser (como ainda é) aclamada como uma belíssima língua. Quando se deparou com a língua finlandesa ele se encantou, e usou sua gramática, junto com a galesa, como base para as línguas que mais tarde apareceriam em seus livros. Línguas de gramática complexa e vasto vocabulário. Línguas que seriam estudadas a fundo por muitos de seus fãs: o Quenya, cujo exemplo máximo é expresso pelo poema Namárië, e o Sindarin, este último baseado no galês, as Línguas Élficas, todas movidas pelo som bonito (eufonia) e pela estética, como o “Repicar dos sinos” dizia ele. Foi baseado nestas línguas que Tolkien começou a desenvolver seu mundo. Para ele, primeiro vinha a palavra, depois a história. A composição para ele não era um passatempo (como foi ‘acusado’ na época), mas um trabalho filológico. Ele criou um mundo onde suas línguas pudessem ser faladas, e lendas para rodeá-las.

Tolkien, consciente da língua como um organismo mutável, totalmente relacionado com as histórias de um povo, afirmou certa vez que:
O Volapuque, Esperanto, o Ido, o Novial, são línguas mortas, mais mortas do que antigas línguas sem uso, porque seus inventores jamais criaram lendas para acompanhá-las.

Criou várias outras línguas (como o Khûzdul e o Valarin), mas nenhuma tão elaborada quanto as duas élficas. Também desenvolveu alguns sistemas de escrita, as Angerthas (ou runas) e as Tengwar. Acreditava que uma língua bonita devia ter também um alfabeto elegante.

Além do inglês, Tolkien conhecia cerca de dezesseis outros idiomas (à exceção dos criados por ele mesmo) que eram os seguintes: grego antigo, latim, gótico, islandês antigo, sueco, norueguês, dinamarquês, anglo-saxão, médio inglês, alemão, neerlandês, francês, espanhol, italiano, galês e finlandês.

Quando O Hobbit foi traduzido para o islandês, Tolkien ficou encantado, porque, além de esta ser uma de suas línguas favoritas, ele achava que o livro combinaria muito com ela. Muitos nomes, como Gandalf, foram retirados do antigo islandês.[8]

Aversão à tecnologia

Se por um lado Tolkien exerceu grande influência na era da informática, por outro, isso bate de frente com a visão nostálgica e radical do autor. Ele sempre foi avesso a computadores, trens, automóveis, televisão e comida congelada, a indústria em si. Tolkien acreditava que essa dominação e controle que a tecnologia moderna exerce sobre o Homem, mesmo que usadas para o bem, “trazem sofrimento à criação” (referindo-se ao seu Mundo Secundário). Este ponto de vista foi criado devido a sua experiência como veterano da Primeira Guerra Mundial e pai de rapazes que lutaram na Segunda Guerra Mundial, e ele não alimentava mais ilusão papel benfazejo e salvador do desenvolvimento das tecnologias. Com esse pensamento, ele coloca o problema da tecnologia no coração de O Senhor dos Anéis. O Um Anel é o instrumento máximo do poder. Poder esse que até Gandalf preferiu não arriscar, deixando o fardo para Frodo. E cabe ao pequeno hobbit o dilema da saga: ter o poder não é possuir o Um Anel, e sim destruí-lo. Frodo deve então renunciar ao poder porque ele corrompe. Só assim ele será capaz de destruir Sauron. Mesmo assim, sua obra foi a inspiração que faltava para novos jogos de computados, para o cinema e a televisão.

Além de “O Hobbit” e “O Senhor dos Anéis”, foram publicados Sir Gawain & The Green Knight (1925), Mestre Gil de Ham (1949), As Aventuras de Tom Bombadil (1963), Smith of Wootton Major (1967) e Sobre Histórias de Fadas (1965) entre outros . O escritor então se aposenta e junto de sua mulher se muda para Bournemouth. Com a morte de sua esposa em 19 de novembro de 1971, após 55 anos de casamento, Tolkien refugiou-se na solidão em um apartamento na Universidade de Oxford. Numa carta ao seu filho Christopher, John Ronald Reuel Tolkien escreveu, sobre sua mulher Edith Bratt:
[…]o cabelo dela era preto e sedoso, a pele clara, os olhos mais brilhantes do que os que vocês viram, e sabia cantar… e dançar. Mas a história estragou-se, e eu fiquei para trás, e não posso suplicar perante o inexorável Mandos.[…].

No texto, Tolkien decide que no epitáfio de Edith estaria escrito Lúthien. Lúthien é uma personagem de “O Silmarillion” inspirada na esposa de Tolkien, como afirma o trecho da mesma carta:

É breve e simples [o epitáfio], a não ser por Lúthien, que tem para mim mais significado do que uma imensidão de palavras, pois ela era (e sabia que era) a minha Lúthien […] Nunca chamei Edith de Lúthien, mas foi ela a fonte da história que, a seu tempo, se tornou parte de O Silmarillion.

Lúthien era elfa, imortal, mas se apaixona por um mortal, Beren. Ela então desiste de sua imortalidade. Ambos enfrentam muito para ficar juntos e, quando ele morre, Lúthien vai até os Palácios de Mandos, o guardião das Casas dos Mortos. Beren a aguardava nos Palácios, e ela canta diante de Mandos que, então, se comove, a única vez em toda sua existência, e permite que ambos voltem, como mortais. E assim foi. No túmulo, abaixo do nome Edith Tolkien está escrito Lúthien, que, nas histórias, é a mais bela das elfas, a mais bela dos Filhos de Ilúvatar. A história dos dois está contada na Balada de Leithian.

Em 1972, J. R. R. Tolkien recebeu o Doutorado Honorário em Letras da Universidade de Oxford, e conseguiu seu último e mais importante título: a Ordem do Império Britânico pela Rainha Elizabeth, uma das maiores honras britânicas. Era agora Sir John Ronald Reuel Tolkien.

No dia 28 de agosto de 1973 Tolkien sentiu-se mal durante uma festa, e na manhã do outro dia foi internado, com úlcera e hemorragia. No sábado descobriu-se uma infecção no peito.

Aos 81 anos de idade, então, nas primeiras horas do domingo de 2 de setembro de 1973, J. R. R. Tolkien morre na Inglaterra. Enterrado junto com a esposa, no Cemitério de Wolvercote, no túmulo feito de granito da Cornualha, abaixo do seu nome há a inscrição Beren.

Após sua morte, seu filho Christopher editou e publicou “O Silmarillion” (em 1977), além de nos anos 80 e 90 lançar a série The History Of Middle-Earth (A História da Terra-Média), uma gigantesca coletânea dividida em doze volumes, e Unfinished Tales of Númenor and Middle-Earth (Contos Inacabados)

Em 1992, ano em que Tolkien completaria 100 anos, duas árvores foram plantadas em seu tributo em Oxford pela Tolkien Society e pela Mythopoeic Society, grupos de leitores e estudiosos de sua obra. Essas duas árvores fazem alusão às Duas Árvores de Valinor, que davam luz a Valinor nos Dias Antigos.

O Legado de Tolkien

Apesar de ter dado início em 1937 com O Hobbit, o livro infanto-juvenil que fez tanto barulho quanto Harry Potter em sua época, foi somente após o lançamento da trilogia de “O Senhor dos Anéis” (1954-1955) que Tolkien passou a ser cultuado por milhões de fãs. Em 1996, uma pesquisa feita pela livraria londrina Waterstone’s, que conta com mais de 200 lojas em toda Grã-Bretanha, em parceria com um canal de TV britânico, entre cerca de 25.000 leitores, coroou O Senhor dos Anéis como o melhor livro do século e O Hobbit entre os 20 melhores. Uma outra pesquisa mais recente, datada de 2003, feita pela BBC, perguntando às pessoas qual o livro favorito delas, “O Senhor dos Anéis” ficou em primeiro, e “O Hobbit” em 25°. São mais de 50 milhões de exemplares vendidos em vários países, traduzido para 34 idiomas, juntamente com legiões de fãs que se dedicam a ler e estudar a obra do autor.

Ao contrário de muitos escritores que contaram mais com a sorte do que com um respaldo acadêmico para a criação de suas obras, John Ronald Reuel Tolkien foi membro da diretoria do New English Dictionary (1918-1920), professor de Língua Inglesa na Universidade de Leeds, cátedra Rawlinson & Bosworth, posto ligado à Faculdade Pembroke (em Oxford) (1920-1925), professor de Anglo-Saxão (inglês arcaico) em Oxford (1925-1945) e professor de Língua e Literatura Inglesa em Merton (1945-1959), o que caracteriza um jeito próprio de lidar com os livros e a mitologia sempre presente em seus livros.

Mesmo com o sucesso de “O Senhor dos Anéis”, Tolkien só virou celebridade nos anos 60. Nessa época os fãs do autor se reuniam pelos campus das universidades com o único objetivo de discutir sua obra.

Estes fãs tiveram a mesma importância que os trekkers em Star Trek, os “star warriors” em Star Wars e os “excers” em Arquivo X para tornar a obra de Tolkien conhecida. Desde os encontros da primeira sociedade Tolkien, que se comunicava através de frases em cartazes no metrô de Nova York, a tolkienmania só cresceu e continua a influenciar muita gente. No auge da contracultura, a obra era considerada uma espécie de bíblia da Sociedade Alternativa. Com broches como “Frodo Vive” e “Gandalf para Presidente”, os fãs se reuniam para celebrar Tolkien. O público nessa época era composto, quase sempre, por geeks da computação e hippies. De certa maneira, esse público buscava justamente o que Tolkien queria: uma nova realidade (mas não a mesma visão dessa nova realidade).

A criação de mundos complexos como a Terra-Média também deram uma arejada à literatura ficcional, além de inaugurar um novo gênero literário, a literatura fantástica, algo de que Tolkien sentia falta na literatura. Muitos autores também criaram seus mundos próprios e essa realidade virtual criada por Tolkien foi o elemento-chave para a ficção científica de Duna (de Frank Herbert), para a fantasia de A Cor da Magia (de Terry Pratchett). Talvez até para o universo de Harry Potter de J. K. Rowling, autora que gosta muito da obra, a obra tolkieniana tenha servido de base, apesar de a autora ter declarado:

Penso que, se deixarmos de lado o fato de que os livros falam de dragões, varinhas mágicas e magos, os livros de Harry Potter são muito diferentes, especialmente no tom. Tolkien criou toda uma mitologia. Não penso que alguém possa dizer que eu tenha feito isso.

Não se pode deixar de citar também uma obra que é muitíssimo parecida com a de Tolkien: Eragon, de Christopher Paolini. Nela, os elfos são ainda criaturas belas e os anões os mineradores rabugentos também.

Muitas outras áreas sucumbiram ao poder dos Anéis. Em 1974, Gary Cygax e Dave Anerson arrumaram uma maneira de interagir com esta realidade e criaram o Role-Playing Game (RPG) Dungeons & Dragons, um jogo de personificações com temas fantásticos, claramente inspirados na Terra-Média de Tolkien. Com o RPG foi possível se aventurar no universo de orcs, anões, elfos, dragões e até os hobbits, os Halflings do D&D, que mantêm muitas características dos Hobbits com leves alterações (inclusive o próprio Tolkien usava o nome halfling para os seus hobbits). O RPG serviu de estímulo para o público explorar e conhecer novos mundos. A própria Terra-Média chegou a ter seu RPG, o MERP (Middle-Earth Role Playing), em 1982, só que o complexo sistema de regras e os freqüentes equívocos em relação à trama atrapalharam sua difusão, e o MERP não decolou.

Do papel para o computador foi um pulo. Na década de 70, um hacker fã de Tolkien deu uma ajuda ao programador do arcaico RPG Adventure. O jogo foi transformado, ganhou o nome de Zork e virou hit entre os usuários da Arpanet (embrião da Internet) porque estava cheio de referências ao mundo de Tolkien. Nos primórdios da rede, essas realidades virtuais ganharam uma versão em texto, batizadas de MUD (Multi-User Dungeon/Dimension, que em português soa algo do gênero Dimensão Múltipla de Usuários). Hoje, graças aos avanços da tecnologia, os MUD caíram em desuso e o que é sucesso são jogos multiplayer como EverQuest, Última Online, Asheron’s Call, Warcraft e Kingdom Under Fire. Todos têm em comum cenários fantásticos e referências às obras de Tolkien. A Internet teve papel importante na propagação dos trabalhos do autor. Através dela foi possível reunir fãs do mundo inteiro, que demonstram sua admiração e discutem a política, sociedade, as línguas, a biologia e a história da Terra-Média. Há milhares de sites dedicados aos trabalhos de Tolkien que trazem ensaios, poemas, fan-fictions (contos de ficção escritos por fãs), sátiras, críticas, notícias, grupos de estudos, de discussão, fóruns e, é claro, humor (vide Ligações externas).

Ao contrário dos trekkers e dos “star warriors” que aprovam e incentivam as seqüências das obras originais em livros, filmes, seriados, produtos e HQs, os fãs de Tolkien preferem manter seu próprio ponto de vista sobre a obra. Com uma visão muito pessoal e particular da saga de Frodo, os fãs não se arriscam a tocar na Terra-Média. E esse é um dos motivos que impediram uma proliferação ainda maior do legado do autor. A única exceção talvez seja o livro The Black Book of Arda, escrito por duas jovens russas no início dos anos 90, que recontavam os acontecimentos de O Silmarillion, só que do ponto de vista dos vilões.

A influência de Tolkien também pode ser percebida nas mais diversas formas de artes. Pintores como John Howe, Roger Garland, Ted Nasmith, Alan Lee, Tim Kirk e os irmãos Hildebrandt entre outros figuram em enciclopédias ilustradas e centenas de galerias de imagens na Internet. Eles retratam com primazia várias passagens dos livros. A obra do autor também aparece nas músicas de bandas como Led Zeppelin, Blind Guardian, a banda sueca Za Frûmi’s (que compôs uma música com uma versão modificada do idioma orc) entre várias outras influenciadas.

O cinema e a TV não poderiam ficar de fora, o desenho animado Caverna do Dragão e o filme Dungeons & Dragons (ambos baseado no RPG D&D) são claramente influenciados por Tolkien. Podem-se citar outras produções cinematográficas como O Cristal Encantado (1982), A História Sem Fim (1984), Labirinto (1986), A Lenda (1986), Willow – Na Terra da Magia (1988) e Coração de Dragão (1996).

Em 1978, o animador britânico Ralph Bakshi (o mesmo de Super Mouse e Gato Felix) tentou adaptar O Senhor dos Anéis para o cinema num longa-metragem de animação de duas horas. Mas o roteiro era fraco e mesmo usando uma técnica de animação interessante (a rotoscopia, onde os movimentos humanos são sobrepostos pelo desenho) a produção não agradou e parece terminar em algum ponto no meio de As Duas Torres. Outras duas obras de Tolkien viraram longas animados para a TV inglesa: O Hobbit (em 1978) e O Retorno do Rei (1980), ambas criadas para especiais de TV e dirigidas por Jules Bass, o mesmo produtor de Thundercats e Silverhawks e co-diretor do longa metragem Rudolph, a rena do Nariz Vermelho. Tolkien também marcou presença nas HQs. Há influência dele em Bone, a HQ fantástica de Jeff Smith e na megassérie Elfquest, que já tem mais de vinte anos de publicação e conta a história de um mundo recheado de elfos. Também existe Lodoss, uma série criada por fãs-japoneses de RPG, que durante anos, anotaram suas aventuras e transformaram em duas sagas animadas. A primeira é The Record of Lodoss War (de 1991) e a mais recente saga chama-se Chronicles of the Heroic Knight (de 1999), ambas trazem um mundo mágico de deuses, dragões, demônios, magos e guerreiros lutam pelo poder.

Com seus tentáculos se espalhando por todos os lugares, no início do século XXI a saga dos Anéis chega ao cinema. Graças a Peter Jackson, um antigo fã, isso se tornou realidade, e a realidade dos três filmes produzidos simultaneamente (divididos do mesmo modo que os livros, lançados em 2001, 2002 e 2003), rendeu 17 Oscar à série, 4 ao primeiro, 2 ao segundo e 11 concedidos ao terceiro, igualando-o aos recordes de Titanic e Ben-hur.

Fontes:
NOVA Enciclopédia Ilustrada Folha. volume 2. São Paulo: Empresa Folha da Manhã, 1996.
http://pt.wikipedia.org/wiki/Tolkien
http://www.dec.ufcg.edu.br/biografias/JohnRRTo.html

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Jogos Florais

JOGOS FLORAIS

O período entre 28 de Abril e 13 de Maio do calendário romano marcava a celebração dos Jogos Florais (ou Florálias – do latim floralia, ium), assim denominados por se tratarem das festividades em honra de Flora, deusa da Primavera, das flores, dos cereais, das vinhas e das árvores frutíferas. A lenda diz que Flora é uma das divindades sabinas introduzidas em Roma por Tito Tácio e adorada pela populações itálicas, em geral. Desde então, associa-se o mel à deusa, como um dos presentes que esta terá concedido ao Homem, o mesmo acontecendo com todas as flores que conhecemos.
Segundo Brandão (1993), nesta data as cortesãs reuniam-se e dançavam ao som de trombetas, num concurso em que as vencedoras eram coroadas do flores, tal como era hábito fazer-se nas cerimónias de adoração da própria divindade. Por influência desta tradição romana, em toda a Península Ibérica, embora com especial incidência na zona do Algarve, ficou até aos nossos dias o costume de colocar nas portas e janelas das casas flores de giestas, também designadas por Maias (nome que provém do facto de florescerem em maior abundância do quinto mês do ano). Mais ainda, no início do século era habitual escolher-se nas aldeias uma jovem que, vestida de branco, era coroada de flores tal como a deusa.
Um pouco mais tarde, a partir do século XIII, esta celebração passou a abranger uma esfera mais alargada, agora enquanto concurso literário: os poetas e amantes da escrita, em geral, tinham nesta data a possibilidade de apresentar as suas produções num concurso.
Os Jogos Florais foram muito populares na Idade Média. Era um torneio cultural promovido anualmente em Toulouse, França, inspirado em tradições originárias da Roma antiga. Por se realizar na primavera, esse torneio, que envolvia várias modalidades literárias, oferecia prêmios (troféus) em forma de flores, daí o nome “Jogos Florais”.
Em Portugal, os procedimentos se regem por um regulamento com características específicas: os participantes podem optar por várias modalidades de escrita, sendo as mais comuns o poema lírico ou as quadra populares de tema livre, o soneto (tomando como inspiração um determinado assunto), poesia obrigada à utilização de um mote específico ou alegórica à própria cidade onde se realizam os Jogos e, finalmente, o tratamento de um adágio popular. O número de trabalhos por concorrente é ilimitado, sendo os seus autores obrigados a apresentar-se sob pseudónimo, para que os jurados não sofram qualquer tipo de influência durante a avaliação. Aos melhores trabalhos são oferecidos prémios, habitualmente três por modalidade. Por vezes, são ainda concedidas menções honrosas aos candidatos, cujos trabalhos, embora não sejam vencedores, são considerados dignos de destaque.
No Brasil, os I Jogos Florais de Nova Friburgo constaram de um grande concurso de trovas, com o tema “amor”. A festa de premiação, em maio de 1960, reuniu na bela cidade serrana fluminense, além dos vencedores do concurso, outros ilustres intelectuais, entre os quais Antônio Olinto, Eneida, Jorge Amado, Manuel Bandeira.
Dali por diante, dezenas de outras cidades passaram a promover torneios semelhantes, alguns com o nome de Jogos Florais, outros simplesmente como concursos de trovas. Na maioria dessas cidades, a festa hoje faz parte do calendário de eventos, constituindo importante atração turística.
O concurso de trovas propõe um ou mais temas, a partir dos quais trovadores de todo o Brasil e também de Portugal produzem seus versos. Ao final do prazo estabelecido para remessa dos trabalhos, uma comissão julgadora seleciona as trovas premiadas (vencedoras, menções honrosas e menções especiais).
Os autores das trovas contempladas são convidados a comparecer à cidade promotora do concurso para uma festa que dura de um a três dias. Nessa ocasião, além de passeios, recitais e outros programas, faz-se uma reunião solene para entrega dos prêmios (diplomas, troféus e medalhas). Não há prêmio em dinheiro. Quando há recursos disponíveis, os premiados ganham hospedagem e refeições, mas as despesas de transporte correm por conta de cada um. Por ser um movimento literário que se caracteriza pela fraternidade, tal costume é aceito tranqüilamente.

Junito de Sousa Brandão: Dicionário Mítico-Etimológico e da Religião Romana (1993); Silvério Benedito: Dicionário Breve da Mitologia Grega e Romana (2000); Almanaque 1996, ed. Ministério da Educação, Departamento de Educação Básica.

Fontes:
http://ubtportoalegre.portalcen.org/trovas.htm
www.folcloreonline.com/folhas/maio1.htm
www.italonet.com.br/mitologia/romana.htm
www.raizesdeportugal.com.br/cgomes/maios.htm
http://orbita.starmedia.com/~stargate2/proven.htm
http://www.fcsh.unl.pt/edtl/verbetes/J/jogos_florais.htm

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André Carneiro (Poesias)

MORO NA CARAVELA

Meu pai implantou
a ânsia das tarefas.
Acordo no tabuleiro pronto,
jogo contra o tempo.
Meu céu é vidro,
moro na caravela
no bojo da garrafa.
A mais de cem mil quilômetros por hora
viajo na cabine deste planeta
na mesma órbita.
0 fato sólido é vago
no cinema dos olhos.
Nazista dorme de farda,
um prisioneiro planeja,
o cogumelo gigante
calcinou lembranças eternas.
Verso deixa rastro,
anoto estratégias,
bebo absinto,
nem toco em asas douradas
dos besouros mexicanos.
0 amor é molhado,
as despedidas, secas.
Rejeições me matam,
mutante desesperado,
lambo escamas da sereia aflita
neste quarto.
No deserto, a formiga
prega a verdade para
um cristal de areia.
Procuro o sonho úmido
no púbis da memória,
acendo a pólvora das letras,
vôo em estilhaços no poema.

BARATAS SOBREVIVENTES

Invento a máquina
para trocar almas.
Você será eu
que serei você,
provisoriamente.
As circunvoluções
do seu labirinto cinzento,
sentirei “in loco”.
Serei absurdo com seus olhos meus,
você saberá porque me impaciento
com sua mente arbitrária.
Talvez o gratuito me fascine
e a lógica seja apenas palavras.
A minha será sua voz,
serei o outro lado
e o sol sofrerá impávido
até o resfriamento total,
exatamente dez bilhões de anos
no calendário romano,
quando as baratas sobreviventes
estarão contentes
em outros diálogos.

INTERVALOS
Há intervalo entre pulmão cheio e ar expulso.
Há intervalo quando pisco,
o mundo desaparece e renasce
em centésimo de segundo.
No relógio, repito itinerários,
volto na mesma cama mas não sou o mesmo.
Fabrico dez milhões de células diárias,
cada centímetro quadrado de minha carne
já não é aquela na sua carne.
Grãos de areia mudam a praia,
enquanto durmo, folhas novas
crescem com o vento da madrugada,
corações batendo pintam novos cenários.
Há um intervalo depois do orgasmo.
Paro nesta linha e penso,
de ato em ato, sou mais feito de intervalos
do que fatos na cotidiana engrenagem.
Nem parar o pensamento consigo.
faço versos como um cego,
apalpando abaixo da pele,
você nua, a dobrar roupas na cadeira,
enquanto o planeta (seio azul de água),
gira desesperado no cósmico intervalo
de um deus inexplicável.

Fonte: http://www.amigodaalma.com.br/

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André Carneiro

Biografia
André Carneiro considera a poesia sua principal atividade, entretanto, dotado de uma capacidade artística plenamente desenvolta, dedica-se à criação em várias artes.

Cineasta, criou e dirigiu filmes de pesquisa artística, premiados aqui e no exterior. Roteirista, foi premiado no Concurso Nacional para Roteiros, no Quarto Centenário de São Paulo. Seu filme Solidão representou o Brasil no Concurso Internacional para Filmes Artísticos, sendo premiado na Inglaterra em 1952,e exibido na França e Itália.

Seu conto O Mudo foi transformado em filme de longa metragem, dirigido por Júlio Xavier da Silveira em produção da Embrafilme.
Atuou no cinema publicitário dirigindo curtas metragens e comerciais na televisão.

Fotógrafo artístico, participou de vários salões nacionais e internacionais, tendo sido premiado no Brasil, Holanda e Itália.

Pintor e escultor, inovou a arte expondo seus trabalhos aos quais denomina “pintura dinâmica”, técnica na qual se vale de líquidos químicos imiscíveis ou não que tomam várias formas em compartimentos transparentes justapostos.
Também realizou exposições de “Poesia Colagem”, técnica com a qual criou capas de livros de vários autores.

Jornalista, foi editor e criador do conceituado jornal literário TENTATIVA, 1949, apresentado por Oswald de Andrade, para o qual colaboraram, na época, os maiores escritores nacionais, como Sérgio Milliet, Graciliano Ramos, José Lins do Rego, Vinícius de Morais e outros.

Como contista e romancista alcançou repercussão mundial. “André Carneiro deu o salto internacional,” afirmou o crítico Fausto Cunha. É o único escritor brasileiro de “science-fiction” traduzido na Espanha, Argentina, França, Inglaterra, Alemanha, Bélgica, ltália, Bulgária, Suécia, Japão etc. Considerado mestre internacional do gênero, foi destaque da importante editora norte-americana Putnam na antologia The Definitive Year’s Best Selection, de 1973, que editou os melhores contos de Ficção Científica do Mundo. Também tem seus contos publicados numa antologia universitária americana ao lado de nomes como Solzhenitsyn, Rafael Alberti, Gabriela Mistral, Anton Chekhov, Behold Brecht, Tagore, D.H. Lawrence, Jacques Prévert, Cisneiros, Huxley, etc.

Seu romance Piscina Livre, 1980, traduzido na Suécia, alcançou sucesso critico. A.E. Van Vogt (USA) o comparou a Kafka e Albert Camus. A Dictionary of Contemporary Brazilian Authors afirma que André escreve “a mais original F. C. do Brasil”. Também o crítico espanhol Augusto Uribe o considera o melhor autor em literatura fantástica da América Latina. Daniel Barbieri (Argentina) o cita como “o mais destacado escritor latino-americano do gênero”. Dinah Silveira de Queiroz o trata por “nosso mestre da F.C.”, e Carlos Drummond de Andrade afirmou que, “em Piscina Livre, André exercita de maneira brilhante a originalidade de ficcionista”.

Seu nome consta como verbete de enciclopédias nacionais e estrangeiras. É o único membro na América do Sul do Science Fiction & Fantasy Writers of América, entidade profissional de escritores americanos.

Estreou na poesia com o livro Ângulo & Face, 1949, editado por Cassiano Ricardo, que afirmou: “seu poder de comunicação chega a ser contundente, fere mais do que a sensibilidade à flor da pele”. Esse primeiro livro, assim como os demais, sempre são recebidos com elogios de toda a crítica brasileira. José Geraldo Vieira destacou que “somente alguns dos seus poemas já bastariam para o inserir entre as melhores expressões do modernismo”. Otto Maria Carpeaux destaca “os versos comoventes de Ângulo e Face”.

Em Portugal, A. Garibaldi afirma que André é “um dos grandes nomes da lírica brasileira”.

Ferreira Gullar lamenta que “a poesia sóbria e humana de André Carneiro passe despercebida do grande público: seus poemas são construídos arquiteturalmente, num equilíbrio de verbalismo e emoção”. “Poesia autêntica, sem ornatos inúteis, direta e bela” na opinião de Pascoal Carlos Magno. Lígia Fagundes Teles declarou: “Temos um verdadeiro poeta pela frente”. Cristovam Pavia, conhecido poeta português, considerou a poesia de A.C. “de originalidade admirável, profunda e madura”. Roger Bastide disse: “amei a pureza e o senso de escolha das imagens e seu valor no conjunto, confirmando o que Sérgio Milliet já me havia falado”. Carlos Drummond de Andrade, noutra oportunidade, reiterou que a poesia de André Carneiro “transfigura as coisas cotidianas”.

“Uma continuidade modelar do Modernismo numa renovada e luminosa expressão”, escreveu Oswald de Andrade.

André Carneiro é um dos dois maiores poetas vivos brasileiros, segundo Bernard Lorraine, poeta e critico francês.

Ganhou inúmeros prêmios nacionais como o Machado de Assis, do Estado da Guanabara, Melhor Livro do Ano,da Câmara Municipal de São Paulo, Prêmio Alphonsus de Guimaraens, em 1966,da Academia Mineira de Letras,e o Prêmio Nacional Nestlé, 1988,com o livro Pássaros Florescem, ed.Scipione.

Sua obra poética foi estudada durante anos pelo Prof. de Literatura da UNESP, Osvaldo C. Duarte,como motivo de sua dissertação de Mestrado O Estilo de André Carneiro,aprovada com nota máxima e louvor em 1996.O Prof. Duarte ainda escreveu o ensaio A Ciência na Obra Poética de André Carneiro(2001).

André sempre trabalhou com a hipnose,publicou livros a respeito do tema e participou dos primeiros Congressos Internacionais de Parapsicologia apresentando trabalhos nesta área, sendo considerado autoridade no assunto.

Críticos americanos, espanhóis e argentinos o classificam como o melhor autor de conto fantástico da América Latina. &A.E. Van Vogt, escreveu que ele “merece a mesma importância de um Kafka ou um Camus”. Ganhou vários prêmios com seus livros de poemas e prosa. Único membro da América do Sul do Science Fiction & Fantasy Writers of America. O crítico francês &Bernard Diez o considera o maior poeta vivo brasileiro. Foram escritas diversas teses acadêmicas de mestrado e doutorado sobre sua obra poética e sua prosa. André Carneiro escreveu também ensaios sobre Literatura e Hipnose Clínica. Vendeu recentemente para a Espanha os direitos para um filme do seu conto “Escuridão”, publicado nos EUA em antologia ao lado de ganhadores do Nobel de Literatura. Ao lado de Machado de Assis, Drummond, &Aluisio Azevedo etc, em Antologia no Brasil, editora Casa da Palavra, Rio. A Imprensa Oficial do Estado de São Paulo acaba de publicar uma coleção facsimilada do seu jornal Literário “Tentativa”, com titulo desenhado por Aldemir Martins e “Apresentação de Oswald de Andrade”.

Atualmente exerce, além da arte, sua atividade de Analista em Curitiba,PR.

Contatos com o André:
andrecarneiro77@hotmail.com ou no site http://www.amigodaalma.com.br

Livros Publicados
Ângulo & Face – poesia – Edart – SP – 1949
Diário da Nave Perdida – contos – Edart – SP – 1963
Espaçopleno – poesia – Clube de Poesia – SP – 1963
O Homem que Adivinhava – contos – Edart – SP – 1966
O Mundo Misterioso do Hipnotismo – ensaio – Edart – SP – 1963
Introdução ao Estudo da Ficção Científica – ensaio – Conselho Estadual de Cultura – SP -1967
Manual de Hipnose – ensaio – Ed. Resenha Universitária – SP – 1978
Piscina Livre – romance – Editora Moderna – SP – 1980
Pássaros Florescem – poesia – Ed. Scipione – SP – 1988
Amorquia – romance – Ed. Aleph – SP – 1991
A Máquina de Hyerônimus – contos – Universidade Federal de São Carlos -1997

Fonte: http://www.amigodaalma.com.br/

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Constelação de Trovas (Letra A)

A. A. DE ASSIS
Na biblioteca há mil sábios
a nosso inteiro dispor.
— Sem sequer mover os lábios,
cada livro é um professor.

AFONSO CELSO
A lutar com meu desejo,
comigo me desavim.
Contra mim mesmo pelejo…
Deus me defenda de mim!

ADOLPHO MACEDO
Foi tanta gente querida
residir na eternidade,
que a rua da minha vida
é asfaltada de saudade…

ALBA CHRISTINA CAMPOS NETTO
Brigas de amor têm segredos,
e eu juro que me comovo
ouvindo os nós dos teus dedos
batendo à porta de novo…

ALBA HELENA CORRÊA
Perdoa se fui ousado…
Não estou arrependido!
Quem ama, não tem pecado,
pecado… é o tempo perdido!

ALBERTINA MOREIRA PEDRO
Quem ama jamais se emenda…
Eu, que por ti chorei,
risquei teu nome da agenda,
mas a folha não rasguei!

ALCY RIBEIRO SOUTO MAIOR
Na paixão em que me abraso,
tanto sol tem minha estrada,
que eu não troco o meu ocaso
pela mais linda alvorada!

ALFREDO DE CASTRO
A bondade é um sábio meio
de ajudar-se e de ajudar:
— quem enxuga o pranto alheio
não tem tempo de chorar!

ALMEIDA CORRÊA
Em sepultura modesta
repousa quem foi meu bem;
isso é motivo de festa:
ela descansa… e eu também…

ALMERINDA LIPORAGE (TITA)
Nós tanto nos pertencemos,
nosso amor vai tão além,
que nós dois já nem sabemos
qual de nós é mais de quem!

ALMIRA GUARACY REBÊLO
Neste encontro inesperado,
vamos brindar a nós dois.
Primeiro, o beijo guardado…
O vinho eu peço depois!

ALONSO ROCHA
Louco artista é o trovador,
que o sofrimento renova
quando exibe a própria dor
no palco de sua trova.

ALYDIO C. SILVA
O forró foi bom de fato,
no sítio do manelão;
tinha mais casal no mato
do que dentro do salão!

AMALIA MAX
Relógio, fique parado!
Não deixe o tempo passar…
Eu quero ser enganado
quando a velhice chegar!

AMILTON MONTEIRO
Quem quiser bem conhecer
alguém em profundidade
basta só lhe conceder
um pouco de autoridade…

ANA MARIA MOTTA
Você nem sabe a ventura
que me traz seu bem-querer:
se é paixão ou se é loucura,
eu não quero nem saber!

ANGÉLICA VILLELA SANTOS
O bruxolear de uma chama
de vela, gasta e mortiça,
lembra o excluido que clama
por respeito e por justiça!

ANTONIO CARLOS T. PINTO
Se tu jamais foste minha,
se nunca fui teu também,
posso ir só, que irás sozinha…
Ninguém perde o que não tem!

ANTONIO CLARET MARQUES
Nos meus tempos de menino
tinha na palma da mão
a fieira do destino
nas voltas do meu pião!

ANTONIO DE OLIVEIRA
Entre aqueles que se querem,
nos momentos de emoção,
o que os lábios não disserem,
por certo os olhos dirão!

ANTONIO FACCI
Se de barro fomos feitos
nesta olaria divina,
somos dois corpos perfeitos,
partilhando a mesma sina!

ANTONIO JURACI SIQUEIRA
Nessa estrada em que trafego
nem sempre flores conquisto
pois sei que em terra de cego
quem tem um olho… é malvisto!

ANTÔNIO ROBERTO FERNANDES
Na bicicleta da vida
pedalei tanto, meu Deus,
mas no melhor da descida
furaram-se os dois pneus!…

ANTONIO SALES
Como uma voz que em segredo
reza em momentos de mágoa,
do coração do rochedo
sai gemendo um fio d’água.

ANTONIO SALOMÃO
Ao confessar que te amei
quando não eras tão minha,
não era ainda o teu rei,
porque nem eras rainha.

ANTONIO ZANETTI
A gente crê, não duvida,
a vida é combate ingente:
— a gente bate na vida
e a vida bate na gente.

APARÍCIO FERNANDES
Poucos sabem que não sabem
tudo o que dizem saber.
maiores saberes cabem
nos que sabem sem dizer.

APOLLO TABORDA FRANÇA
Adocei minha saudade,
Bem lembrando de você…
Pense em mim, tenha bondade,
Esquecer?… não sei por quê!

ARGEMIRA FERNANDES MARCONDES
A mentira é uma afronta,
começa pequena, leve…
Quando a gente se dá conta
já virou bola de neve.

ARIANE FRANÇA DE SOUZA
Nas terras aqui do sul,
com porte nobre e altaneiro,
plantado por gralha azul,
seu nome mesmo?… Pinheiro!

ARLENE LIMA
Lavrador, ao fim do dia,
após a lida no chão,
tua enxada rodopia
celebrando a produção!

ARLINDO TADEU HAGEN
Dos meus tempos de criança,
quase tudo se acabou;
restam restos de esperança
da esperança que restou!…

AUGUSTO GOMES
Saudade, minha saudade,
como é triste o teu cantar;
se não choro é por vaidade,
mas… é duro não chorar!

Fonte: www.falandodetrovas.com.br

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Adalgisa Nery (1905 – 1980)

Nasceu na cidade do Rio de Janeiro. Casou-se com o pintor Ismael Nery aos 16 anos de idade, passando a conviver com intelectuais da época, entre os quais Manuel Bandeira, Murilo Mendes, Aníbal Machado e Jorge de Lima. Com o falecimento de Ismael, inicia sua carreira Literária publicando seu primeiro trabalho em 1935, na Revista Acadêmica, passando a contribuir com vários periódicos. Em 1940, casou-se com Lorival Fontes, que foi nomeado embaixador do Brasil no México. Com isso, a escritora passou a freqüentar a elite intelectual daquele país, tendo sido retratada por Diogo Rivera e amiga de Frida Kalo. De volta ao Brasil, após sua separação, iniciou sua carreira como articulista política, tendo escrito, de 1954 a 1966, uma coluna diária no jornal Última Hora sob o título “Retratos sem retoque”. Foi eleita deputada por dois mandatos — 1962 e 1966. Foi cassada pela Junta Militar, em 1969. Deprimida, faleceu em um abrigo de idosos, no Rio de Janeiro. Algumas obras da autora: O jardim das carícias (1938), Mulher ausente (1940), Ar do deserto (1943), Cantos da angústia (1948), As fronteiras da quarta dimensão (1951) e A imaginária (1959).

Fonte:
http://www.releituras.com/anery_gargalhada.asp

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Ingles de Sousa (1853 – 1918)

Herculano Marcos Inglês de Sousa (Óbidos, 28 de dezembro de 1853 — Rio de Janeiro, 6 de setembro de 1918) foi um professor, advogado, político, jornalista e escritor brasileiro, introdutor do Naturalismo na literatura brasileira e um dos membros fundadores da Academia Brasileira de Letras. Escreveu inicialmente sob o pseudônimo Luiz Dolzani.
Era filho do desembargador Marcos Antônio Rodrigues de Sousa e de Henriqueta Amália de Góis Brito, membros de tradicionais famílias paraenses.
Em 1876 publicou dois romances, O cacaulista e História de um pescador, aos quais seguiram-se mais dois, todos publicados sob o pseudônimo Luís Dolzani. Com Antônio Carlos Ribeiro de Andrade e Silva publicou, em 1877, a Revista Nacional, de ciências, artes e letras.
Foi o introdutor do Naturalismo no Brasil, mas seus primeiros romances não tiveram repercussão. A principal característica de sua obra é o enfoque no homem amazônico, acima da paisagem e do exotismo da região.
Compareceu às sessões preparatórias da criação da Academia Brasileira de Letras (ABL), onde fundou a Cadeira n. 28, que tem como patrono Manuel Antônio de Almeida.
Nesse grupo que deu inicio à ABL também participou outro obidense ilustre, José Veríssimo, que, juntamente com Araripe Júnior, Artur de Azevedo, Graça Aranha, Guimarães Passos, Joaquim Nabuco, Lúcio de Mendonça, Machado de Assis, Medeiros e Albuquerque, Olavo Bilac, Pedro Rabelo, Rodrigo Otávio, Silva Ramos, Visconde de Taunay e Teixeira de Melo, realizaram a sétima e última sessão preparatória em 28 de janeiro de 1897.
Nessa sessão foram incorporados como membros aqueles que haviam comparecido às sessões preparatórias anteriores: Coelho Neto, Filinto de Almeida, José do Patrocínio, Luís Murat e Valentim Magalhães. Foram convidados para participar como fundadores, e aceitaram, Afonso Celso Júnior, Alberto de Oliveira, Alcindo Guanabara, Carlos de Laet, Garcia Redondo, Pereira da Silva, Rui Barbosa, Sílvio Romero e Urbano Duarte.
Tornou-se conhecido com O missionário (1891), que, como toda sua obra, revela influência de Zola. Nesse romance, descreve com fidelidade a vida numa pequena cidade do Pará, revelando agudo espírito de observação, amor à natureza, fidelidade a cenas regionais.
Inglês de Sousa fez os primeiros estudos no Pará, no Maranhão e no Rio de Janeiro.
Em 1870 foi para a cidade de Recife para preparar o concurso para a entrada na Faculdade de Direito do Recife, que cursou de 1872 a 1875.
Em 1875, com a nomeação de seu pai como juiz de direito em Santos, foi buscar as irmãs que estavam no Para e partiu em 1876 para São Paulo para completar o curso de direito inscrevendo-se para o quinto (e último ano) na Faculdade de Direito de São Paulo onde formou-se em 4 de novembro de 1876.
Em 1878, quando ainda morava na cidade de Santos onde era jornalista no Diário de Santos, de propriedade de João José Teixeira, militava ativamente no então Partido Liberal, em oposição ao Partido Conservador. Em 5 de janeiro de 1878 subiu ao poder o Partido Liberal, sob a presidência do Conselheiro João Lins Vieira Cansansão de Sinimbu e com ele Carlos Leôncio da Silva Carvalho para a pasta do Império, que nomeou Inglês de Sousa Secretario da Relação de São Paulo em 18 de maio de 1878.
Foi eleito deputado Provincial (equivalente dos atuais deputados estaduais) para a Assembléia Provincial de São Paulo (hoje Assembléia Legislativa do Estado de São Paulo) na 23ª e 24ª legislaturas (1880 a 1883).
Foi nomeado presidente da Província de Sergipe (hoje Estado) por Carta Imperial de 2 de maio de 1881 e tomou posse em 17 de maio de 1881. Sua missão consistia em controlar uma rebelião da guarnição militar local e supervisionar a aplicação da recém promulgada Lei Saraiva em Sergipe. Após controlar a situação e supervisionar as eleições de 1881, pediu exoneração do cargo que foi concedida pelo decreto de 28 de janeiro de 1882, governando até 22 de fevereiro de 1882.
Após a sua exoneração de Sergipe, foi nomeado Presidente da Província do Espírito Santo por Carta Imperial de 11 de fevereiro de 1882 e tomou posse em 3 de abril de 1882.
Pediu exoneração do posto e deixou o cargo em 9 de dezembro de 1882 para tomar posse como deputado provincial da 24a legislatura (1882 a 1883) da Assembléia da Provincial de São Paulo.
A partir de 1892, fixou-se no Rio de Janeiro, como advogado, banqueiro, jornalista e professor de Direito Comercial e Marítimo na Faculdade Livre de Ciências Jurídicas e Sociais do Rio de Janeiro.
A publicação de Os Títulos ao Portador assegura-lhe projeção nacional e o torna jurisconsulto de fama e prestigio, sendo indicado para diretor da Faculdade de Ciências Jurídicas e Sociais do Rio de Janeiro e Presidente do Instituto dos Advogados Brasileiros (IAB) de 1907 a 1910, qualidade na qual presidiu o Primeiro Congresso Jurídico Nacional.
Convidado, mais de uma vez, para o supremo Tribunal, não aceitou a indicação, “por motivos de ordem pessoal”. E convidado pelo Ministro Rivadavia Correia para organizar o novo Código Comercial, apresenta-o, dentro de 11 meses, com notáveis emendas aditivas, que o transformam em Código uno de direito privado, de que era convicto partidário. Realiza Inglês de Sousa a primeira codificação integral de todo o direito privado.
Inglês de Sousa morreu na capital da República e foi sepultado no Cemitério São João Batista no dia 7 de setembro de 1918 com “um dos maiores acompanhamentos de que há memória”, segundo registrou o jornal “O País” no dia seguinte.
Fonte:

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Carlos Drummond de Andrade (1902-1987)

CARLOS DRUMMOND DE ANDRADE
(1902 – 1987)

(…) Pois de tudo fica um pouco.Fica um pouco de teu queixono queixo de tua filha.De teu áspero silêncioum pouco ficou, um pouconos muros zangados,nas folhas, mudas, que sobem.
Ficou um pouco de tudono pires de porcelana,dragão partido, flor branca,ficou um poucode ruga na vossa testa,retrato.
(…) E de tudo fica um pouco.Oh abre os vidros de loçãoe abafao insuportável mau cheiro da memória.
(Resíduo)
Carlos Drummond de Andrade nasceu em Itabira do Mato Dentro – MG, em 31 de outubro de 1902. De uma família de fazendeiros em decadência, estudou na cidade de Belo Horizonte e com os jesuítas no Colégio Anchieta de Nova Friburgo RJ, de onde foi expulso por “insubordinação mental”. De novo em Belo Horizonte, começou a carreira de escritor como colaborador do Diário de Minas, que aglutinava os adeptos locais do incipiente movimento modernista mineiro.
Ante a insistência familiar para que obtivesse um diploma, formou-se em farmácia na cidade de Ouro Preto em 1925. Fundou com outros escritores A Revista, que, apesar da vida breve, foi importante veículo de afirmação do modernismo em Minas. Ingressou no serviço público e, em 1934, transferiu-se para o Rio de Janeiro, onde foi chefe de gabinete de Gustavo Capanema, ministro da Educação, até 1945. Passou depois a trabalhar no Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional e se aposentou em 1962. Desde 1954 colaborou como cronista no Correio da Manhã e, a partir do início de 1969, no Jornal do Brasil.
O modernismo não chega a ser dominante nem mesmo nos primeiros livros de Drummond, Alguma poesia (1930) e Brejo das almas (1934), em que o poema-piada e a descontração sintática pareceriam revelar o contrário. A dominante é a individualidade do autor, poeta da ordem e da consolidação, ainda que sempre, e fecundamente, contraditórias. Torturado pelo passado, assombrado com o futuro, ele se detém num presente dilacerado por este e por aquele, testemunha lúcida de si mesmo e do transcurso dos homens, de um ponto de vista melancólico e cético. Mas, enquanto ironiza os costumes e a sociedade, asperamente satírico em seu amargor e desencanto, entrega-se com empenho e requinte construtivo à comunicação estética desse modo de ser e estar.
Vem daí o rigor, que beira a obsessão. O poeta trabalha, sobretudo com o tempo, em sua cintilação cotidiana e subjetiva, no que destila do corrosivo. Em Sentimento do mundo (1940), em José (1942) e, sobretudo em A rosa do povo (1945), Drummond lançou-se ao encontro da história contemporânea e da experiência coletiva, participando, solidarizando-se social e politicamente, descobrindo na luta a explicitação de sua mais íntima apreensão para com a vida como um todo. A surpreendente sucessão de obras-primas, nesses livros, indica a plena maturidade do poeta, mantida sempre.
Várias obras do poeta foram traduzidas para o espanhol, inglês, francês, italiano, alemão, sueco, tcheco e outras línguas. Drummond foi seguramente, por muitas décadas, o poeta mais influente da literatura brasileira em seu tempo, tendo também publicado diversos livros em prosa.
Em mão contrária traduziu os seguintes autores estrangeiros: Balzac (Les Paysans, 1845; Os camponeses), Choderlos de Laclos (Les Liaisons dangereuses, 1782; As relações perigosas), Marcel Proust (La Fugitive, 1925; A fugitiva), García Lorca (Doña Rosita, la soltera o el lenguaje de las flores, 1935; Dona Rosita, a solteira), François Mauriac (Thérèse Desqueyroux, 1927; Uma gota de veneno) e Molière (Les Fourberies de Scapin, 1677; Artimanhas de Scapino).
Alvo de admiração irrestrita, tanto pela obra quanto pelo seu comportamento como escritor, Carlos Drummond de Andrade morreu no Rio de Janeiro RJ, no dia 17 de agosto de 1987, poucos dias após a morte de sua filha única, a cronista Maria Julieta Drummond de Andrade.

1902 – Nasce em Itabira do Mato Dentro, Estado de Minas Gerais; nono filho de Carlos de Paula Andrade, fazendeiro, e D. Julieta Augusta Drummond de Andrade.
1910 – Inicia o curso primário no Grupo Escolar Dr. Carvalho Brito, em Itabira (MG).
1916 – Aluno interno no Colégio Arnaldo, da Congregação do Verbo Divino, Belo Horizonte. Conhece Gustavo Capanema e Afonso Arinos de Melo Franco. Por problemas de saúde, interrompe seus estudos no segundo ano. 1917 – Toma aulas particulares com o professor Emílio Magalhães, em Itabira.
1918 – Aluno interno no Colégio Anchieta, da Companhia de Jesus, em Nova Friburgo; é laureado em “certames literários”. Seu irmão Altivo publica, no único exemplar do jornalzinho Maio, seu poema em prosa “ONDA”.
1919 – Expulso do Colégio Anchieta mesmo depois de ter sido obrigado a retratar-se. Justificativa da expulsão: “insubordinação mental”.
1920 – Muda-se com a família para Belo Horizonte.
1921 – Publica seus primeiros trabalhos na seção “Sociais” do Diário de Minas. Conhece Milton Campos, Abgar Renault, Emílio Moura, Alberto Campos, Mário Casassanta, João Alphonsus, Batista Santiago, Aníbal Machado, Pedro Nava, Gabriel Passos, Heitor de Sousa e João Pinheiro Filho, todos freqüentadores do Café Estrela e da Livraria Alves.
1922 – Ganha 50 mil réis de prêmio pelo conto “Joaquim do Telhado” no concurso Novela Mineira. Publica trabalhos nas revistas Todos e Ilustração Brasileira.
1923 – Entra para a Escola de Odontologia e Farmácia de Belo Horizonte.
1924 – Escreve carta a Manuel Bandeira, manifestando-lhe sua admiração. Conhece Blaise Cendrars, Oswald de Andrade, Tarsila do Amaral e Mário de Andrade no Grande Hotel de Belo Horizonte. Pouco tempo depois inicia a correspondência com Mário de Andrade, que durará até poucos dias antes da morte de Mário.
1925 – Casa-se com a senhorita Dolores Dutra de Morais, a primeira ou segunda mulher a trabalhar num emprego (como contadora numa fábrica de sapatos), em Belo Horizonte. Funda, junto com Emílio Moura e Gregoriano Canedo, A Revista, órgão modernista do qual saem três números. Conclui o curso de Farmácia, mas não exerce a profissão, alegando querer “preservar a saúde dos outros”.
1926 – Leciona Geografia e Português no Ginásio Sul-Americano de Itabira. Volta para Belo Horizonte, por iniciativa de Alberto Campos, para trabalhar como redator-chefe do Diário de Minas. Heitor Villa Lobos, sem conhecê-lo, compõe uma seresta sobre o poema “Cantiga de Viúvo”.
1927 – Nasce, no dia 22 de março, mas vive apenas meia hora, seu filho Carlos Flávio.
1928 – Nasce, no dia 4 de março, sua filha Maria Julieta, quem se tornará sua grande companheira ao longo da vida. Publica na Revista de Antropofagia de São Paulo, o poema “No meio do caminho”, que se torna um dos maiores escândalos literários do Brasil. 39 anos depois publicará “Uma pedra no meio do caminho – Biografia de um poema”, coletânea de críticas e matérias resultantes do poema ao longo dos anos. Torna-se auxiliar de redação da Revista do Ensino da Secretaria de Educação.
1929 – Deixa o Diário de Minas para trabalhar no Minas Gerais, órgão oficial do Estado, como auxiliar de redação e pouco depois, redator, sob a direção de Abílio Machado.
1930 – Publica seu primeiro livro, “Alguma Poesia”, em edição de 500 exemplares paga pelo autor, sob o selo imaginário “Edições Pindorama”, criado por Eduardo Frieiro. Auxiliar de Gabinete do Secretário de Interior Cristiano Machado; passa a oficial de gabinete quando seu amigo Gustavo Capanema substitui Cristiano Machado.
1931 – Falece seu pai, Carlos de Paula Andrade, aos 70 anos.
1933 – Redator de A Tribuna. Acompanha Gustavo Capanema quando este é nomeado Interventor Federal em Minas Gerais.
1934 – Volta a ser redator dos jornais Minas Gerais, Estado de Minas e Diário da Tarde, simultaneamente. Publica “Brejo das Almas” em edição de 200 exemplares, pela cooperativa Os Amigos do Livro. Muda-se, com D. Dolores e Maria Julieta, para o Rio de Janeiro, onde passa a trabalhar como chefe de gabinete de Gustavo Capanema, novo Ministro de Educação e Saúde Pública.
1935 – Responde pelo expediente da Diretoria-Geral e é membro da Comissão de Eficiência do Ministério da Educação.
1937 – Colabora na Revista Acadêmica, de Murilo Miranda.
1940 – Publica “Sentimento do Mundo” em tiragem de 150 exemplares, distribuídos entre os amigos.
1941 – Assina sob o pseudônimo “O Observador Literário”, a seção “Conversa Literária” da revista Euclides. Colabora no suplemento literário de A Manhã, dirigido por Múcio Leão e mais tarde por Jorge Lacerda.
1942 – A Livraria José Olympio Editora publica “Poesias”. O Editor José Olympio é o primeiro a se interessar pela obra do poeta.
1943 – Traduz e publica a obra Thérèse Desqueyroux, de François Mauriac, sob o título de “Uma gota de veneno”. 1944 – Publica “Confissões de Minas”, por iniciativa de Álvaro Lins.
1945 – Publica “A Rosa do Povo” pela José Olympio e a novela “O Gerente”. Colabora no suplemento literário do Correio da Manhã e na Folha Carioca. Deixa a chefia de gabinete de Capanema, sem nenhum atrito com este e, a convite de Luís Carlos Prestes, figura como editor do diário comunista, então fundado, Imprensa Popular, junto com Pedro Mota Lima, Álvaro Moreyra, Aydano do Couto Ferraz e Dalcídio Jurandir. Meses depois se afasta do jornal por discordar da orientação do mesmo. É chamado por Rodrigo M.F. de Andrade para trabalhar na Diretoria do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, onde mais tarde se tornará chefe da Seção de História, na Divisão de Estudos e Tombamento.
1946 – Recebe o Prêmio pelo Conjunto de Obra, da Sociedade Felipe d’Oliveira. Sua filha Maria Julieta publica a novela “A Busca”, pela José Olympio.
1947 – É publicada sua tradução de “Les liaisons dangereuses”, de Choderlos De Laclos, sob o título de “As relações perigosas”.
1948 – Publica “Poesia até agora”. Colabora em Política e Letras, de Odylo Costa, filho. Falece Julieta Augusta Drummond de Andrade, sua mãe. Comparece ao enterro em Itabira que acontece ao mesmo tempo em que é executada no Teatro Municipal do Rio de Janeiro a obra “Poema de Itabira” de Heitor Villa-Lobos, composta sobre seu poema “Viagem na Família”.
1949 – Volta a escrever no jornal Minas Gerais. Sua filha Maria Julieta casa-se com o escritor e advogado argentino Manuel Graña Etcheverry e passa a residir em Buenos Aires, onde desempenhará, ao longo de 34 anos, um importante trabalho de divulgação da cultura brasileira.
1950 – Vai a Buenos Aires para o nascimento de seu primeiro neto, Carlos Manuel.
1951 – Publica “Claro Enigma”, “Contos de Aprendiz” e “A mesa”. É publicado em Madrid o livro “Poemas”.
1952 – Publica “Passeios na Ilha” e “Viola de Bolso”.
1953 – Exonera-se do cargo de redator do Minas Gerais, ao ser estabilizada sua situação de funcionário da DPHAN. Vai a Buenos Aires para o nascimento de seu neto Luis Mauricio, a quem dedica o poema “A Luis Mauricio infante”. É publicado em Buenos Aires o livro “Dos Poemas”, com tradução de Manuel Graña Etcheverry, genro do poeta.
1954 – Publica “Fazendeiro do Ar & Poesia até agora”. Aparece sua tradução para “Les paysans”, de Balzac. Realiza na Rádio Ministério de Educação, em diálogo com Lya Cavalcanti, a série de palestras “Quase memórias”. Inicia no Correio da Manhã a série de crônicas “Imagens”, mantida até 1969.
1955 – Publica “Viola de Bolso novamente encordoada”.
1956 – Publica “50 Poemas escolhidos pelo autor”. Aparece sua tradução para “Albertine disparue”, de Marcel Proust.
1957 – Publica “Fala, amendoeira” e “Ciclo”.
1958 – Publica-se em Buenos Aires uma seleção de seus poemas na coleção “Poetas del siglo veinte”. É encenada e publicada a sua tradução de “Doña Rosita la soltera” de Federico García Lorca, pela qual recebe o Prêmio Padre Ventura, do Círculo Independente de Críticos Teatrais.
1960 – Nasce seu terceiro neto, Pedro Augusto, em Buenos Aires. A Biblioteca Nacional publica a sua tradução de “Oiseaux-Mouches orthorynques du Brèsil” de Descourtilz. Colabora em Mundo Ilustrado.
1961 – Colabora no programa Quadrante da Rádio Ministério da Educação, instituído por Murilo Miranda. Falece seu irmão Altivo.
1962 – Publica “Lição de coisas”, “Antologia Poética” e “A bolsa & a vida”. É demolida a casa da Rua Joaquim Nabuco 81, onde viveu 36 anos. Passa a morar em apartamento. São publicadas suas traduções de “L’Oiseau bleu” de Maurice Maeterlink e de “Les fouberies de Scapin”, de Molière, esta última é encenada no Teatro Tablado do Rio de Janeiro. Recebe novamente o Prêmio Padre Ventura. Aposenta-se como Chefe de Seção da DPHAN, após 35 anos de serviço público, recebendo carta de louvor do Ministro da Educação, Oliveira Brito.
1963 – É lançada sua tradução de “Sult” (Fome) de Knut Hamsun. Recebe os Prêmios Fernando Chinaglia, da União Brasileira de Escritores, e Luísa Cláudio de Sousa, do PEN Clube do Brasil, pelo livro “Lição de coisas”. Colabora no programa Vozes da Cidade, instituído por Murilo Miranda, na Rádio Roquete Pinto, e inicia o programa Cadeira de Balanço, na Rádio Ministério da Educação. Viaja, com D. Dolores, a Buenos Aires durante as férias.
1964 – Publica a primeira edição da “Obra Completa”, pela Aguilar.
1965 – São lançados os livros “Antologia Poética”, em Portugal; “In the middle of the road”, nos Estados Unidos; “Poesie”, na Alemanha. Publica, em colaboração com Manuel Bandeira, “Rio de Janeiro em prosa & verso”. Colabora em Pulso.
1966 – Publica “Cadeira de balanço”, e na Suécia é lançado “Naten och rosen”.
1967 – Publica “Versiprosa”, “Mundo vasto mundo”, com tradução de Manuel Graña Etcheverry, em Buenos Aires e publicação de “Fyzika strachu” em Praga.
1968 – Publica “Boitempo & A falta que ama”. Membro correspondente da Hispanic Society of America, Estados Unidos.
1969 – Deixa o Correio da Manhã e começa a escrever para o Jornal do Brasil. Publica “Reunião (10 livros de poesia)”.
1970 – Publica “Caminhos de João Brandão”.
1971 – Publica “Seleta em prosa e verso”. Edição de “Poemas” em Cuba.
1972 – Viaja a Buenos Aires com D. Dolores para visitar a filha, Maria Julieta. Publica “O poder ultrajovem”. Jornais do Rio, São Paulo, Belo Horizonte e Porto Alegre publicam suplementos comemorativos do 70º aniversário do poeta.
1973 – Publica “As impurezas do branco”, “Menino Antigo – Boitempo II”, “La bolsa y la vida”, em Buenos Aires, e “Réunion”, em Paris.
1974 – Recebe o Prêmio de Poesia da Associação Paulista de Críticos Literários. Membro honorário da American Association of Teachers of Spanish and Portuguese, Estados Unidos.
1975 – Publica “Amor, Amores”. Recebe o Prêmio Nacional Walmap de Literatura e recusa, por motivo de consciência, o Prêmio Brasília de Literatura, da Fundação Cultural do Distrito Federal.
1977 – Publica “A visita”, “Discurso de primavera e algumas sombras” e “Os dias lindos”. Grava 42 poemas em dois long plays, lançados pela Polygram. Edição búlgara de “UYBETBO BA CHETA” (Sentimento do Mundo). 1978 – Publica “70 historinhas” e “O marginal Clorindo Gato”. Edições argentinas de “Amar-amargo” e “El poder ultrajoven”.
1979 – Publica “Poesia e Prosa”, 5ª edição, revista e atualizada, pela editora Nova Aguilar. Viaja a Buenos Aires por motivo de doença de sua filha Maria Julieta. Publica “Esquecer para lembrar – Boitempo III”.
1980 – Recebe os Prêmios Estácio de Sá, de jornalismo, e Morgado Mateus (Portugal), de poesia. Edição limitada de “A paixão medida”. Noite de autógrafos na Livraria José Olympio Editora para o lançamento conjunto da edição comercial de “A paixão medida” e “Um buquê de Alcachofras”, de Maria Julieta Drummond de Andrade; o poeta e sua filha autografam juntos na Casa José Olympio. Edição de “En rost at folket”, Suécia. Edição de “The minus sign”, Estados Unidos. Edição de “Gedichten” Poemas, Holanda.
1981 – Publica “Contos Plausíveis” e “O pipoqueiro da esquina”. Edição inglesa de “The minus sign”.
1982 – Ano do 80º aniversário do poeta. São realizadas exposições comemorativas na Biblioteca Nacional e na Casa de Rui Barbosa, no Rio de Janeiro. Os principais jornais do Brasil publicam suplementos comemorando a data. Recebe o título de Doutor honoris causa pela Universidade Federal do Rio Grande do Norte. Edição mexicana de “Poemas”. A cidade do Rio de Janeiro festeja a data com cartazes de afeto ao poeta. Publica “A lição do amigo – Cartas de Mário de Andrade a Carlos Drummond de Andrade”, com notas do destinatário. Publicação de “Carmina drummondiana”, poemas de Drummond traduzidos ao latim por Silva Bélkior.
1983 – Declina do troféu Juca Pato. Publica “Nova Reunião (19 livros de poesia)”, último livro do poeta publicado, em vida, pela Casa José Olympio.
1984 – Despede-se da casa do velho amigo José Olympio e assina contrato com a Editora Record, que publica sua obra até hoje. Também se despede do Jornal do Brasil, depois de 64 anos de trabalho jornalístico, com a crônica “Ciao”. Publica, pela Editora Record, “Boca de Luar” e “Corpo”.
1985 – Publica “Amar se aprende amando”, “O observador no escritório” (memórias), “História de dois amores” (livro infantil) e “Amor, sinal estranho”. Edição de “Frän oxen tid”, Suécia.
1986 – Publica “Tempo, vida, poesia”. Edição de “Travelling in the family”, em New York, pela Random House. Escreve 21 poemas para a edição do centenário de Manuel Bandeira, preparada pela editora Alumbramento, com o título “Bandeira, a vida inteira”. Sofre um infarto e é internado durante 12 dias.
1987 – No 31 de janeiro escreve seu último poema, “Elegia a um tucano morto” que passa a integrar “Farewell”, último livro organizado pelo poeta. É homenageado pela escola de samba Estação Primeira de Mangueira, com o samba enredo “No reino das palavras”, que vence o Carnaval 87. No dia 5 de agosto, depois de 2 meses de internação, falece sua filha Maria Julieta, vítima de câncer. “E assim vai-se indo a família Drummond de Andrade” – comenta o poeta. Seu estado de saúde piora. 12 dias depois falece o poeta, de problemas cardíacos e é enterrado no mesmo túmulo que a filha, no Cemitério São João Batista do Rio de Janeiro. O poeta deixa obras inéditas: “O avesso das coisas” (aforismos), “Moça deitada na grama”, “O amor natural” (poemas eróticos), “Viola de bolso III” (Poesia errante), hoje publicados pela Record; “Arte em exposição” (versos sobre obras de arte), “Farewell”, além de crônicas, dedicatórias em verso coletadas pelo autor, correspondência e um texto para um espetáculo musical, ainda sem título. Edições de “Moça deitada na grama”, “O avesso das coisas” e reedição de “De notícias e não notícias faz-se a crônica” pela Editora Record. Edição de “Crônicas – 1930-1934”. Edição de “Un chiaro enigma” e “Sentimento del mondo”, Itália. Publicação de “Mundo Grande y otros poemas”, na série Los grandes poetas, em Buenos Aires.
1988 – Publicação de “Poesia Errante”, livro de poemas inéditos, pela Record.
1989 – Publicação de “Auto-retrato e outras crônicas”, edição organizada por Fernando Py. Publicação de “Drummond: frente e verso”, edição iconográfica, pela Alumbramento, e de “Álbum para Maria Julieta”, edição limitada e fac-similar de caderno com originais manuscritos de vários autores e artistas, compilados pelo poeta para sua filha. A Casa da Moeda homenageia o poeta emitindo uma nota de 50 cruzeiros com seu retrato, versos e uma auto-caricatura.
1990 – O Centro Cultural Banco do Brasil (CCBB) organiza uma exposição comemorativa dos 60 anos da publicação de “Alguma Poesia”. Palestras de Manuel Graña Etcheverry, “El erotismo en la poesia de Drummond” no CCBB e de Affonso Romano de Sant’Anna, “Drummond, um gauche no mundo”. Encenação teatral de “Mundo, vasto mundo”, com Tônia Carrero, o coral Garganta e Paulo Autran, sob a direção deste no Teatro II do CCBB. Encenação de “Crônica Viva”, com adaptação de João Brandão e Pedro Drummond, no CCBB. Edição da antologia “Itabira”, em Madrid, pela editora Visor. Edição limitada de “Arte em exposição”, pela Salamandra. Edição de “Poésie”, pela editora Gallimard, França.
1991 – Publicação de “Obra Poética”, pela editora Europa-América, em Portugal.
1992 – Edição de “O amor natural”, de poemas eróticos, organizada pelo autor, com ilustrações de Milton Dacosta e projeto gráfico de Alexandre Dacosta e Pedro Drummond. Publicação de “Tankar om ordet menneske”, Noruega. Edição de “Die liefde natuurlijk” (O amor natural) na Holanda.
1993 – Publicação de “O amor natural”, em Portugal, pela editora Europa-América. Prêmio Jabuti pelo melhor livro de poesia do ano, “O amor natural”.
1994 – Publicação pela Editora Record de novas edições de “Discurso de primavera” e “Contos plausíveis”. No dia 2 de julho falece D. Dolores Morais Drummond de Andrade, viúva do poeta, aos 94 anos.
1995 – Encenação teatral de “No meio do caminho…”, crônicas e poemas do poeta com roteiro e adaptação de João Brandão e Pedro Drummond. Lançamento de um selo postal em homenagem ao poeta. Drummond na era digital, publicação de uma pequena antologia em cinco idiomas sob o título de “Alguma Poesia”, no World Wide Web , Internet, na data de seu 93º aniversário. Projeto do CD-ROM “CDA-ROM”, que visa a publicar, em ambiente interativo e com os recursos da multimídia, os 40 poemas recitados pelo autor, uma iconografia baseada na coleção de fotografias do poeta, entrevistas em vídeo e um curta-metragem.
1996 – Lançamento do livro Farwell, último organizado pelo poeta, no Centro Cultural do Banco do Brasil do Rio de Janeiro, com a apresentação de Joana Fomm e José Mayer. Esse livro é ganhador do Prêmio Jabuti.
1997 – Primeira edição interativa do livro “O Avesso das Coisas”.
1998 – Inauguração do Museu de Território Caminhos Dummondianos em Itabira. No dia 31 de outubro é inaugurado o Memorial Carlos Drummond de Andrade, projeto do arquiteto Oscar Niemeyer, no Pico do Amor da cidade de Itabira. Prêmio in memorian Medalha do Sesquicentenário da Cidade de Itabira.
1999 – I Forum Itabira Século XXI — Centenário Drummond, realizado na cidade de Itabira. Lançamento do CD “Carlos Drummond de Andrade por Paulo Autran”, pelo selo Luz da Cidade.
2000 – Inaugurada a Biblioteca Carlos Drummond de Andrade do Colégio Arnaldo de Belo Horizonte. Lançamento do CD “Contos de aprendiz por Leonardo Vieira”, pelo selo Luz da Cidade. Estréia no dia 31 de outubro o espetáculo “Jovem Drummond”, estrelado por Vinícius de Oliveira, no teatro da Fundação Cultural Carlos Drummond de Andrade e Itabira (Secretaria de Cultura do Município). Lançamento do CD “História de dois amores – contadas por Odete Lara”, pela gravadora Luz da Cidade. Encenação pela Comédie Française da peça de Molière Les Fourberies de Scapin, com tradução do biografado, nos teatros Municipal do Rio de Janeiro e Municipal de São Paulo. Lançamento do projeto “O Fazendeiro do Ar”, com o “balão Drummond”, na Lagoa Rodrigo de Freitas – Rio de Janeiro. II Fórum Itabira Século XXI — Centenário Drummond, realizado em outubro na cidade de Itabira. Homenagem in memoriam Medalha comemorativa dos 70 anos do MEC. Homenagem dos Ex-Alunos da Universidade Federal de Minas Gerais.

BIBLIOGRAFIA
POESIA
– Alguma poesia. 1930.
– Brejo das almas. 1934.
– Sentimento do mundo. 2000.
– Poesias (Alguma poesia, Brejo das almas, Sentimento do mundo, José). 1942.
– A rosa do povo. 1945.
– Poesia até agora. (Alguma poesia, Brejo das almas, Sentimento do mundo, José, A rosa do povo, Novos poemas). 1948.
– A máquina do mundo (incluído em Claro enigma). 1949 (exemplar único).
– Claro enigma. 1951.
– A mesa (incluído em Claro enigma). 1951 (70 exemplares).
– Viola de bolso. 1952.
– Fazendeiro do ar & Poesia até agora. (Alguma poesia, Brejo das almas, Sentimento do mundo, José, A rosa do povo, Novos poemas, Claro enigma, Fazendeiro do ar) 1954.
– Viola de bolso (incluindo Viola de bolso novamente encordoada) 1955.
– Soneto da buquinagem (incluído em Viola de bolso novamente encordoada). 1955 (100 exemplares).
– Ciclo (incluído em A vida passada a limpo e em Poemas). 1957. (96 exemplares).
– Poemas (Alguma poesia, Brejo das Almas, Sentimento do mundo, José, A rosa do povo, Novos poemas, Claro enigma, Fazendeiro do ar, A vida passada a limpo). 1959.
– Lição de coisas. 1964.
– Obra completa. (Estudo crítico de Emanuel de Moraes, fortuna crítica, cronologia e bibliografia). 1964 (publicada pela mesma editora sob o título Poesia completa e prosa (1973), e sob o título de Poesia e prosa (1979).
– Versiprosa. 1967.José & Outros (José, Novos poemas, Fazendeiro do ar, A vida passada a limpo, 4 Poemas, Viola de bolso II). 1967.- Boitempo & A falta que ama. 1968.
– Nudez (incluído em Poemas). 1979 (50 exemplares).
– Reunião (Alguma poesia, Brejo das almas, Sentimento do mundo, José, A rosa do povo, Novos poemas, Clara enigma, Fazendeiro do ar, A vida passada a limpo, Lição de coisas, 4 Poemas). 1969.
– D. Quixote (Glosas a 21 desenhos de Cândido Portinari). 1972.
– As impurezas do branco. 1973.- Menino antigo (Boitempo II). 1973.
– Minas e Drummond. 1973 (500 exemplares).
– Amor, amores. 1975 (423 exemplares).
A visita (incluído em A paixão medida). 1977 (125 exemplares).
– Discurso de primavera e algumas sombras. 1977.
– O marginal Clorindo Gato (incluído em A paixão medida). 1978.
– Esquecer para lembrar (Boitempo III). 1979.- A paixão medida. 1980. (643 exemplares).- Nova Reunião – 19 livros de poesias. 1983
– O elefante. Coleção Abre-te Sésamo, 1983.
– Caso do vestido. 1983 (adaptado para o teatro por Aderbal Júnior).
– Corpo. 1984.
– Mata Atlântica (texto de Alceo Magnani). 1984.
– Amor, sinal estranho. 1985 (100 exemplares).
– Amar se aprende amando. 1985.
– Pantanal (texto de Alceo Magnani). 1985.
– Boitempo I e II (Reunião de poemas publicados anteriormente nos livros Boitempo, Menino antigo e Esquecer para lembrar). 1986.
– O prazer das imagens (legendas inéditas de Carlos Drummond de Andrade). 1987 (500 exemplares).
– Poesia Errante: derrames líricos, e outros nem tanto ou nada. 1988.
– Arte em Exposição. 1990.
– O Amor Natural. 1992.
– A Vida Passada a Limpo. 1994.
– Rio de Janeiro Liechtenstein: Verlag Kunt und Kultur, 1994.
– Farewell. 1996.-
A Senha do Mundo. 1996; (reeditado em 1998, pela Record, com o título de Verso na Prosa, Prosa no Verso).
– A Cor de Cada um. (reeditado em 1998, pela Record, com o título de Verso na Prosa, Prosa no Verso).
– José & Outros. 2003; (reunião dos livros José, Novos Poemas e Fazendeiro do ar).

CRÔNICA
– Fala, amendoeira. 1957.
– A bolsa & a vida. 1962.
– Cadeira de balanço. 1966.- Caminhos de João Brandão. 1970.
– O poder ultrajovem. 1972.
– De notícias & não notícias faz-se a crônica. 1974.
– Os dias lindos. 1977.
– Crônica das favelas cariocas. edição particular, 1981.- Boca de luar.
– Crônicas de 1930/1934 (Crônicas assinadas com os pseudônimos: Antônio Crispim e Barba Azul). 1984. [Reeditado em 1987 pela Secretaria da Cultura de Minas Gerais].
– Moça deitada na grama. 1987.
– Auto-Retrato e Outras Crônicas. Seleção Fernando Py. 1989.
– O Sorvete e Outras Histórias1993.
– Vó Caiu na Piscina. 1996.
– Quando é dia de futebol. 2002.

CONTO
– O gerente (incluído em Contos de aprendiz). 1945.
– Contos de aprendiz1951.
– 70 historinhas. 1978. (Seleção de textos dos livros de crônicas: Fala amendoeira, A bolsa & a vida, Cadeira de balanço, Caminhos de João Brandão, O poder ultrajovem, De notícias & não notícias faz-se a crônica e Os dias lindos).
– Contos plausíveis 1981.
– O pipoqueiro da esquina (Desenhos de Ziraldo1981.
– História de dois amores (Desenhos de Ziraldo). 1985.
– Criança dagora é fogo. 1996.

ENSAIO
– Confissões de Minas. 1944.
– Passeios na ilha. 1952.
– Minas Gerais (Antologia). R1967. Coleção Brasil, Terra & Alma.
– A Lição do amigo (cartas de Mário de Andrade – introdução e notas de CDA1982.
– Em certa casa da rua Barão de Jaguaribe (ata comemorativa dos 20 anos do Sabadoyle). 1984.
– O observador no escritório (Memória). 1985.
– Tempo, vida, poesia (entrevistas à Rádio MEC). 1986.
– Saudação a Plínio Doyle. 1986.
– O avesso das coisas (Aforismos1987.

ANTOLOGIA
– Neste caderno… In: 10 Histórias de bichos (em colaboração com Godofredo Rangel, Graciliano Ramos, João Alphonsus, Guimarães Rosa, J. Simões Lopes Neto, Luís Jardim, Maria Julieta,Marques Rebelo, Orígenes Lessa, Tristão da Cunha). 1947 (220 exemplares).
– 50 poemas escolhidos pelo autor. 1956.
– Antologia poética. 1962.- Quadrante (em colaboração com Cecília Meireles, Dinah Silveira de Queiroz, Fernando Sabino, Manuel Bandeira, Paulo Mendes Campos e Rubem Braga). 1962.
– Quadrante II (em colaboração com Cecília Meireles, Dinah Silveira de Queiroz, Fernando Sabino, Manuel Bandeira, Paulo Mendes Campos e Rubem Braga). 1963.
– Antologia poética (seleção e prefácio de Massaud Moisés). 1965. Coleção Poetas de Hoje.
– Vozes da cidade (em colaboração com Cecília Meireles, Genolino Amado, Henrique Pongetti, Maluh de Ouro Preto, Manuel Bandeira e Raquel de Queirós). 1965.
– Rio de Janeiro em prosa & verso (antologia em colaboração com Manuel Bandeira). 1965. Coleção Rio 4 Séculos.
– Uma pedra no meio do caminho (biografia de um poema). Apresentação de Arnaldo Saraiva. 1967.
– Seleta em prosa e verso (estudo e notas de Gilberto Mendonça Teles). 1971.
– Elenco de cronistas modernos (em colaboração com Clarice Lispector, Fernando Sabino, Manuel Bandeira, Paulo Mendes Campos, Raquel de Queirós e Rubem Braga). 1971.
– Atas poemas. Natal na Biblioteca de Plínio Doyle (em colaboração com Alphonsus de Guimaraens Filho, Enrique de Resende, Gilberto Mendonça Teles, Homero Homem, Mário da Silva Brito, Murilo Araújo, Raul Bopp, Waldemar Lopes). 1974.
– Para gostar de ler (em colaboração com Fernando Sabino, Paulo Mendes Campos e Rubem Braga). 1977-80.
– Para Ana Cecília (em colaboração com João Cabral de Melo Neto, Mauro Mota, Odilo Costa Filho, Ledo lvo, Marcus Accioly e Gilberto Freire). 1978.
– O melhor da poesia brasileira (em colaboração com João Cabral de Melo Neto, Manuel Bandeira e Vinícius de Moraes). 1979.
– Carlos Drummond de Andrade. Seleção de textos, notas, estudo biográfico, histórico-crítico e exercícios de Rita de Cássia Barbosa. 1980.
– Literatura comentada. 1981.- Antologia poética. 1982.
– Quatro vozes (em colaboração com Rachel de Queiroz, Cecília Meirelles e Manuel Bandeira). 1984.
– 60 anos de poesia. (organização e apresentação de Arnaldo Saraiva). 1985.
– Quarenta historinhas e cinco poemas (leitura e exercícios para estudantes de Português nos EUA). University of Florida, 1985.
– Bandeira – A vida inteira (textos extraídos da obra de Manuel Bandeira e 21 poemas de Carlos Drummond de Andrade – fotos do Arquivo – Museu de Literatura da Fundação Casa Rui Barbosa). 1986.
– Álbum para Maria Julieta. Coletânea de dedicatórias reunidas por Carlos Drummond de Andrade para sua filha, acompanhado de texto extraído da obra do autor. 1989.
– Obra poética. Portugal: Publicações Europa-América, 1989. Rua da Bahia (em colaboração com Pedro Nava). 1990.
– Setecontos, setencantos (em colaboração com Caio Porfírio Carneiro, Herberto Sales, Ideu Brandão, Miguel Jorge, Moacyr Scliar e Sergio Faraco – organizado por Elias José).
– Carlos Drummond de Andrade (org. de Fernando Py e Pedro Lyra). 1994.
– As palavras que ninguém diz. (Seleção Luzia de Maria). 1997, (Mineiramente Drummond).
– Histórias para o Rei. (Seleção Luzia de Maria). 1997 (Mineiramente Drummond).
– A palavra mágica. (Seleção Luzia de Maria). 1997 (Mineiramente Drummond).
– Os amáveis assaltantes. 1998.

EM OUTRAS LÍNGUAS
Alemão; Búlgaro; Chinês; Dinamarquês; Espanhol; Francês; Holandês; Inglês; Italiano; Latim; Norueguês; Sueco; Tcheco

TRADUÇÕES
– Uma gota de veneno (Thérèse Desqueyroux), de François Mauriac. 1943.
– As relações perigosas (Les Liaisons dangereux), de Choderlos de Laclos. 1947.
– Os camponeses (Les Paysans), de Honoré de Balzac. In: A comédia humana. 1954.
– A fugitiva (Albertine disparue), de Marcel Proust. 1956.
– Dona Rosita, a solteira ou a linguagem das flores (Dona Rosita la soltera o el lenguaje de lãs flores), de Federico García Lorca. 1959.
– Beija-Flores do Brasil (Oiseaux-mouches Orthorynques du Brésil), de Th. Descourtilz. 1960.
– O pássaro azul (L’Oiseau bleu), de Maurice Maeterlinck. 1962.
– Artimanhas de Scapino (Les Fourberies de Scapin), de Molière. 1962.
– Fome (Sult), de Knut Hamsun. 1963.

LIVROS EM BRAILE:
– Boca de luar. São Paulo: Fundação para o Livro do Cego no Brasil, 1985.
– Corpo. São Paulo: Fundação para o Livro do Cego no Brasil, 1990.
– Sentimento do mundo. São Paulo: Fundação Dorina Nowill para Cegos, 2000.

Fontes:

NOGUEIRA JR., Arnaldo. Carlos Drummond de Andrade. Disponível em http://www.releituras.com/drummond_menu.asp

SANTOS, Eberth. MOURA, Josana de. Literatura e Filosofia (Palavra em Ação). 2.ed. Uberlândia: Ed. Claranto, 2004.

Foto = http://www.agenciariff.com.br

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