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Robert Galbraith (O Chamado do Cuco)

Tudo tem início quando o corpo de Lula Landry, uma modelo belíssima, negra, se projeta da varanda de sua cobertura, repleta de neve, na direção da morte. Apesar da beleza rara e da fama internacional, a jovem revelava uma mente perturbada e vinha tentando se recuperar da dependência química. Assim, foi fácil concluir que ela havia se suicidado.

Pouco tempo depois, porém, o irmão dela, que não crê absolutamente nesta possibilidade, procura o investigador particular Cormoran Strike para buscar a verdade. O detetive, ex-combatente na Segunda Guerra, com lesões internas e externas, está à beira da falência, a ponto de fechar o escritório, e mesmo assim não seria capaz de pagar todas as dívidas.

A princípio ele se deixa guiar por seus princípios morais e rejeita a oferta, pois não acredita na possibilidade de assassinato. No fim, porém, sua consciência perde o conflito interno e o protagonista acaba cedendo diante do pagamento generoso do cliente e da probabilidade de dar um fim ao caos que tomou conta da sua vida. Strike se apega ao pretexto que o motivou a aceitar o caso: a luta por justiça.

Sua decisão de desvendar o que se oculta por trás dessa morte o leva a submergir em um universo intrincado, do qual Lula fazia parte. Tudo fica cada vez mais sinistro e os riscos se ampliam. Sua vida passa a correr perigo enquanto ele percorre o submundo londrino. ===============

Robert Galbraith é o nome artístico de J K Rowling, autora consagrada da saga Harry Potter e de Morte Súbita. A escritora britânica Joanne Kathleen Rowling nasceu na cidade de Yate, nas proximidades de Bristol, na Inglaterra, em 31 de julho de 1965.

É o primeiro livro escrito por J. K. Rowling sob o pseudônimo de Robert Galbraith, procurando  desvincular sua imagem e nome famosos para explorar algo diferente ou mesmo evitar comparações com outras obras suas.

Ela surpreendeu o mundo quando, em 2012, anunciou seu primeiro romance adulto, Morte súbita. Porém, a surpresa maior veio em 2013 quando descobriu-se que o autor por trás de Robert Galbraith era ela. O Chamado do Cuco já estava bem cotado no Goodreads muito antes mesmo da informação vazar.

Robert Galbraith, porém, não é o único pseudônimo de Rowling. O próprio nome J. K. Rowling é um pseudônimo. Por volta de 1997, quando seu agente Christopher Little conversava com a autora sobre a publicação de Harry Potter and the Sorcerer’s Stone, ele sugeriu que ela adotasse um nome neutro alegando que os garotos não leriam um livro escrito por uma mulher. Foi quando ela emprestou o nome Kathleen de sua avó paterna e passou a assinar J. K. Rowling.

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~A janela abriu, o Cuco caiu~

Foi através de uma sacada que a supermodelo Lula Landry, também conhecida como Cuco, caiu para a morte no que a polícia e a imprensa qualificaram como suicídio. Porém, seu irmão, John Bristow, não acredita nessa versão e contrata Cormoran Strike para investigar o que de fato aconteceu com Lula no seu último dia de vida. John procura Strike porque o detetive fora amigo de infância de Charlie, seu falecido irmão. A princípio, Strike reluta em aceitar o cargo, mas as dificuldades financeiras por que passa somada aos seus problemas sociais mais prementes o fazem pensar melhor.

    (…) Foi só quando chegou à porta de vidro no andar de cima que Robin percebeu, pela primeira vez, a que tipo de empresa fora enviada para auxiliar. Ninguém na agência lhe dissera. O nome no papel ao lado da campainha estava gravado no vidro: C. B. Strike e, abaixo dele, as palavras Detetive Particular.
Apesar do foco principal do livro ser a investigação do último dia de Lula, ele não se apega somente a isto.

Strike acaba de sair da casa de sua noiva Charlotte com quem estava junto durante anos e, sem ter para onde ir, passa a ter uma subvida morando no escritório em que trabalha. Ele é filho de um homem famoso que mal vira durante seus trinta e cinco anos de vida, mas a fama do pai o ofusca quando as pessoas descobrem sobre sua origem familiar.

Robin passa a trabalhar para Strike por um erro da parte dele, que pensava ter cancelado o contrato com a agência de temporários por não ter como pagar. Ela é aquela pessoa que está indecisa entre seguir as incertezas de um sonho e a segurança e estabilidade de um emprego comum e tedioso.

A narrativa é em terceira pessoa, transitando pelo menos oitenta porcento por Strike e os vinte restantes por Robin. E ela é lenta.

Strike investiga praticamente todos os que tiveram contato com Lula, porém todas essas pessoas trazem informações cruciais para nos animar a ir adiante e criar nossa teoria do que aconteceu.

O tom de humor está muito bem colocado nas páginas. Num momento, Strike está matutando sobre como cobrar os clientes que não lhe pagaram e, no outro, está simplesmente cutucando o nariz quando John Bristow entra na sala para conversar com ele.

Robert começa sua história de maneira bem agradável e ela vai melhorando a cada página até chegar este momento em que a gente quer correr na leitura para saber como Cormoran explicará o que descobriu.

    (…) Escreveram que ela era desequilibrada, instável, inadequada para o superestrelato em que a rebeldia e a beleza a capturaram; que passara a andar com uma classe endinheirada e imoral que a corrompera; que a decadência de sua nova vida atordoou uma personalidade já frágil. Ela se tornou uma densa fábula moral de Schadenfreude, e tantos colunistas fizeram a alusão a Ícaro que a revista Private Eye publicou uma matéria especial.

Veterano na guerra do Afeganistão, o personagem perdeu uma perna em combate e carrega consigo a vergonhosa história de sua família. Filho de uma groupie, que engravidou de um astro do rock e ficou famosa por isso, Strike é sempre lembrado como fruto de uma família desestruturada e de uma mãe que, aos olhos da sociedade, mereceu a morte por overdose.

Não bastasse, no mesmo dia em que é procurado pelo irmão de Lula, o detetive tem uma briga épica com a noiva, Charlotte, com quem termina o relacionamento, passando a morar no escritório em que trabalha. A vida conturbada de Strike tem relação com a de Lula que, assim como a mãe do detetive, é julgada pela imprensa, pelos amigos e até mesmo pela família, que vê sua morte prematura como algo esperado. “Como era fácil tirar proveito da tendência de uma pessoa à autodestruição; como era simples empurrá-la para a inexistência”, escreve a autora em certo ponto sobre a comparação das personagens desvalorizadas.

A seu favor, o detetive tem sua apurada inteligência e sua nova assistente temporária, Robin, uma jovem garota que aceita o trabalho mais pelo fascínio pela profissão do chefe que pelo salário.

A investigação dura o livro todo, com diversas entrevistas com as pessoas que, de algum modo, estavam envolvidas com a modelo em seus últimos dias de vida.

Sua principal crítica é voltada à sujeira do mundo da fama. Na falsidade e superficialidade de seus agentes, assim como nos fãs, obcecados por ídolos que pouco têm a oferecer e que, mesmo depois da morte, continuam a ser referência. A imprensa também ganha alfinetadas, principalmente os famosos tabloides ingleses, que exploram ao máximo e incansavelmente pessoas e suas histórias, por vezes trágicas e indignas de serem reveladas. Em certo ponto, a perseguição sofrida por Lula pelos jornais é apontada pela escritora como um dos responsáveis por sua morte.

Apesar da falta de charme e de todas as dificuldades encontradas para desenvolver a investigação, Strike consegue ser um personagem que prende o leitor. Seus pensamentos são relacionáveis e sua falta de simpatia não é motivo para aversão.

Fontes:
Ana Lucia Santana. http://www.infoescola.com/livros/o-chamado-do-cuco/
Tiago de Souza http://ocapitulodolivro.blogspot.com.br/2013/11/resenha-o-chamado-do-cuco.html
Raquel Carneiro. http://veja.abril.com.br/blog/meus-livros/livros-da-semana/j-k-rowling-se-reinventa-com-misterioso-o-chamado-do-cuco/

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José Feldman (Francisco Pessoa: “Isso é coisa do Pessoa: em prosa e verso”)

Esta semana recebi o livro de um brilhante escritor brasileiro, que devorei (metaforicamente falando… o livro) até hoje. Talvez eu seja meio suspeito por tal afirmação, pela amizade que vimos desenvolvendo no decorrer do tempo, desde que tivemos contato há poucos anos, atualmente irmãos de glicose.

O poeta português Fernando Pessoa (1888 – 1935) dizia: “O valor das coisas não está no tempo que elas duram, mas na intensidade com que acontecem.  Por isso, existem momentos inesquecíveis, coisas inexplicáveis e pessoas incomparáveis.”

Eu, como grande parte da população daqui do Paraná, sempre pelo pouco que estudamos e lemos, acreditamos que os grandes escritores além dos paranaenses, estivessem no eixo Rio-São Paulo, mas o Brasil é tão vasto, e nossa crença em nosso conhecimento ser enorme, é ledo engano. Vai muito além, e confesso que em minha ignorância de sulista, tomei conhecimento que o nordeste do Brasil possuía grandes escritores, no caso que especifico agora, os cearenses. Romancistas, contistas, cronistas, poetas, trovadores, uma lista de nomes que mostra que a literatura não é somente uma estrela, mas uma constelação enorme de pessoas que enobrecem as páginas da cultura brasileira. O fato é que simplesmente por falta de acesso, por falta de divulgação, enfim por diversos fatores que nos obstruem a ampliação de nossa consciência, ou em palavras mais tecnológicas, não são inseridos dados no HD de nosso cérebro.

Fernando Pessoa foi um grande poeta português que é do conhecimento de boa parte da população brasileira, mas sem querer desmerecer o nome deste poeta que sempre fez parte de minha biblioteca particular, também possuímos o nosso Pessoa. No caso, Francisco Pessoa, um cearense que no livro que lançou recentemente “Isso é coisa do Pessoa: em prosa e verso”, coloca-nos seja em trovas, poesias, décimas, cordéis, crônica e contos a sua arte, que divide conosco.

Ricardo Reis, heterônimo de Fernando Pessoa, nos diz: Para ser grande, sê inteiro: nada / Teu exagera ou exclui. / Sê todo em cada coisa. / Põe quanto és no mínimo que fazes. / Assim em cada lago a lua toda / Brilha, porque alta vive.

Nosso Pessoa segue este poema, e se mostra grande no que faz, e faz com que o brilho do lago, seu reflexo se estenda muito além de si mesmo, de sua cidade (Fortaleza) e ilumine quem quiser ser iluminado.

Francisco, Chico para os amigos, nos diz : Meus sonhos por si navegam/ levando-me ao transcendente, / por mil estradas enxergam /bem mais do que enxerga a gente.

Nos mostra como na trova acima, que buscamos novos caminhos, mas tão enraizados que estamos em nossas visões, não vemos todos os caminhos que podemos seguir. Este é Chico, mostrando a sua arte de versejar, percorrendo o caminho entre o lírico/filosófico e o humorístico: Feliz da vida se logra/O Zeca exibe o caneco/que ele trocou pela sogra/  na feira do cacareco.

Sempre temos a visão do médico, aquela pessoa que de certo modo acredita ser Deus, arrogantes, contudo existem exceções. Chico é uma delas. Médico oftalmologista, uma pessoa simples, calma, alegre e sempre pronta a amizades, que com seu falar eloquente parece querer abraçar o mundo.

Segundo Alberto Caeiro (outro heterônimo de Fernando Pessoa): Sejamos simples e calmos, / Como os regatos e as árvores, / E Deus amar-nos-á fazendo de nós / Belos como as árvores e os regatos, / E dar-nos-á verdor na sua primavera, / E um rio aonde ir ter quando acabemos!…

Somos o que somos, mas nem sempre o demonstramos para as pessoas que nos rodeiam. Muitas vezes usamos máscaras para disfarçar o que nos vêm no íntimo. E a cada situação, uma nova máscara, um novo eu, que não mostra a sua verdadeira face. Em seu livro, Chico em uma décima nos diz em “O Palhaço”: A vida se nos faz meros palhaços…/Sorriso solto num choro prendido, / Querer que é dado nunca agradecido / Saltar ao vento sem pisar os passos. / Tragar o fumo dos prazeres baços / Embebedar-se tanto pra esquecer, / Sentir-se ser alguém, mesmo sem ser, / No picadeiro, o aplauso, a falsa glória, / Imagem tão real quanto ilusória / Pranto da morte rindo pra viver!

Mais uma do Fernando Pessoa: “Quero para mim o espírito desta frase, transformada a forma para a casar com o que eu sou: Viver não é necessário; o que é necessário é criar.”

Mas Chico vai além, ele vive e cria. Cria a vida e vive a criação, este é o ideal do verdadeiro artista. Faz que “Não há placa de chegada/na minha estrada da vida…/faço de cada parada/ novo ponto de partida.

Ele segue adiante, cria, sonha, deseja:
“Se eu fosse…
Um Malba Tahan, calcularia cm segundos as horas de alegria que a vida nos dá./ Um Einstein, criaria um antídoto para entibiar a bomba que certo dia flamejou o céu de Hiroshima./ Um Alexandre, o grande, teria conquistado o coração do incrédulo, fazendo-o crer no Grande Arquiteto./ Um Ataúlfo Alves, no meu arrependimento, diria como ele disse: aquilo sim, é que era mulher,/ Um Graham Bell, teria inventado um telefone que, pudesse eu, sentir o odor dos teus lábios, e que minhas frases ouvisse maviosas./ Um Braille, transportaria os dedos para uma zona do cérebro./ Um Barnard, só transplantaria coração de um homem bom para um homem de bem./ Um Bill Gates, tornaria virtual a violência que envolve os povos.
(…) Um Salomão, eu seria um sábio e teria trezentas mulheres?., acorda, Pessoinha!!!”

Um outro amigo, o poeta potiguar Ademar Macedo (1951 – 2013) : “De todos os sonhos meus,/ realizei o mais fecundo: /ser um Poeta de Deus / e mandar versos pra o mundo!

Isto é que faz nosso Pessoa, pinta a aquarela das palavras com sua magia.

Chico em “De Pessoa pra Pessoa”
Poesia é um sonho e, se sonhado,/ Sobre nuvens volutas, pictóricas,/ Rédeas soltas sem bridas, metafóricas,/ Faz do poeta um ser místico e alado./ Quem o lê, leia certo ou leia errado, / Sempre os versos encontram seu intento…/ Lamentar cada um com seu lamento, / E sorrir cada um com seu sorriso, / Coração de poeta é sem juízo/ E a razão de fingir é seu talento!


Aproveitando o se falar em Pessoas, Clevane Pessoa, de MG nos diz neste trecho de seu poema Pensares: Meus pensamentos são mares/ De muita profundidade, / Mas que rasantes nas areias / Lambem o calor que encintram, / Ajudam a esfriar as orlas / Com suas ondas agitadas… / Às vezes fazem redemoinhos / Em caldeirão perigoso … / Podem chegar a maremotos, / Em fenômenos encadeados, / Mas a maré esperada / Somente depende dos ciclos / Caprichosos das faces de dona lua…
Chico mostra através de suas trovas o caminho que escolhemos seguir. Cada qual faz o seu destino. “Toda colheita contém/ uma lição de moral:/ quem planta o bem colhe o bem/ quem planta o mal colhe o mal”
Outro grande amigo meu, já falecido há muitos anos, Artur da Távola (1936 – 2008) dizia: “A alma dos diferentes é feita de uma luz além. Sua estrela tem moradas deslumbrantes que eles guardam para os pouco capazes de os sentir e entender. E….nessas moradas estão tesouros da ternura humana. De que só os diferentes são CAPAZES.”

Sem mais delongas, a pessoa que está na pessoa de Pessoa, FRANCISCO JOSÉ PESSOA DE ANDRADE REIS.

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Thomas Mann (O Escritor e sua Missão)

(Resenha e comentários da obra são de Rafael Bán Jacobsen, extraídos de http://www.amalgama.blog.br/02/2012/o-escritor-e-sua-missao-thomas-mann/)

Título original:     
Autor: Thomas Mann (1875-1955)
Tradução: Kristina Michahelles
Editora: Zahar
Assunto: Ensaios
Edição: 1ª
Ano: 2011
Páginas: 208

Sinopse

Thomas Mann tem uma vasta e relevante produção não ficcional, pouco conhecida e/ou publicada no Brasil. Para divulgá-la, a Zahar está lançando a série Thomas Mann – Escritos & Ensaios, com volumes organizados especialmente para o público brasileiro. Este primeiro volume, ‘O escritor e sua missão’, reúne 12 ensaios a respeito da obra (e muitas vezes também a vida) de expoentes como Tolstói, Goethe, Dostoiévski, Hermann Hesse, Shaw, Heinrich Heine, Ibsen, Zola e Tchekhov. São textos escritos por Mann em contextos variados: homenagens em datas comemorativas de Goethe e Tolstói, necrológio para George Bernard Shaw e Hugo von Hofmannsthal, prefácio a uma edição de Dostoiévski, resposta a uma pesquisa de um jornal no caso de Ibsen… E versam sobre temas não menos diversos, tais como os pontos de aproximação entre as obras de Ibsen e Wagner, papel de Goethe como representante da era burguesa, a relação entre Dostoiévski, sua doença e sua produção literária. Eruditos e instigantes, os ensaios oferecem uma luz original não apenas sobre outros autores, mas também sobre o próprio Mann, pois dialogam com sua produção ficcional, refletindo os interesses, preocupações e desafios que o estimularam ao longo de sua trajetória.

Em alguns momentos, o leitor terá a impressão de que o autor comenta seus próprios textos ao analisar os escritos alheios. Um livro essencial para se aprofundar não apenas na obra de escritores modernos europeus e o contexto em que foram realizados os seus escritos, mas também no próprio pensamento de Thomas Mann.

Resenha:

O artigo que abre o volume intitula-se “Sobre Heinrich Heine”. Trata-se de um pequeno texto em que Mann elogia a obra desse poeta alemão de origem judaica que foi, provavelmente, o primeiro sujeito a receber a alcunha de “último dos românticos” e que foi celebrizado pela musicalização que compositores como Schumann, Brahms e Schubert fizeram de seus versos. O artigo visava defender a construção de um monumento em homenagem a Heine, projeto que, na época, estava atravancado pelo furor antissemita que grassava na Alemanha.

O segundo texto é “Ibsen e Wagner”. Nele, Mann estabelece um paralelo entre as obras do compositor Richard Wagner, famoso por “O Anel dos Nibelungos”, seu ciclo operístico megalomaníaco (no melhor dos sentidos), e a dramaturgia de Henrik Ibsen, partindo de uma observação casual de Hermann Levy, um famoso regente de Bayreuth, que, ao assistir pela primeira vez a uma peça de Ibsen, teria dito: “Ou bem isto é ridículo, ou é tão grandioso quanto Wagner.” Mann advoga que Ibsen e Wagner, na comédia de costumes e na ópera, respectivamente, foram capazes de transcender os gêneros que cultivaram, criando, a partir de sua matéria bruta, algo novo e perfeito.

A seguir, o [terceiro] ensaio “Tolstói – no centenário do seu nascimento” apresenta um retrato semiliterário do romancista russo. Mann o enaltece como um homem de fibra e personalidade, representante dos melhores valores e do espírito épico da segunda metade do século XIX, uma espécie de profeta que, mesmo quando tencionava deixar a arte de lado para transmitir lições e opiniões, escrevia com criatividade e imensa lucidez, tanto que, nas palavras de Mann, foi capaz de conceber “o romance social mais poderoso da literatura mundial”: Anna Karenina.

[Quarto ensaio] O necrológio “In memoriam Hugo von Hofmannsthal” focaliza muito mais a relação de amizade de Mann com o poeta e dramaturgo austríaco do que a obra deste, a qual, pelo menos no Brasil, é mais conhecida através dos libretos que ele escreveu para várias óperas de Richard Strauss. Não deixa de ser interessante apreciar, através dos relatos de Mann, um pouco dos bastidores da cena literária alemã do começo do século XX, da camaradagem e das trocas entre os autores de então, e ainda deparar com percepções preciosas de Mann, como a seguinte descrição da pessoa de Hofmannsthal:

“Ele tinha uma maneira de compreender antes que o próprio interlocutor compreendesse, de aperfeiçoar e dar sequência a coisas que capturava no ar, fazendo com que a conversação transcorresse com leveza onírica e jocosamente inteligente.”

O quinto texto, “Discurso sobre Lessing”, é um ensaio caudaloso no qual Mann disserta sobre a obra de Gotthold Ephraim Lessing, poeta, dramaturgo, crítico de arte e filósofo, autor de Laocoonte, ou Sobre as fronteiras da pintura e da poesia, um clássico da teoria estética, enaltecendo-o como um tipo “fundador, em que vidas futuras se reconhecem”, um dos espíritos “mais crentes, bondosos e esperançosos que já viveram e se preocuparam com o humano”. Mann defende o status de poeta muitas vezes negado a Lessing pela crítica, aborda sua tendência à polêmica (descrevendo um célebre embate teológico em que Lessing se envolveu e ao final do qual acabou proibido de publicar textos sobre religião) e ainda traça um instigante paralelo entre ele e Lutero, tendo ambos como exemplos de personalidades libertárias, questionadoras e à frente de seus tempos.

[Sexto ensaio] Em “Goethe como representante da era burguesa”, Mann parte de três possíveis maneiras de avaliar a significância e o impacto de Goethe na cultura: a primeira, mais modesta, seria considerá-lo como o mestre do classicismo alemão que, de fato, forjou a noção de uma cultura alemã; a segunda, grandiloquente, mas não necessariamente exagerada, consistiria em colocá-lo entre os “grandes vultos que já passaram pela Terra”, um desses expoentes cuja influência se estende por milênios e que, por isso, acabam adquirindo aura mítica; a terceira, uma espécie de meio-termo entre as duas primeiras abordagens, seria alçar Goethe à condição de representante da “era burguesa”, isto é, o período histórico que se estende desde o século XV até a virada do século XIX. A partir daí, Mann busca retratar o autor de Werther e Fausto como um típico burguês, de “modos simples e educados”, amante da boa comida e da bebida, que se agradava da rotina e do fato de pertencer a um estrato social confortavelmente mediano, o qual seria propício ao talento, pois, nas palavras do próprio Goethe, “encontramos todos os grandes artistas e poetas nas classes médias”. Levando-se em conta o contexto histórico, é plenamente justificado o esforço de Mann para retratar Goethe dessa forma: trata-se de uma resposta aos nazistas que, na época, em 1932, ganhavam cada vez mais poder e buscavam legitimar seus ideais e suas doutrinas deturpando a imagem de grandes pensadores germânicos, como Goethe, o qual, não raro, era convenientemente descrito por eles como populista e ultranacionalista.

O sétimo ensaio que compõe o volume é “Dostoiévski, com moderação”, um prefácio redigido por Mann para uma coletânea de romances do autor russo publicada nos Estados Unidos. Aqui, Mann demonstra seu fascínio pela condição de epilético e pelo estigma de homem doente sob o qual vivia o autor de Os Demônios, condição essa que abarcaria a “grandeza religiosa dos amaldiçoados, do gênio como doença e da doença como gênio, do tipo do atormentado e do possesso, no qual o santo e o criminoso se tornam um só”. Analisa, então, a repercussão dessa doença de êxtases e convulsões sobre a personalidade marginal de Dostoiévski e sobre a sua produção literária, chegando, em certos momentos, a tecer saborosas (porém equivocadas) especulações sobre uma eventual origem psíquica da epilepsia:

“Em minha opinião ela indubitavelmente tem suas raízes no campo sexual e é uma forma selvagem e explosiva de sua dinâmica, um ato sexual deslocado e transfigurado, uma devassidão mística.”

A partir da convicção nietzscheana de que as situações de exceção condicionam o artista, “todas as situações que são profundamente aparentadas e entretecidas com sintomas doentios”, e da pré-existência do conceito de “super-homem” na obra de Dostoiévski (mais especificamente nas falas da personagem Kirilov, em Os Demônios), Mann estabelece ainda um diálogo entre o romancista russo e o filósofo niilista alemão.

[Oitavo] Segue-se o texto congratulatório “Hermann Hesse – homenagem ao seu 70º aniversário”. Nesse artigo, mais uma vez, Mann apoia-se na sua relação pessoal com o escritor comentado para tratar de assuntos universais – aqui, mais especificamente, o conflito entre a visão crítica de certos intelectuais alemães (ele próprio e Hesse inclusos) e a tacanhice ideológica e estultice patriota dos diversos setores sociais que serviram de substrato ao crescimento do nazismo ou que por ele se deixaram contaminar. Um dos primeiros pontos de contato que Mann apresenta para ilustrar sua proximidade com Hesse é o fato de ambos terem sido chamados de “miseráveis” por um certo compositor de Munique porque ambos não compactuariam com a crença de que os alemães seriam “o maior e mais nobre dos povos, ‘um canário entre rolinhas’”. A visão compartilhada de Mann e Hesse acerca da presunção e do provincianismo germânico é sintetizada em uma sentença no melhor estilo “pá de cal”: “Na Alemanha, aliás, os insatisfeitos com a cultura alemã foram sempre os mais alemães de todos.”

[Nono] Em “Bernard Shaw”, mais um necrológio contido na compilação, Mann escreve sobre aquele que, sem dúvidas, foi seu dramaturgo favorito, ressaltando o apreço que o autor dublinense tinha pela Alemanha, esse país que reconheceu sua importância para o teatro antes mesmo dos países de língua inglesa, muito embora a influência da cultura germânica sobre a obra de Shaw fosse mínima e mesmo que seu conhecimento nesse âmbito fosse “fragmentário e casual”. Outro aspecto abordado por Mann é o influxo da música na obra de Shaw, socialista radical capaz de se dedicar com idêntica paixão ao estudo de O Capital ou da partitura de “Tristão e Isolda”. Shaw era um homem austero, dado a banhos frios, vegetariano, que gostava de escrever em uma cabana de simplicidade franciscana, e essas características, que se poderiam chamar de tendência ascética de Shaw, não passam incólumes à leve (mas constante) acidez de Mann, como mostra o trecho a seguir, um excerto particularmente divertido quando lido por olhos vegetarianos:

“Na imagem de Shaw (…) há algo de magro, de vegetariano e de frígido que, para mim, não combina com a imagem de grandeza. (…) A batalha pesada (que lembra o titã Atlas) e a carga muscular e moral de um Tolstói; Strindberg, que passou pelo inferno; a morte de Nietzsche como mártir na cruz do pensamento nos insuflam esse respeito trágico. Nada disso no caso de Shaw.”

E lança, então, uma pergunta provocadora, cuja resposta deixa propositalmente em aberto: “Estaria ele acima disso ou não estaria ele à altura disso?”.

O décimo artigo, “Gerhart Hauptmann”, versa sobre o vencedor do Prêmio Nobel de Literatura em 1912, um romancista e dramaturgo alemão cuja obra, inicialmente de tendências naturalistas (vide as peças “Antes da aurora” ou “Os tecelões”), converteu-se em algo muito mais próximo de um simbolismo metafísico de forte inspiração religiosa (a novela Herege de Soana é um exemplo). Mann gasta um bom pedaço do artigo para explicar que o fato de ter se inspirado em Hauptmann para criar o cativante mas desajeitado e naïf Mynheer Peeperkorn de A Montanha Mágica foi uma homenagem, e não uma traição. Porém, ao tratar da concepção dessa caricatura, Mann não está se justificando ou pedindo escusas de qualquer tipo à opinião pública; ele está, em realidade, tratando de um tema fundamental na arte da escrita: a modelagem de personagens literárias.

O penúltimo texto, “Fragmento sobre Zola”, é uma das raras referências ao escritor francês dentro da obra ensaística de Thomas Mann. Embora ele defenda a proposta estética de Zola, considerando que seu naturalismo “se alça ao plano do simbólico e se vincula intimamente ao mítico”, é o engajamento social do autor de Germinal que o fascina sobretudo, especialmente sua intervenção no famoso caso Dreyfus, em que um oficial judeu do exército francês, em flagrante manifestação de antissemitismo, foi injustamente acusado de traição à pátria.

Encerrando a compilação O escritor e sua missão, está o belíssimo “Ensaio sobre Tchekhov”. Certa vez, no começo de sua carreira literária, quando a fama do escritor já eclipsava a do médico, Tchekhov, eternamente modesto, insatisfeito e desconfiado do próprio talento para as letras, escreveu: “Será que estou ludibriando o leitor, já que não sou capaz de responder às questões mais importantes?”. E foi essa frase que tocou fundo no espírito de Mann a ponto de fazê-lo se debruçar sobre a biografia de Tchekhov. E, de fato, o ensaio de Mann elenca e esmiúça várias passagens da vida do russo, buscando, pelo veio biográfico, explicar a gênese e a importância de sua obra, essa obra que, ao contrário das criações de Tolstói e Dostoiévski, “abriu mão da monumentalidade épica” e, mesmo assim, conseguiu encerrar em si “toda a vasta Rússia de antes da revolução, com sua natureza eterna e suas eternas condições sociais ‘desnaturadas’”.

* x * x *

Comentários:
Esse caleidoscópio de ensaios, um bem temperado aperitivo da obra não-ficcional de Mann, certamente atrairá escritores (e candidatos a escritores) em busca de “conselhos” desse gigante da literatura universal sobre o ofício (até mesmo por causa do título escolhido para a coletânea, que parece insinuar algo nessa direção). Tais leitores poderão se desapontar, porque, de fato, o livro está longe de ser um “manual de criação literária” ou coisa parecida. Contudo, para quem tem sede de colher alguma dica sobre o assunto, é possível sim garimpar algumas delas entre as observações do próprio Mann e citações que ele busca em outros autores para ilustrar suas argumentações. Eis algumas delas, transcritas em uma salada proposital, sem delimitar claramente o que é original de Mann e o que é invocado por ele a partir de outros:

“A genialidade na arte seria então o elemento da surpresa e do encanto que causa pasmo, o elemento da ousadia que só pode ser conhecido em suas realizações.

(…) como ensina a estética de Schopenhauer (…) as obras mais elevadas se contentam com um mínimo de ação.

Há a dolorosa constatação de que a palavra apenas consegue elogiar a beleza física, nunca reproduzi-la, há o desafio aos poetas de abrir mão da descrição, da narrativa da beleza, para, em seu lugar, pintar para nós o bem-estar, o afeto, o amor, o encanto que a beleza causa, pois com isso, diz Lessing, “tereis pintado a beleza ela mesma”.

Uma obra-prima não pode parecer obra-prima.

Apesar de tudo, parece que um artista, um criador (…), não tem como não afirmar a vida e lhe ser fiel.

Sinto que, sobre o demoníaco, deve-se “poetar” e não apenas escrever.

Foi o pintor e escultor francês Degas quem afirmou que um artista deve se aproximar de sua obra como um criminoso executa seu ato.

Pois a única forma de lidar com o que é poético, irracional, é por meio da literatura, e não por intermédio da palavra que analisa e dissocia.

A insatisfação consigo mesmo constitui um elemento básico de todo talento genuíno.”

Fonte:
http://anatoli-oliynik.blogspot.com.br/2012/08/o-escritor-e-sua-missao.html

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Pedro Du Bois (Lançamento do livro “Brevidades”)


O Projeto Passo Fundo e Pedro Du Bois convidam para o lançamento do livro de poemas

Com prefácio do poeta amazônico Jorge Tufic e comentário (orelha) do professor e historiador Paulo Monteiro,

19 de abril, 5a. feira, a partir das 18 horas

Livraria Nobel
Rua Gal. Osório, 1148 – Passo Fundo – RS

Brevidades é o novo livro de poemas de Pedro Du Bois, lançado através do Projeto Passo Fundo, que tem por criador e administrador, Ernesto Zanette. A obra traz a apresentação do poeta Jorge Tufic; “orelha” do historiador e poeta Paulo Monteiro; capa da artista plástica Silvana Oliveira.


Os poemas estão divididos em cinco blocos: Breve apanhado sobre a (minha) lucidez, Breve anotação sobre a (minha) sanidade, Breve apontamento sobre o (meu) equilíbrio, Breve relato sobre a (minha) natureza e Breve ilustração sobre o (meu) sentimento.
Na obra o autor expõe (suas) brevidades, revelando tipos obsessivos, frutos de suas observações sobre a lucidez, o equilíbrio, a natureza e o sentimento.

“Permito-me a lucidez: vejo a árvore e os frutos; / desfaço a cama e guardo as cobertas. Visto na roupa / a imagem trazida no regresso. //… A lucidez contém luzes enfeitiçadas de verdades. / A lucidez é o meu cansaço”.

Nos poemas, Pedro Du Bois diz “da brevidade do pensamento e dos atos”, através de imagens metafóricas que celebrizam fragmentos da vida na descrição de quadros complexos, onde se defronta com a (sua) sanidade e natureza; penetra na película do (seu) comportamento ao demonstrar a (sua) aparência no universo de (des)equilíbrios: o (seu) sentimento que o libera da necessidade limitadora de se submeter ao cotidiano e pela maneira com que se envolve na imaginação ao se descobrir em “Brevidades”.

“… – sou cores realizadas em tinta / e represento vontades: claras / escuras amarelas e vermelhas. / Pranteio o antecedente espaço / e me aprofundo em brancos. //… – sou cores fixadas sobre a pedra / e me digo consentâneo em respostas”.

Segundo o poeta Jorge Tufic, “o autor deste livro capta as situações e posturas mais diversas em que se vê, dando aos tranquilos ou abismáticos rituais de seu cotidiano admissíveis “estampas” da realidade em cada bloco ou fragmento, como se “cantos” fossem de uma bem elaborada saga individual, entre a “solidão do corpo” e a “sentinela do olvido”.

Nas palavras do historiador e poeta Paulo Monteiro, “… Os temas minúsculos, invisíveis e indiferentes à grande arte estão presentes nos poemas de Pedro…. Na verdade, a obra poética de Pedro Du Bois mais do que reunir influências, reúne sensações”.

Ao lermos Brevidades vemos, além do domínio técnico e da beleza, a certeza do objetivo alcançado através de grande processo criativo, sensível e emotivo.
Tânia Du Bois

1
Permito-me a lucidez: vejo a árvore e os frutos;
desfaço a cama e guardo as cobertas. Visto na roupa
a imagem trazida no regresso. Da casa retenho
a tinta das paredes; nos vidros da janela vejo
a poeira acumulada. Recorro à figura armazenada
e retiro a essência. A lucidez me repete
fatos intercalados.

Invado o lúdico e me deparo com a reserva
ao conhecimento. Cumprimento a sombra
do que sou e deixo arrolado o tanto procurado.

A lucidez contém luzes enfeitiçadas de verdades.
A lucidez é meu cansaço.

Fonte:
O autor
Resenha por Tânia Du Bois, in http://www.recantodasletras.com.br/artigos/3613001

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Geimes Oliveira (Resenha sobre Livro de Estilística, de José Lemos Monteiro)


MONTEIRO, José Lemos. A Estilística: manual de análise e criação do estilo literário. 2. ed. Petrópolis-RJ: Vozes, 2009, Cap. I, pp. 41-99.

A obra Estilística: Manual de análise e criação do estilo literário escrita por José Lemos Monteiro, Doutor em Letras e mestre em Educação, professor titular da Universidade de Fortaleza. É crucial para o nosso entendimento sobre a disciplina em questão, porque sugere métodos para a análise dos usos linguísticos e nos auxilia a identificar os mecanismos que propiciam a escolha de uma forma em vez de outras disponíveis, para melhor explorar o potencial expressivo da linguagem.

Neste primeiro capítulo, o autor introduz algumas considerações sobre a delimitação terminológica do que seja estilo que, por sua vez, faz-se bastante complexo uma vez que alguns teóricos o veem vago e genericamente e outros a querem restrito ao uso individual da linguagem para fins literários. Se bem que a maioria dos autores corroboram que o traço da individualidade é muito presente quando falamos de estilística.

Embora outros discordem que esse valor individual é raro, posto que o processo verbal já resulta de uma extensa quantidade de fatores culturais, como as influências do meio, da época, da estrutura linguística, entre outros. Isto quer dizer que a estilística voltada para o estudo da língua visa analisar as variantes normais com valor expressivo-afetivo. Porém, para alguns autores citados por Monteiro dizem que não existem línguas mais belas, mais harmoniosas que outras.

Por fim, o escritor deste livro ressalta que não há critérios científicos objetivos para definir o grau de beleza e, portanto, os julgamentos desfavoráveis constituem nada mais que uma forma de preconceito. Por isso, a definição do que seja realmente estilo vai além dos recortes terminológicos feitos sobre o assunto.

Dando continuidade a polêmica de conceituação de estilo, Monteiro discute também as diferenças feitas sobre normas e desvios. Notando que as normas tem uma área maior de incidência de dados do que os desvios, visto que a primeira são hábitos, construções ou usos da maioria da população, já os desvios são as alterações devidas ao desconhecimento, lapso de memória e cansaço mental ou algum intuito expressivo.

O autor ressalta ainda que o desvio como nem sempre é fácil identificá-lo pela relação do conceito de norma, é preciso vê os desvios tendo como referência a determinado registro linguístico ou ao ambiente sociocultural. Desse processo temos os conteúdos emotivos que visam estimular a exteriorização psíquica de escritores acerca de seus sentimentos e emoções para constituir o estilo próprio. Sendo que as formas expressivas estão associadas a uma emoção.

Por isso, Monteiro diz que a linguagem conativa é extremamente rica, às vezes de difícil decodificação, em face dos múltiplos significados que engloba, já que a Estilística volta-se a recriação da linguagem em que há as expressões utilizadas buscam sensibilizar, transmitir valores e evocações emotivas nesse processo de reconstrução, sobretudo das ambiguidades da mensagem.

No final desse capítulo, Monteiro mostra exemplos sólidos em textos literários demarcando as figuras usadas pelos escritores para a construção do estilo literário em que os desvios estilísticos foram retoricamente sempre praticados pelo uso de figuras que são simples repetição de palavras que ao posiciona-se no texto causa seu efeito expressivo dentro, é claro, dos níveis sintáticos, morfológicos, semânticos e lógicos mais enfatizados.

Fonte:
http://www.recantodasletras.com.br/resenhasdelivros/2278861

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Celso Sisto (Circo Mágico)

Hoje tem marmelada? Hoje tem goiabada?!

Provavelmente os mais antigos conhecem o verso: hoje tem marmelada? Tem sim senhor! Hoje tem goiabada? Tem sim senhor! E o palhaço o que é? É ladrão de mulher! Com esse bordão se anunciava a chegada do circo! E atrás, vinha o desfile das atrações. E algumas atrações dos grandes circos atravessaram o tempo, como os palhaços Piolin e Carequinha ou o mágico Houdini. E assim como a acrobacia circense extrapolou os domínios da China, o circo ainda vive, nos quatro cantos do mundo!

E circo sempre desperta a imaginação. Pode ser o circo de antigamente ou os novos circos, com bichos ou sem bichos, de variedades ou temáticos (como costumam ser os circos modernos!), daqui ou de longe, brasileiro ou estrangeiro. Não importa! A imaginação se arma para a festa, para a surpresa e para o riso, tudo na base da emoção. E de repente todo mundo parece ter a mesma idade, mesmo que tenham variados tamanhos e diferentes anos de vida.

Mas se circo atiça a imaginação, também provoca poesia.

No livro “Circo mágico” vamos encontrar 20 poemas sobre os personagens clássicos de um circo; desde o bilheteiro ao apresentador; do tratador ao adestrador de animais; do equilibrista ao domador; do palhaço ao malabarista. O livro é quase uma fotografia da família circense, dessas charmosamente amareladas feitas por um lambe-lambe. Digo “fotografia” porque os poemas “focalizam” justamente o elenco que compõem um circo. Mas são mais do que mero registro de luz e sombra, mais que papel e líquidos reveladores e fixadores! São poemas revestidos pela química do tempo e do olhar perscrutador do poeta.

Mas não é assim tão simples. Falar de cada tipo desses na forma de poema é a proposta do livro. E não é poema desses rimadinhos pra ficar bonitinho. Não! São poemas bem construídos com versos grandes ou pequenos, com estrofes (“divisórias”) maiores ou menores; com palavras conhecidas ou desconhecidas. O que importa é que os poemas não são simples jogos de palavras (a poesia infantil, por vezes, esquece o jogo dos sentidos para ficar apenas no vazio dos jogos de palavras!). Eles apontam para a brincadeira sim, para a delícia das palavras sonoras, para o ritmo da fala (poema sempre é melhor quando lido em voz alta!), mas também para umas idéias engraçadas e brincalhonas, como no poema “a mulher borracha”:

a mulher-borracha
é que tem jogo de cintura

parece de látex
retorce pra lá, retorce pra cá
vira do avesso
se estica toda
que nem cobra, lombriga, minhoca
até encostar o umbigo nas costas
então se desenrosca

depois
coça a cabeça com o pé
as pernas põe atrás da orelha
e sai caminhando com as duas mãos
sobre os dedos
na maior

mas o namorado largou dela
diz que era muito enrolada.

O poeta vai jogando com o sentido duplo das coisas, em vários poemas, como faz acima, com o verso “diz que era muito enrolada” ou, como faz no verso “para o homem-bala/ a vida é um tiro no escuro”, do poema “o homem-bala”. E com isso, instaura o riso. Ou faz cessar o riso e instaura a reflexão, como no poema “o palhaço”:

o palhaço
tem cinco filhos
riso, sorriso, risada e gargalhada.

o mais velho
fica em casa
veste preto
gosta de rock pesado
vara noite e madrugada

se chama lágrima

Como num circo de verdade, os poemas do livro conseguem despertar no leitor uma gama de emoções muito grandes, que vão do riso ao suspense, da melancolia ao medo, por exemplo. E num circo de sentimentos, a emoção, por vezes, é um corte, como neste poema:

a mulher do atirador de facas
confia no marido de olhos fechados

errar é humano
mas ela nem desconfia

Se no circo é o “número, a cena” quem traz a marca do sentimento (por exemplo, um número de palhaço traz sempre a marca do riso, a platéia sabe que vai rir com aquele número), no livro, o personagem descrito no poema além de trazer uma marca prévia, conhecida, é acrescido por um discurso que reforça ou desconstrói tudo isso, de uma forma inusitada. O sentimento impresso no tipo que ele representa é reforçado pelo discurso, é somado ao discurso, mas com um toque a mais (do contrário seria a repetição do que já se sabe ou se conhece!). Vejamos, por exemplo, o poema “o mágico”, em que o sentimento de surpresa emerge de várias formas, seja pelas mágicas executadas pelo mágico, seja pela falha do mágico em suas próprias mágicas, como se o poema construísse e desconstruísse o “natural” dos personagens, dos tipos que cria, indo além de uma mera descrição:

o mágico
gosta de enganar os olhos da gente

fazer sumir e aparecer coisas
é com ele mesmo
nessa hora ninguém pisca
todo mundo quer ver se decifra
e num passe de mágica
o que se escafedeu se desescafede
e reaparece

quer ver o menino rir
a mocinha sorrir, o velhinho feliz
nem que seja por um instante só.

mas a sua maior mágica
é fazer gente grande virar gente pequena

quando não funciona, ele pensa:
ó, que pena

Ainda poderíamos pensar que em “circo mágico”, os poemas mostram o lado espetacular e o lado humano de cada tipo desses. Como se fosse um espelho. Ou como se fosse o “de dentro e o de fora”:

a mulher que engole fogo
é cuca fresca
não se queima com nada

era fogo quando criança
quase incendiava a casa
mas de noite
nada de xixi na cama

não gosta de pilotar fogão
prefere uma churrasqueira
uma fogueira, um fogo de chão

certas piadinhas ela não aceita
quando se irrita solta fogo pelas ventas

sabe que não é bonita
mas também não é nenhum dragão

Há, contudo, no livro, umas frases sob medida, construídas para ficarem rodando na cabeça do leitor, como esta do poema “o apresentador”:

(…)
tem que entrar no picadeiro de peito aberto
pra fazer o céu chegar mais perto Ou uns toques-revelação contidos em alguns poemas, como este do “tratador de animais”:

o tratador de animais
é um cara intratável
prefere viver com os bichos
… são mais verdadeiros
(…)

Mas, no final das contas não é isso o que a poesia quer? Ficar morando nos olhos, na memória, no coração do leitor? O mais legal é isso, esse jogo de dubiedades, de ritmos, de graças, de sentimentos, que fazem dos poemas desse livro, um festival de brincadeiras sonoras e imaginárias, em que a palavra corporifica o seu significado real, ampliado, renovado, atualizado pelo simbólico. Precisa mais?

Em última instância, o livro fica a nos lembrar que para sentir e se espantar com o que os olhos vêem e com o que os outros fazem de espetacular, não há idade. O circo das palavras de Alexandre e Eduardo liberta bichos, feras, homens e meninos. Fazendo tudo e todos conviverem magicamente no mesmo tempo e lugar:

o circo
tem cheiro de pipoca
e algodão doce

é o paraíso
hoje, ontem, amanhã
vira sempre

é um lugar exato no espaço
fora do tempo
dentro do coração

onde o velho e a criança
dão as mãos.

Essa idéia, de paraíso, de lugar idílico, de território que abole fronteiras perpassa o livro em muitos momentos, e certamente ecoará depois que o leitor fechar o livro, principalmente porque a solenidade do significado de tudo isso está magnetizada e aromatizada pelo riso, pela leveza, pelo inesperado.

As ilustrações parecem feitas em tela e deixam o leitor ver os risquinhos do tecido, essa textura que é tão própria dos quadros. E as cores são abundantes. E o colorido é uma alegria só. Desenhos com cara de antigos pôsteres de propagandas.

Alexandre Brito estréia em livro solo para criança, e estréia muito bem. Traz consigo a experiência da banda “os poETs”, da qual faz parte. Eduardo Vieira Cunha entrou com as ilustrações amplas e enxutas. Na medida. A dupla faz samba, quero dizer, poesia pura, em vários sentidos!

Fonte:
Artistas Gaúchos

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A Poesia Azul de Fernando Koproski

por Rodrigo de Souza Leão

O poeta atual – devido aos alicerces que fundamentam a poesia de hoje – está quase sempre em profunda oscilação entre o caráter dionisíaco e o caráter apolíneo de sua arte. São raros os casos de convivência pacífica entre estes dois extremos. Penso o apolíneo como sendo a propensão a uma forma “enxuta” do poema, à moda cabralina, e vejo como dionisíaca o acento maior para o conteúdo. Para um bom projeto literário é necessário que estas duas forças, as de forma e conteúdo – apolíneo e dionisíaco -, estejam lado a lado em uma peça literária; e que elas participem em igualdade de força e tensão, proporcionando assim uma estética de completude na escrita de um autor.

O poeta vive na corda bamba. Se ele for excessivamente “forma”, corre o risco de se perder sem conteúdo. Se for o oposto, a forma pode ficar prejudicada e o poema embarcar pelos caminhos de uma poesia tíbia, em que a estrutura não possui a tensão que deveria ter. Afinal, não são mais tempos de uma escrita grandiloqüente, em que o poeta se adula de metáforas e linguagem conotativa. Então, como equilibrar a forma e o conteúdo numa poética? Como manter em patamares aceitáveis os níveis de apolíneo e dionisíaco na arte de escrever versos?

Estas perguntas podem ser respondidas citando o exemplo do poeta Fernando Koproski, no livro Pétalas, pálpebras e pressas (Sesquicentenário, 2004), sua quarta incursão pelo mundo poético. Onde Fernando dosa muito bem o conteúdo e forma: incorporando o ensinamento de Cabral, o de não perfumar a flor, e o conteúdo lírico de Vinicius de Morais, o de falar de amor despudoradamente.

Posso partir do pressuposto de que a poesia de Koproski está alicerçada em duas temáticas bem definidas: de metalinguagem e lírico-amorosa. A primeira é uma ambição alcançada desde uma advertência – nas primeiras páginas do opúsculo – de que este apanhado de poemas não é de poesia e sim sobre o assunto. A segunda já fazia parte dos primeiros projetos, em livros anteriores, do autor. Mas há espaço também para o hibridismo temático, onde o poeta alça um vôo “azul” sobre estas duas vozes que fazem parte de seu repertório.

Convém refletir que tanto a metalinguagem quanto o amor já foram exaustivamente usados
poeticamente. Aí que está a força de Koproski: utilizar, de maneira nova, temas recorrentes na literatura, sem cair no lugar comum. Para isto o autor, como nos diz Paulo Sandrini na orelha do livro, lança mão de “doses de oxímoros, metonímias, metáforas, sinestesias, sinédoques, aliterações, assonâncias, melopéias, fanopéias, logopéias e coisa e tal”. E são doses exatas. Tudo de modo diferente, a serviço da boa poesia.

AZUL

Para Koproski azul é a cor do poema. Trata-se de um ensaio – que consta do livro – em que o autor elabora a noção de que esta tonalidade é a mais poética para a poesia. Pétalas, pálpebras e pressas está dividido em três partes. A primeira delas (a minha maneira de estar sozinho) é composta de belos poemas e poemas em prosa. Podemos citar vários exemplos de como o poeta alcança o seu intuito, como nesta peça sem título: “um dia talvez/quando tinha 17/agora,/tarde demais(…)//noites por certo/quando tinha 27/até que escrevi(…)//hoje tenho tantas tardes(…)//tarde demais pra ser rimbaud/ou pra cometer o suicídio/um pouco cedo ainda/pra pensar em ser Vinicius”.

A segunda parte do livro (o que é o poema?) reúne alguns ensaios que versam sobre o fazer poético com muita delicadeza e personalidade, à maneira de Koproski: com muita poesia. A terceira e última seção têm como abertura um belo poema também sem título:

desde que decidi viver
morrer tem sido a vida inteira
lago a lago à espera de um amor
morrer esse mar que me lê
em páginas e mais páginas de areia

Há também um ensaio entremeado com a poesia de Koproski em que se mostra o seu virtuosismo ensaístico e poético. Tudo ao mesmo tempo: num só encadeamento. Juntando ensaio, prosa poética e poesia num trabalho de habilidade ímpar. Assim como os Beatles têm um álbum branco que entrou para a história da música, quem sabe este não será o livro azul de Koproski a entrar pra história da nossa nova poesia brasileira?

RL – Fernando, por que a cor da poesia é a azul?

FK – Citando uma passagem que trata disto em meu último livro: “Porque o azul de um poema é como um sistema propulsor de vôo para os pássaros e borboletas”. Assim penso a rara substância, cara seiva composta de matéria onírica, liberta e sugestionável que segue e infringe delicadamente as leis internas responsáveis pelo funcionamento de um poema. Azul é a cor de um poema por toda a amplitude sensorial que esta cor fere nas águas do olhar, caminhar de lagos que ela sugere ou mesmo signifique quando desavisados um céu no mar ela nos pisque e amplifique.

RL – Por que escreve?

FK – Muitos escribas já investigaram alguns de seus porquês e dos porquês de escrever. Sinto uma proximidade, aceitável identificação com os que o fazem por razões especificamente fisiológicas, feito fosse o poema realmente uma necessidade corpórea, uma dessas urgências da epiderme em identificar e esmiuçar o que a atrita ou a afaga. Mas não penso o poema somente como uma carência a ser sanada de uma estrutura física, posto que os exercícios da mente em geral exigem muito mais atenção e acompanhamento clínico de uma poética. Assim, penso que escrever poderia muito bem ser um suor da alma, algo imprescindivelmente necessário ao bom funcionamento deste estranho e frágil mecanismo feito de ossos e carne pulsante que volta e meia não se conforma em ser apenas o que é e, merecida ou imerecidamente, sonha ir além.

RL – O que é poesia de invenção?

FK – Não me vejo como defensor, muito menos procurador dessa tendência da poesia brasileira atual de empreender uma verdadeira cruzada de esvaziamento de significação nas possibilidades de terna ou tensa convivência entre o sentir e o pensar, em nome de uma pretensa procura por inovação de linguagem no que se propõe poesia; não importa o quanto este esvaziamento seja cuidadosamente maquiado por anúncios competentes de belas campanhas de self-marketing literário de certos “poetas”, e principalmente assegurado por estes em conluios comumente realizados nos círculos da política literária tupiniquim. Pois não imagino como testemunhas do culto ao fragmentário ou da “velocidade” de percepção, nomeadamente os que insistem em cultivar insights poéticos como se estes fossem poemas, ou mesmo os que assumem uma postura de delírio em pretensos ornamentos e “rebuscamentos” feito fosse o poema uma simples arte decorativa, nomeadamente os que procuram disfarçar sua mera condição de obsessivos-compulsivos por dicionários, alheios à verdadeira força motriz da linguagem, tenham de fato algo a ver com a poesia de invenção.

Tampouco sou partidário desse Rotary Club da terceira idade da literatura, composto em sua grande maioria por velhas carpideiras da linguagem, ou seja, distintas senhoras (algumas bem jovens, por sinal) que passam a vida a se lamuriar, cônscias que estão de que não há nada mais a fazer e a inventar, condicionadas, portanto, a apenas lamentar o fim das inovações e dos limites a serem transpostos do verso e pelo verso. Neste cenário tão profuso a seriedades e equívocos da razão, posto que os da paixão ou são desculpados ou ignorados ou lamentados, a única coisa que percebo é que se há um caminho a pensar e a sentir uma nova forma poética – ou como queiram, poesia de invenção -, intuo que este não seja um caminho único, de uma via apenas.
Seria talvez um caminho de jardins que se bifurcam, onde os procedimentos prosaicos não se sintam tão negligenciados ou assimilados tão simploriamente pelos cultores de versos, e de igual forma os discípulos dessa ciência que a tantos torna propícia uma música de idéias, não se proclamem tão narcísicos em relação às suas virtuosas demonstrações de egoísmo e, depreciativos, esqueçam do aspecto fundamental da arquitetura poética que é a capacidade comunicativa. Talvez assim os jardins, ainda que não anseiem por completude ou supremacia de seus procedimentos internos em relação aos que destes distam, ao menos percebam através de suas distinções de áreas de sombra as alturas que anseiam e a capacidade de claridade que sonhem e possam apreender dos ensinamentos daquela luz que se faz autêntica.

RL – Como anda a cena poética do Paraná?

FK – Acho que vai bem. Encontro força e vontade aliadas a juventudes sensíveis. E quando falo em juventude, me refiro a obras em expansão que independem da idade cronológica de seus autores. Confirmo este olhar ao ver os poemas que Bárbara Lia comete. Esta que embora tenha sido uma poeta educada por Borges e Lezama Lima, já foi vista cabulando muitas aulas ao lado de Rimbaud e outros seres de alta periculosidade poética. Igualmente espero bons trabalhos dela e de Luiz Felipe Leprevost para o futuro, pela distinta poética cênica que este autor vem desenvolvendo. Además, se não encontro muita poesia em alguns poetas praticantes daqui, de forma alguma há razão para pânico ou melancolia. Basta me dirigir ao meu armário de primeiros socorros poéticos e abrir qualquer livro de contos da Luci Collin, pois ali é amplamente possível ao leitor encontrar poesia – com aquele componente ativo chamado autenticidade – em altas dosagens; administrada cuidadosamente e com muita maestria, encanto e beleza entre os fios narrativos. A quem interessar possa, estas narrativas poéticas da Luci, eu prescrevo sem hesitação.

RL – Como surgiu o tradutor Koproski?

FK – Acho que este estranho sujeito surgiu, ou melhor, foi gerado devido a um irreprimível processo de mitose de minha experiência como leitor de poesia. Pois depois de um certo tempo lendo e tendo descobertas notáveis e necessárias em poemas de língua inglesa, percebi a impossibilidade de ficar estupefato sozinho. Após encontros de ternura ou violência com a lírica do outro, sentia a impraticidade de descobrir algo precioso e manter isto apenas para mim, feito fosse apenas um egoísmo aceitável de leitor, ou então conversar sobre isto com ocasionais leitores do texto original. Senti a necessidade de dar um passo adiante, ou seja, traduzir como forma de dividir com outros as especificidades expressivas do original.

Além disso, já que não era mais possível se conformar em guardar aquele texto somente para uso próprio, por que não pensar a atividade tradutória como uma possível parceria entre autor e tradutor? A música já está pronta, isso nós sabemos, entendemos ou intuímos. É tão somente uma questão de estar atento, com o senso e os sentidos em vigília, apto a deixar o outro falar, cantar ou calar através de você as suas letras.

RL – Sua poesia se encaminha cada vez mais para uma vertente lírico-amorosa. Como encara esta afirmação? Faz parte de seu projeto literário?

FK – Se permitirmos tratar como projeto literário este pequeno diário de bordo de insistências deste fernando nos azuis, poderia inferir que, em termos de poética, talvez só o que eu queira ou intencione seja inspecionar e investigar as possibilidades do que possa ser humano em nós, ainda que certas circunstâncias assim não possam ser referendadas ou admitidas. Ao escrever, penso em auscultar interiores, escavar arduamente dentro de mim mesmo, não somente a fim de me compreender exclusivamente, tal qual um mero arqueólogo em busca dos mais belos egoísmos perdidos de si mesmo, mas, ao contrário, se isto me for compatível ou concedível, com a intenção inconteste de procurar veios e águas interiores, feixes de claridade e escuridão essenciais, que a si só não se bastem.

Procuro estas águas e feixes que necessitem se comunicar, através de equilíbrios sensivelmente musicais entre as formas de sentir e pensar, com os feixes e as águas de outros. Pois não posso sequer imaginar apreender como poema um texto que ignore o aspecto primordial comunicativo que se faz necessário em toda e qualquer obra de arte. Para tanto, leio o poema que me (ou nos) escreve assim, como um sistema de vasos comunicantes entre eu e você, apto a inaugurar águas interiores que se reconheçam posto que contenham semelhança ou intimidade entre si, ou quando não, quem sabe, possa propiciar outros encontros, de águas negras e águas aclaradas em interessantes e estimulantes conflitos, que nos imaginem em confluências dignas de nota. Neste sentido, de promover através de uma biografia circular das águas uma inspeção no que seja irremediavelmente humano em nós, percebo a vertente lírica sustentada nas circunstâncias do amor como esta condição que aqui me conduz – entre os azuis do que melhor nos traduz.

RL – Como surgiu a Kafka – edições baratas?

FK – A Kafka surgiu da necessidade de viabilizar publicações de trabalhos de prosa ou de poesia a custos bem reduzidos. Ao lado de meu caro amigo Paulo Sandrini, escritor e designer gráfico, notávamos há tempos que havia uma barreira muitas vezes intransponível à divulgação de livros de novos autores, entre os quais nós nos incluíamos. A saber, o preço final de venda dos livros. Em termos práticos, verificávamos que era muito difícil um leitor apostar num livro de um autor estreante e desconhecido. O poder aquisitivo deste leitor, como nós bem sabemos, é posto à prova de diversas formas num país como o nosso. Assim
sendo, imaginamos uma publicação que pudesse de forma extremamente acessível apresentar uma amostragem de um trabalho narrativo de um escritor, ou em termos de poesia, se não uma amostragem até mesmo um livro inteiro de um poeta. Depois de estabelecido o formato, que é o de um mini-pocket, 13×9 cm, o passo seguinte era o de, através de um projeto gráfico simples mas de bom gosto, viabilizar esta modesta empreitada.

Desta maneira, produzimos em fins do ano passado “O capacete da imortalidade”, uma narrativa do Paulo, “Como tornar-se azul em Curitiba”, misto de prosa-poética e ensaio de minha autoria, e “O sorriso de Leonardo”, estréia em livro da Bárbara Lia. Posso dizer que até o momento, a experiência tem sido bem estimulante, tanto que pretendemos procurar novas parcerias com outros autores para este ano.
*
aprendi a escrever com a dor que me ensinaram, aprendi a
escrever com a dor que eu causei. decidi que não quero mais
aprender a sentir o que não for amor.
decidi que não quero mais aprender com a dor o que aprendi
ou ensinei.
*
felicidade não existe como uma pedra, uma página, uma
pessoa. felicidade acontece como uma sede, um sentido, um
céu. as coisas que existem procuram por porquês – não
adianta perguntar, é a sua maneira de ser. para as coisas que
acontecem basta acontecer.
*
um dia talvez
quando tinha 17
agora,
tarde demais
pra ser rimbaud
tarde demais
pra escrever tudo
que senti
e depois sumir.
noites por certo
de quando tinha 27
até que escrevi
uma ou outra,
mas para minha
maior surpresa
eu não morri
com janis
com jimi
com jim.
hoje tenho tantas tardes
florescem florenças
dentro de minha cabeça
e mesmo tendo pétalas
diante de pálpebras
diante de pressas
eu me sinto tão pobre.
tarde demais pra ser rimbaud
ou pra cometer suicídio
um pouco cedo ainda
pra pensar ser vinicius.
*
para os que se ocupam de fazer análises literárias
I. nos seguintes versos:
se fosse em virtude que se vivesse
quando um vício se distraísse
se quando vênus viesse
fosse em versos que me visse
não minhas vertigens
o que ela vestisse
o nome dessa figura de linguagem
não é aliteração
o nome
dessa figura de linguagem
é vida
ou os amores
que eu não tive.
II. nos seguintes versos:
porque meus ouvidos têm sede
do que você diz,
meus olhos têm essa sede
de quando você sorri.
porque se tuas tardes
têm sede de saber
quem vai nos amanhecer,
minhas manhãs têm sede
de tudo que te entardecer.
o nome dessa figura de linguagem
não é sinestesia
o nome
dessa figura de linguagem
é Ingrid
ou o amor
que ainda me vive.
*
em lagoas onde só o que seja a gente ainda cisme, todo não
que cabe num poema é todo sim que nos ensine a cisnes.
(de Pétalas, pálpebras e pressas)
*

Fontes:
Entrevista concedida à Rodrigo de Souza Leão em abril de 2005. Disponível em http://www.germinaliteratura.com.br/

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